世界艺术中心纽约7月都发生了什么？7个展览告诉你
7月，伴随着美国独立日（国庆日）的到来，美国民众开启了假期模式。虽说此时纽约艺术圈已进入了淡季，但各大美术馆与画廊仍以不同方式推出系列展览去吸引那些假期中的民众。从学术专业到视觉感官体验，各类展览应有尽有。7月世界艺术中心的纽约比你想象中更精彩！在8月才到来，对7月挥手告别之际，准备好，跟随99国际团队，在7月的纽约来一场艺术之旅……
在进行“7月纽约艺术之旅”前，首先我们得“入乡随俗”，先去了解美国近现代的文化。
想深根了解20世纪美国文化，你不可能脱离他（点击阅读原文）
斯图尔特·戴维斯是美国城市文化最好的诠释者，他是泼普艺术的先驱，他把风靡欧洲的抽象立体派本土化，他的艺术作品里跳动着美国爵士时代的音符，歌唱着激进的政治主张，他的作品被誉为20世纪美国艺术的灵魂，承载着几波浪潮却万变不离其本。他的作品价值连城，并被印刷成了各类海报和剪贴画散布在大街小巷，被标榜为20世纪美国最真实的写照，幅幅作品都成为了艺术史上不可多得的经典。
在美国惠特尼美术馆的大型斯图尔特·戴维斯回顾展上，展出了艺术家各个阶段的重要作品，并着重展示了其晚期的成就。霓虹灯，爵士乐，摩天大楼，城市街道，戴维斯用支离破碎的图案和拼贴画的版面，将盛行整个欧洲的以毕加索为代表的抽象立体主义赋予美国的本土文化。大胆的色彩，丰富的几何元素，简洁的构图，完美的演绎出先进自由的文化背景，高科技商业化的都市色彩，以及蓬勃旺盛的美国精神。
对于美国近现代文化有所认识后，我们在通过“游乐园”般的展览去深刻了解美国现代元素：霓虹灯、爵士乐等……
光影艺术界的王者如何玩转红橙黄绿蓝（点击阅读原文）
对于霓虹灯在艺术领域的使用，不可不提的就是光影艺术界的王者——詹姆斯·特瑞尔。从5月到7月底，佩斯纽约画廊两个驻点同时举办了是詹姆斯·特瑞尔个展“67 68 69 ”。该展览是艺术家近十年来专门为他的光投影作品举办的一个系列展览。展览含括了艺术家从20世纪60年代以来，早期优秀的光投影作品和制作过程示意图，完美展示了艺术家对于色彩、光以及空间感受的研究。
詹姆斯·特瑞尔是一位以空间和光线为创作素材的美国当代艺术家。在50年的艺术生涯中，特瑞尔充分体现了灯光本身的实体特性，同时借由灯光表达了人类感知的奇妙和复杂性。詹姆斯·特瑞尔作品的奇妙之处在于，他仅仅靠着光线颜色和角度的变换，利用人类对光源、色彩感知的敏感性，营造了一个奇妙的世界。他的作品通常利用封闭空间将观者包围，以控制观者接收光线的程度。就如詹姆斯·特瑞尔自己所言“我真正感兴趣的如何在一个空间的特质中去感知另外一个空间。这就像是观望一个正在观望人。当把客观性剔除后反而能获得一种新的客观，正如你用视野去探量一个空间，有一种可能就是‘你将看到自己在看’ ，而这种‘看’与‘探量’为空间输入了人的意识。”
用音乐和气球嗨翻整个展览（点击阅读原文）
布满白色气球的童话般的房间，穿梭在19世纪的书房里的音乐演奏家们，自动开合的厚重的欧式窗帘，加上那些无论隐形的还是鲜明的，无论人们意识到的还是埋藏在潜意识里的，融入在场景本身中的艺术作品，整场马丁·克里德在公园大道军械库艺术展的展出如同一场有趣的互动演出，将观众包围在其中，引导他们参与在其中，并变成艺术的重要组成部分。
早从达达主义和泼普艺术，延续到极简主义，一直到20世纪末期开始兴起的行为艺术和表演型艺术，直至如今不再拘束于主题和分类的自由艺术风格，艺术家们都在不断的探索和挑战“艺术”这个此本身的定义。而对于这个展览，有趣，好玩，是观众们对此次展览最大的反响，就连艺术家自己也说：“我知道这个展览看起来有点太过有趣了，甚至有点滑稽，但是公园大道军械库艺术展的场地本身就是有趣的，这个地方似乎就是用来让人们穿着打扮的精致美丽后来尽情活动的场地。”
除了这些让人嗨翻的展览，各大美术馆和画廊也不忘对学术进行梳理和推广。正巧，今年是达达主义诞生一百周年，在这百年之际，他们也以此为主线去回望有关达达的一切。
纽约MOMA历时6年的策划 关于达达（点击阅读原文）
纽约现代美术馆在历时6年的策划后，将Dadaglobe Reconstructed展览搬上的舞台。此次展览汇集了特里斯坦查拉（Tristan Tzara）原定于1921年出版的作品《Dadaglobe》中100多副来自世界各地达达主义艺术家的领军人物们的作品。坦查拉此项浩大的工程对来自10个国家50位世界级艺术家发出了邀请，要求大家提交4类作品：个人照，艺术品照片，原始绘画作品，和书籍排版策划。这本从未出版的书如同一次呕心沥血的达达主义的总结和聚集。摄影作品，手稿，合成相片，剪贴画，文字档案等艺术形式都积聚在此次展览中，多角度多媒介的诉说着达达主义重要的历史影响和令人叹为观止的艺术价值。
