凤凰艺术 | 盛夏是艺术果实逐渐开始青涩的季节
近日，由四位艺术家组成的群展“夏之画涩”在北京艺门画廊开幕。参展艺术家分别为马丁·韦默尔（Martin Wehmer）、王加诺、徐振邦、张大力。以下是“凤凰艺术”为您带来的现场报道。
“夏之画涩”作为北京艺门画廊（Pékin Fine Arts）近日所召开的群展，来自德国的马丁·韦默尔（Martin Wehmer）和中国的王加诺、徐振邦、张大力无疑组成了一张别具一格的场景。“夏之画涩”，该主题对于艺门画廊的此次展览而言，是一场用不同的优势角度以及旁观者的视角，用“新鲜”的眼光去发现有“鲜度”的事物。60年代出生的德国艺术家马丁·韦默尔和中国艺术家张大力，90年代附近出生的中国青年艺术家王加诺和徐振邦。他们形成了两种对话，以及相互于自身的对话。正如艺门画廊将马丁·韦默和张大力分属于同一展厅，而王加诺和徐振邦在另一展厅。
▲ “夏之画涩”展览现场
来自德国的艺术家马丁·韦默尔来到中国已有数十年，他是一位忠诚于绘画的艺术家，西方现代主义以及之后的艺术史深刻地影响着他，抽象表现主义曾是他在德国时期创作的主要形式。自2008年来到中国之后，他开始探索和反思整个西方现代主义，在这里，他开始对现代主义中分岔的哲学-艺术目标作出一个回顾式的概述，包括艺术品生产对自身制作方式和过程的直接指涉，以及表现对此时此地的直接回应，韦默尔的修正主义动力卸除了定义抽象和表现的既定分类，创作出同时运用了抽象和表现二者的语言和策略，常常用强而有力的直线图形，在形式化的结构中糅合了具有绘画感的手势的画作。
▲ Martin Wehmer,《WOMEN B》, 2019, 布面油画, 120x90cm
▲ Martin Wehmer, 《GREEN GLOVES》, 2019, 布面油画, 150x100cm
在数年的艺术尝试和创作中，于是，在“夏之画涩”中，我们看到了一批脱离于西方非具象绘画的新作。在这些新作中，我们可以看到艺术家正在脱胎于固有的西方抽象主义，转而开始寻求于一种新的似文学气质的新具象尝试。在其中，我们似乎能感受到一种源于东方含蓄想象力美学的艺术构建。韦默尔使用局部和留白的人物肖像和肢体，借助于色块、色彩和来源于西方现代主义的线条处理，创造出一种新的，来源于他自身对艺术思考的美学特征。“什么可以被表现，而什么只能凭想象”，他将现代主义的非具象传统和具象的戏剧性想象融为一处。我们不能简单地处理这些问题，而应当用一种关于具象的抽象想象，去涉入他作品中那些关于情感和理性的部分。
▲ 艺术家马丁·韦默尔接受“凤凰艺术”采访
▲ Martin Wehmer,《WOMEN 2》, 2018, 布面油画, 120x90cm
▲ Martin Wehmer,《WOMEN A》, 2019, 布面油画, 170x100cm
在接受“凤凰艺术”采访时，韦默尔亦表示他的创作已于欧洲时期截然不同，它一方面来源于对欧洲的反思，另一方面来源于对在中国生活数十年对中国艺术生态的思考。在一种与德国和欧洲艺术群体相对隔绝的环境里创作了近十年时间。韦默尔展现了一种新的对其艺术和世界的洞察力，他对生活的敏锐性使其创作犹如一种关于油画的观念摄影，去捕捉那些源于生活细节本身和人类情感深处的细腻而深邃的精神迷宫。
▲张大力 ,《竹子No.15》, 2019, 宣纸蓝晒、绢布拓裱 136x68cm
▲张大力 ,《竹子No.15》, 2019, 宣纸蓝晒、绢布拓裱 136x68cm
在该展厅中与韦默尔相对的是同样出生于60年代的张大力。他作为从90年代以涂鸦艺术而成为瞩目的中国艺术家，此次在“夏之画涩”中的宣纸蓝晒作品，则更倾向于东方主义的美学。在这里，我们可以注意到，蓝晒法起源于德国普鲁士，而作品中的竹子则代表了中国东方元素，玫瑰则代表了西方关于爱情与自由的象征，而从作品线条本身来理解，则是更加纯正的东方主义特征。张大力与韦默尔都展现了东西方的某种融合和对话，在这里，我们可以理解为一种对耦，也是陈展方式的特征。
▲张大力,《玫瑰No.11》, 2019, 宣纸蓝晒、绢布拓裱 136x68cm
▲张大力 ,《玫瑰No.12》, 2019, 宣纸蓝晒、绢布拓裱 136x68cm
