哇！又一位厉害的创作人惊现！他用笔绘出绚丽的世界！
他的画
恢弘又不失细节
看似“简单”却又不失光彩绚丽
华丽表面的背后又透露出真切的情感
这都源于近几年来他的不懈努力
始终迈着探索的步伐
他不断有计划地通过针对性的练习提高自己
不紧不慢
追求“养生”
更加意料之外的是
现在的他还只是一名大四在校生
他到底是如何在没有工作经验的情况下
有效利用时间
快速提高绘画水平的呢？
那么
就有请今天的wuhu嘉宾
正式登场
新浪微博@影依望远镜
微博曾用名“个人存档处”，目前在读于中国传媒大学。
那么接下来就让我们从一个学习者的角度看看如何才能创作出带有真实感却又不失艺术风格的作品吧。
wuhu专访第239期
嘉宾 | 影依
采编 | 白白酱
Q1
欢迎来到wuhu哟！看了你的作品非常喜欢，而且不仅仅是主题为“Memories”的系列作品，其他的许多原创作品、同人作品，都给人呈现出一种精致且别样的视觉感受，尤其在17年使用3D结合表现方式后，整个画面的信息量非常多的同时又很整体，就请你说说自己是怎样权衡画面艺术表现与真实可信度的？
影依：
wuhu的小伙伴们大家好呀！谢谢大家喜欢，其实我当时创作“Memories”这一系列的初衷是追求电影截图般的真实感并尽可能提高自身写实表达的能力。由于之前几年的练习积累了塑造单体和较简单的环境的能力，这一套我给自己的目标是挑战更加复杂的空间构成和营造镜头感。
为此我去学习了一些立体构成和镜头语言方面的知识，比如框架结构，平立转换，体量感，张力的表现； 镜头方面读了像《镜头的语法》《Framed ink》之类的基础书籍，受益匪浅。除此之外，之前短暂了解过的零星建筑设计知识也润物无声地起到了作用。学习的门类不必只局限于眼前追求的事物，多涉猎多了解，当初看似无用的知识在未来有可能会有触类旁通的效果。
使用3D是我绘画过程中一个意义重大的转折点，尽管初始计划只是拉几个盒子做辅助，在透视上偷偷懒，不过后面接触的更多之后，3D的一些理论加深了甚至在某些方面改变了我对绘画的认识。
多通道渲染是第一个对我产生影响的3D功能，相较于传统绘画理论，多通道的分层方法让我能更清楚的理清表现一件物体的质感需要做的本质工作，现在即使没有使用3D软件，我在绘画的时候也会考虑环境光遮蔽，因为它可以增强环境的层次感，把物体实在地压在所处的环境中，不至于给人轻飘的感觉，反之，我如果希望物体含有轻飘的语义，就可以从这一点入手，刻意不去表现AO效果（“AO”即Amblent Occlusion的缩写，译为环境光遮蔽）。
对粗糙度参数的理解也让我对画面真实性的掌握取得了进步，在PBR流程中，粗糙度/金属度可以在很大程度上影响物体的材质，在了解这项属性之前，我对于漫反射和镜面反射的处理缺乏变化，了解后在生活中也会加强这方面的观察，不知不觉间对于反射的绘制就会变得细腻。
对不同材质物体反射的区分表现是我获得真实感的一个主要方法。
（拓展阅读：PBR即基于物理的渲染，是一套尝试基于真实世界光照物理模型的渲染技术合集，使用了一种更符合物理学规律的方式来模拟光线，达到更真实的渲染效果，而且可以直接通过物理参数来直观地达到想要的结果，不用通过拙劣的各种参数调整。物理参数一般直接通过贴图来传递给着色器。）
在这一系列创作过程中，由于信息量的增加，不得不考虑如何整合的问题，我开始去观察画面既有丰富的变化又整体统一的前辈作品，当时印象很深的是Levi Hopkins和Romain Jouandeau。
他们的多数图为了维持统一，会在色调和造型轮廓中选择一个保持调性一致，具备夸张造型的图用色或许比较保守，具备丰富色彩变化的图造型会比较整体；极有特色的造型常常配色会符合常理，肆意泼洒的色彩常常被限制在中规中矩的造型中，留给观众一些可以产生通感的媒介，这样我们可以在一方面尽情地进行艺术化表现，在另一方面让观众不至感到完全陌生，进而接受我们创造的这个世界中的“真实”。