此次展览是一次集理论，实践，历史，为一体的学术性回顾展。策展人萨曼莎弗里德曼（Samantha Friedman）在与99艺术网的采访中，对此次展览以及达达主义本身在艺术史中的重要性进行了深度的分析和评论。萨曼莎弗里德曼（Samantha Friedman）与著名艺术史学家阿德里安萨德哈尔特（Adrian Sudhalter）一起，在为期6年的研究和策划后，以特里斯坦查拉（Tristan Tzara）策划的书刊《Dadaglobe》为本源，为观众带来了一场达达主义视觉的盛宴和专业的探索。
与劳森伯格齐名的男子—布鲁斯.康纳 （点击阅读原文）
7月3日，纽约著名现代艺术博物馆MoMA特别在六楼为布鲁斯.康纳举办了个人回顾展，展出了他在50年的艺术生涯里创作的250多件作品。此次展览取名为“BRUCE CONNER:IT’S ALL TRUE”, 让我们第一次那么完整地近距离看到了一个真正的布鲁斯.康纳。250件作品，横跨多种艺术形式，让我们领略了布鲁斯.康纳不竭的艺术创造力。真正的艺术家是永远不拘泥于一种艺术表达。艺术的魅力就在于它的无线可能性。我们在布鲁斯.康纳身上真切地感受到了这一点。“BRUCE CONNER:IT’S ALL TRUE”, 他当之无愧。
50年代后期，布鲁斯.康纳已经通过绘画和综合绘画在美国艺术圈获得一席之地，尤其是他的综合绘画，为他早期艺术生涯获得了广泛的关注。布鲁斯.康纳(Bruce Conner)作为这种艺术形态的领军人物，开创了用尼龙丝袜包裹各种材料作集合艺术的方式。他将平时收集的废弃了的家具，破旧的玩偶，人造珠宝，皮草，蜡烛，金属等材料拼合在一起，然后再裹上女人的丝袜，使作品呈现出一种维多利亚时期的阴郁气息。在布鲁斯.康纳(Bruce Conner)的作品里，我们能感受到他对美国消费主义下扭曲价值观的声讨，对女性暴力的谴责，和因现代化而被遗弃的过去的美的怀念。
当然，艺术始终是个性化的东西。展览除了围绕实时热点话题进行，也有不少美术馆和画廊始终“唯我独尊”去推一些极为个性的艺术家。
老辈大师，一块钢板成就一位极简大师（点击阅读原文）
理查德.塞拉是世界上著名的极简主义雕塑家，以巨大的钢板雕塑著称，作品尺寸宏大但线条简练，往往给人一种神秘和震慑感。 7月，高古轩纽约画廊均集中展出了理查德.塞拉（Richard Serra）的最新作品。展览分两个区域，位于24街第10和11大道的画廊展出的都是矩形结构的钢板雕塑，共4件作品。展区最大的空间摆放着的是一个由钢板组成的一个“巨石阵”，16块高低不平的厚钢板错落有致得被摆放在中央的空地上。每一块钢板的高度都比人身要高出很多，使你在置身其中时有种被“钢铁森林”淹没的感觉。
理查德.塞拉用钢板做雕塑艺术其实还离不开他过往的经历。他的父亲是一位在旧金山船坞厂的管道工，他从小从父亲那耳闻目染钢板这类材料，而他青年时期又曾在钢铁铸造厂打工支撑他的艺术学习和创作，从此和这个材料结下不解之缘。他的作品以极简著称，喜欢将钢板弯曲，组合，颠覆我们原有对这种材料的印象，通常每一块钢板都可以独立支撑站立，这与对材料的受重和结构研究是离不开的。
后起之秀，用标题、口号等玩转艺术（点击阅读原文）
Stefan Brüggemann擅长用文字进行创作，通过不同艺术形式，诸如装置，影像，绘画等，传达他的观念艺术。他的作品通常将文字符号置于一个艺术理念中，里面充斥了尖锐的社会批判和后现代美学。6月29日，他的个展“Stefan Brüggemann“”在位于上东区69街介于麦迪逊大道和公园大道的Hauser&Wirth画廊开幕。
此次展览，Stefan Brüggemann共带来二件作品。其中‘Headlines and Last Line in the movies(wall)’ (2016)占据了画廊的整个一层和三层的空间，而第二件作品‘Timeless(69th Street, NYC)’ (2016)则占据了画廊的整个二层空间。艺术家在‘Headlines and Last Line in the movies(wall)’(2016)这件作品里将不同来源的文字素材通过喷绘的方式，现场涂写在画廊的墙面上，也就是说这其实是艺术家在展开幕前的一个即兴创作。‘Timeless(69th Street, NYC)’ (2016)由98块镜面组成的，布满了二楼整个空间，而这组文字“Time”被做成字体贴膜后粘贴在镜面上，重复出现在每一块镜面上。近距离观察，发现每一组“Time”不是少了信息，就是因为字体的重叠变得非常难辨，再加之后来泼洒上去的铝漆，视觉上呈现一种字体从墙纸上剥落的效果，使得要从一个镜面读下完整的信息变得非常困难。
来源：99艺术网成都站
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