蓝晒，在张大力这里，在2016年的民生美术馆所展出的“恒久与无常：张大力新作展”中，就使用了蓝晒的概念和材料。作为一名不停思考人生和世界的艺术家，张大力从过去以涂鸦等介入社会的热血方式，开始理性地回归到一种关于人类思想的思考。策展人巫鸿认为其蓝晒系列是张大力开始走向唯心的开端，蓝晒是一种去机器化和去数码化的技术，它不需要使用相机，儿时将柠檬酸铁铵与铁氰化钾混合试剂涂抹在画布的表面上，然后曝光于太阳，使其曝光部位和阴影部位分别呈现出蓝色和白色。而此次作品中的红色，则是张大力对蓝晒技法的新型尝试和对材料的新的运用。它展现了艺术家对其艺术思考和艺术表现形式的不断创新和探索，正如张大力所认为的那样，艺术家对艺术的探索是永无止尽的。
▲ 王加诺 ,《樱木花道》, 2018, 布面丙烯 200x200cm
▲ 王加诺,《野生世界 No.64》, 2019, 布面丙烯 120x120cm
而在另一边展厅中，则是出生于90年代前后的青年艺术家王加诺和徐振邦，他们的共同属性是时代感特征的相似。王加诺的潮流艺术风格非常贴切于当下新时代年轻人的审美特征，使用涂鸦及流行卡通元素，营造出80后中国新青年的记忆美学。在这里，无论是猫和老鼠还是樱木花道，都展现出王加诺对时代把握的敏锐度。
▲ 王加诺,《野生世界 No.56》 140x180 布面丙烯 2019
▲ 王加诺,《野生世界 No.57》 120x120 布面丙烯 2019
王加诺的潮流艺术将流行的趋势和动向以波谱的形式表现出来，它顺应了自沃霍尔以来开创的波谱艺术的新世纪的新印象。在这里，作为一名中国本土艺术家，王加诺无疑对自己的作品充满了自信，他的创作与潮流和时尚及当代中国年轻人的生活紧密联系在一起。作为一名80后而言，这些作品中的形象无疑是相当熟悉的，正是如此，他的作品将与中国新青年群体产生巨大的共鸣和童年情感上的认同。儿童时代无疑是关于梦和美好想象的高饱和度的时代，在那里，云是彩色的，卡通是鲜活的，情感是丰富的，想象是无边际的。
潮流艺术无疑是抓住了大众心理学的某种潜意识特征，在这里，潮流艺术的美学与记忆的精神场域产生关系。正是如此，潮流艺术由于其普适性，它的商业价值潜力是巨大的，正如在此衍生出的潮牌系列，更是将艺术带进大众更为广阔的视野领域。
▲ 徐振邦,《静物写生—绝对结构 》, 2017, 布面丙烯综合材料 100x100cm
▲ 徐振邦,《静物写生—体积造型考》, 2017, 布面丙烯综合材料 110x140cm
毫无疑问，徐振邦作为90后而言，也受到一定程度的波谱影响，从他的作品中就能明显感受出来，但他的创作与王加诺直接的潮流艺术并不一样，他以一种写生的方式来面对其艺术形式的构建。他的“静物写生”被称为一系列描摹表象的方法论体系，通过视觉捕捉形体的概念，在另一个空间还原个人化的视觉模式。
“写生”的概念在图像中产生，将表象的外在关联透过重构内在的结构从而达到再还原。“静物”与“图像”的概念在转化的过程中模糊了相互的边界，图像在被描摹的瞬间成为了物的本体，物体自身的意义退场至幕后。组合的形式与架构形成了全新的论述方式，看似无关联的物体在静物台上形成了一系列的情景脉络，而其原有的属性被抽离，重构的语法从暗影中被带至表层之上。
▲ 徐振邦,《静物写生—要有光》, 2017, 布面丙烯综合材料 180x150cm
一种关于写生图像的新表达，在这里，静物的图像形式被重新解构，退居于画面之后，一种延伸的临摹在图像的层级之间被打破，并将其边界模糊处理。它展现的是关于静物的新的综合美学现象。在不同的碎片交错後继而形成了新的整体，对这个整体不断地进行塑造、成形，使得这最终成为“静物”的新的本体。
在“夏之画涩”中，展现的四位艺术家，都以各自不同的方向对各自的艺术创作形成了全新的理解和实践。正如展览本身所显示的那样，“新鲜”来自于永久反叛的文化，马丁·韦默尔反叛了西方现代主义的抽象传统，张大力反叛并出现了自己全新的艺术观和思考领域，王加诺以潮流艺术的形式反叛了本土愈加严肃的中国当代艺术与大众鸿沟，徐振邦反叛了对图像与静物的传统艺术理念。
▲ “夏之画涩”展览现场
在这里，四位艺术家展现出了十足的创造力，他们是鲜活的，敢于接收新事物、做出新的改变，并且在任何时代他们都不断尝试。正如此次展览的主题中所隐言的那样：“仲夏夜里纳微凉，蔷薇细涩竹自香”，它们是感觉上的微微清凉、味觉上的通透沁爽、视觉上的恣意鲜爽，正如春季之后的盛夏。
展览信息
群展：夏之画涩
参展艺术家：马丁·韦默尔、王加诺、徐振邦、张大力
展览时间：2019年7月13日 — 2019年9月22日
展览地点：北京艺门画廊（北京市朝阳区崔各庄草场地艺术区241号-5）
（凤凰艺术 北京报道 撰文/采访/责编/李鹏）
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