Levi Hopkins
Romain Jouandeau
用这种思路练习熟练之后再去观察色调和造型变化都丰富却仍能保持统一性的图和做相应的练习也就不那么困难了。
开始尝试运用光线与空间的关系来谋划画面是取得整体感的又一关键，这也是“Memories”之后我的努力方向。
相关的理论有很多，比如光可以形成空间也可以中断空间，可以压缩空间也可以延展空间，比如依据“遇亮则暗”的原则进行场景灯光的布置，使用一些边缘光塑造形体，用点缀光活跃大面积的暗部等等，这些理论知识是在积累了一定视觉经验和一定的阅图量之后才接触的，所以读到每一点脑海中都会浮现出曾经看过的画面，然后深以为然……
Q2
看你在16年的时候就说过：“ 数字技术不应成为怠惰的理由，她给我们带来的只是更多的自由。”从你的作品中不难看出你一直在探索不一样的数字绘画表现形式，为此也在不断尝试制作多样化的笔刷。在这里就请你结合自己的探索经历谈谈你认为怎样才能让数字技术在个人绘画上达到更好地运用？另外你认为什么阶段才比较适合去追求表现上的自由呢？
影依：
可以说计算机技术能在一定范围内模拟大多数传统艺术方式，每一个门类中又各自有许多技法派别，它们集中到计算机中通过混搭便能产生新的表现手法，在其中畅游，探索，创造，可谓其乐无穷。从2D到3D大量的软件在自定义工具方面都有很大的自由度，在错综复杂的变化中找到适配自己创作流程的趁手工具是个很有趣的过程。
工欲善其事，必先利其器。虽然基础强大可以一只铅笔行天下，但是我认为适合自己的工具可以显著提高效率。
谈到运用，我习惯为了达到特定的效果，针对每个项目专门创造合适的工具。
比如下面这套图，我制作了一些基础形状和几支棱角分明的画笔,光点的颜色也有相应的设置。
下面这张是用自制的一套色粉笔刷画的：
下面这张的油画效果是用在软件artrage（彩绘精灵）中调整参数得到的油画刷子画的。
下图是在三维软件Fusion360中制作了几个元素之后再拼合渲染而成：
这方面给我启发的重要人物是Andrew Jones 和Thomas Scholes。
Andrew Jones对于工具的巧妙运用从几年前至今对我而言仍然是真正的mind blowing（震撼心灵）。
他对于材质的理解非常深刻灵活，他的图提醒我无需被任何工具本身限制，我只需关注我自己真正的需求。至于用电线画大海还是音箱做眼睛都是次要的。
Thomas Scholes则是用自己的图做笔刷，实现了“我贴我自己”。他拓展了我的工具制作思路。
Andrew Jones
Thomas Scholes
至于什么时候适合追求表现的自由，这关乎个人意志。有的人绘画的核心快感就是纯粹地自我表达，至于观者是否欣赏全然与己无关，那对于TA而言，从拿起笔的刹那，就可以追求表现的自由；
有的人绘画的满足感源于观众的赞许带来的成就感，那TA所追求的自由就要被TA希望讨好的观众的审美品味圈定一个范围，这时TA就要先学习已被认可的画风或创作模式，有了这个观众基本认同的框架之后再追加新的表现方式比较稳妥；
有的人希望紧随时尚潮流，时刻准备着满足大众对于新鲜口味的追求，那留给TA追求自由表达的时间就要十分珍惜的使用了。当然，还有极少数天才以最自我的表达引领了整个时代的大众审美，那就不在我们的讨论范围内啦。
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Q3
至今为止的绘画学习过程中，令你印象最深的几件事分别是什么呢？
影依：
童年那时的电视上有大量的来自世界各地的优秀动画，电影。同很多同龄人一样，自小我就被许多优秀的影片和动画深深的影响着，捷克斯洛伐克的《鼹鼠的故事》，德国的《巴巴爸爸》，日本的“死火海”（《死神》《火影忍者》《海贼王》）为首的大批动画漫画，我国的《宝莲灯》等美影厂佳作都是我人生不可缺少的经历。
虽然那时不会想到有朝一日自己有机会掌握制作它们的手段，不过我要感谢它们在我心中种下了最初的渴望。
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18年—17年 初音未来同人图
自从我拥有了第一盒水彩笔，就再也没有离开过绘画，这时就开始去一些兴趣班学画。小学时学过一阵水墨画，可惜当时的我兴趣不大，真正系统地学习是从之后的素描开始的，接受了三大面五调子的洗礼后课本上的火柴人也开始有模有样了0w0。家人一直以来都很支持我的选择，在此再次感谢！
之后一路通过美术高考，也是在高考这年，我开始接触数字绘画，一下子打开了新世界的大门，沉迷于电脑带来的渐变、顺滑感。至今印象深刻的是我的第一张CG临摹，用了3天时间也没有画出楪祈万分之一的美〒▽〒 遂奋发图强，在网络上看了诸多前辈的经验分享，可以说没有各位前辈图文并茂的解析也就没有现在的我们，此中薪火相传之义于我颇有感触。感谢前辈们的无私付出！
步入大学之后，时间相对充裕了一些，我也通过gumroad, gnomon workshop, lynda等网站找视频教程自学。
2015年（大一）的练习，基本是在熟悉PS和SAI的工具中度过：
2016年因为专业学习需要练习场景和气氛图，风景类作品开始多了起来：
也是这个时候开始更多的关注一些概念设计师，下面这张就是当时深受魏明老师作品影响的产物。
同时开始自学一些3D软件，初衷是省去打透视线的时间，第一个使用的3D软件是MAYA。
这之前手绘透视线真的是挑战定力：
到了2017年，我尝试了不少二维软件，比如painter, rebelle，同时学了更多3D软件，主要想要找到对于绘画参考来说操作更简便的3D软件，包括zbrush, 3D coat, keyshot, 以及再后来的C4D, FUSION360，并尽力应用于实践中。
平面图
模型
这一时期影响最大的人要数Jama Jurabaev，他积极探索新方法的精神和向人们介绍他的新发现时所表现的那股热情深深激励了我。
Q4
这么多年的绘画学习历程中，主要遇到了哪几次瓶颈期，之后又是怎么解决的呢？
影依：
瓶颈的话可能有很多但是我自己意识不到，因为我本身不是一个特别急于求成的人，所以很多时候即使做得并不好却看起来像个乐天派。
一定要说的话，就说说灵感来源吧。
刚开始在学每一种新的创作方式期间，我可能会在一段时间里过分关注其技法本身，进而感到失去了曾经的创造力，这时候我会提醒自己去关注绘画以外的世界，去感受生活，艺术源于生活的道理，经历过后会更加认同。
此外从纪录片和书籍中寻找灵感也相当有效，看纪录片算是一直以来的爱好，抽空惬意地躺下看看动物和昆虫，看看地球和宇宙，历史流转，地质变换……
在纪录片的节奏中，斗转星移也如白驹过隙，细菌的一天也如历经沧海桑田，这些点点滴滴的灵感，终将潜移默化，聚沙成塔。
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另一方面，有时我会倾向于看只有文字描述的书，有时就是一句话，激起共鸣或勾起回忆，带来的却是长久的震撼，而如果这份诉诸笔端的情感已经被具象化，给我的震撼却未必长久。我要做的只是尽力将流淌于想象中的感受表达在画布上。
创造力如果算是瓶颈的话，那会是每个创作者一生的瓶颈吧，人与人的区别就在于颈口的尺寸了。
Q5
尤其大学期间，用3年时间就已经画完了这么多速写本，再加上电脑有关色稿、建模等练习...数量难以想象，那你是怎么安排自己的练习时间的呢？另外又是怎么权衡原创和临摹的呢？
影依：
由于目前的阶段时间还算可以由自己掌控，我并不焦急，所以练习时间的安排上也比较养生。每天平均会有4-5小时绘画时间，基本安排在白天做完，因此也还没有画到半夜的经历。相较于短期大强度突击训练，坚持有计划的长期练习更适合我。虽然每天时间不算多，但3年下来也能画出点东西。
三年用完的部分速写本
各种针对性练习
练习的内容方面，我会分清楚每个练习的目标：是临摹还是原创？是人体还是场景？临摹学习的是结构还是色彩，是影调还是光线？是纹样还是肌理？是几何构成还是具体元素？
一张图吸引自己的是什么？未必从头开始画，点线面关系做得好未必把元素也原样描摹，学影调可以把图片去色去分析，学光线想想这光是分割的巧妙还是柔化了环境。
如果我做的是专项练习，我不会每张都做到最好，这也是每个人的个人意志决定的事，适合自己的才是最好的。
原创与临摹我是区分开来的，临摹就是临摹，尊重自己，尊重他人。
向上滑动阅览
草图
临摹
画照片
下面这种练习是记录知识的笔记，与其说是绘画练习，不如说是学习笔记。
再下面这些是记录自己绘画过程的存档，用来提醒将来的自己，有时会有实迷途其未远的庆幸，有时会有今不胜昔的感慨。
喜欢ACG的我终归还是忍不住开始画同人了：）
《小魔女学园》
《妖精森林的小不点》
《 来自深渊》
《少女终末旅行》
2018以后则开始各种尝试，同时开始谋划几个系列的创作。这一阶段更多的回归绘画本身，对各种软件的应用减少了很多。
跳出最初过度关注刻画的阶段，站在非美术专业观众的角度思考，如果我不会画画，那么我看一幅画看的是什么呢？首先应该是体会画中的情感，所以在表情达意方面做了些尝试。
期间有补一些中式风格的训练，有一套偏图形化的风景，当然还是很喜欢画同人图0w0
中式风格
《阴阳师》同人
另外更多的用自制的工具预设来创作。开了个巨坑，就是微博上带( • ̀ω•́ )✧的那套，主题叫做《星间的同路人》，故事还在创作中，这套可以说是个人喜好和关注点的集合。
Q6
很多小伙伴因为一直觉得自己的能力一直没办法把自己的想法表达出来而焦虑万分，在这里就请你给正在寻找个人风格却没有明确方向感的小伙伴们一些学习建议吧。
影依：
首先最重要的是让自己静下心来，很多人的焦虑可能并不是来自自己的思想无法表达，而是来自与他人的对比产生的心理落差，人外有人天外有天，艺术本身也并无绝对的高下之分，我们看到赏心悦目的图欣赏学习其优点就好，要对比则应该与过去的自己比，超越过去的自己是真正的乐事。
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至于个人风格，我自己也没有固定的风格，每一种风格都是某些作画习惯和生活经历交叠影响的总和，让人印象深刻的风格大多不是刻意制造的。用时间积累经历，让经历塑造自己，当有一天你的所有经历自然流露，相信属于你的风格会跃然纸上。
在我们还有充足时间的情况下，不妨大胆地试错，即使失败了也不必沮丧，因为失败中领悟的经验往往更有说服力。
从中总结出真正适合自己的方法后，就需要保持相对稳定的心境去做点点滴滴的积累，理性对待环境的影响，保持自己的练习步调，希望我们都能迎来守得云开见月明的那一天。
最后想说的是，
早睡早起，方能养生。
早睡早起，方能养生。
早睡早起，方能养生。
（重要的事情说三遍）
谢谢养生影依的精彩分享！！
文章福利来啦！！
这次影依会把制作的几款笔刷分享给大家，后台回复“影依笔刷”看看吧。
世界终究不会辜负任何努力的人。
时间会证明一切。
小伙伴们一起加油吧！
还没加入“wuhu每日一画打卡群”的小伙伴快快来和大家一起奋进吧！
添加wuhu小精灵2号微信(wuhudonghua2)发送“打卡”即可在不久后被邀请进群。
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