Ropac 线上展厅｜安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）：我的莱茵河

安塞姆·基弗

Anselm Kiefer

“我的莱茵河”

Mein Rhein

线上展厅

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展览地点

Thaddaeus Ropac画廊萨尔茨堡卡斯特别墅

安塞姆·基弗，《安塞姆在这里》细节，2023年，乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，190 x 280 厘米。

Thaddaeus Ropac画廊呈献德国新表现主义艺术巨匠安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）的最新个展，其线上展厅已于近日上线。

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本次展览名“莱茵河”在某种意义上象征着整个德国，几个世纪以来，它激发了无数的写作和诗歌，其中许多都在基弗的作品中得到呼应。德国诗人弗里德里希·荷尔德林（Friedrich Hölderlin）的诗歌陪伴了基弗一生的大部分时间。荷尔德林因对莱茵河的痴迷而为这条河献上一首著名的赞歌；一百多年后，哲学家马丁·海德格尔致力于这首莱茵河颂歌，宣称“我的思想与荷尔德林的诗歌有着不可避免的联系。”如今基弗对身份和历史的持续探索，创造出了一种多层次、复杂的图像，这些图像植根于艺术家对个人传记和文化遗产的反思。在下图作品《莱茵河》（2020-2023）中，艺术家用深绿松石色描绘了莱茵河，金色的天空映衬着河流，闪闪发光，就像艺术史学家弗洛里安·伊利斯在本次伴随展览出版的画册中写道的“自古以来就沉睡在最深处的尼伯龙根宝藏的倒影”。

安塞姆·基弗，《莱茵河》，2020-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，190 x 280 厘米

安塞姆·基弗，《莱茵河》细节，2020-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，190 x 280 厘米

这系列作品的特点是强大的物质性，通过密集的材料分层创造，包括金箔和电解沉积物。转变和时间流逝的主题不仅在主题上得到表达，而且在形式层面上融入了作品本身；密集的触感暗示着知识和历史的积累，而基弗作品的嬗变过程和对黄金的使用则源于他对炼金术的终生兴趣。这门古老的科学在整个中世纪世界广为流传，其目的在于将最普通的金属变成最珍贵、最纯净的金属，从而在人类和自然世界之间建立起深刻的联系。

安塞姆·基弗，《莱茵河》，2015-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，280 x 380 厘米

安塞姆·基弗，《莱茵河》细节，2015-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，280 x 380 厘米

在《安塞姆在这里》（Anselm fuit hic）（2015-2023 年）中，艺术家描绘的河流呈现出深绿松石的色调，映衬着明亮的金色天空，熠熠生辉，就像弗洛里安·伊里斯在展览画册中写道：“尼伯龙根宝藏的倒影，自古以来沉睡在河流的最深处”。

安塞姆·基弗，《安塞姆在这里》，2015-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，280 x 380 厘米

安塞姆·基弗，《安塞姆在这里》细节，2015-2023年

乳胶、油彩、丙烯、虫胶、金箔和电解沉淀物，280 x 380 厘米

基弗用他特有的草书笔迹在画面上部边缘写下了 Anselm fuit hic（安塞姆曾在这里）的标题。这参考了扬·范艾克（Jan van Eyck）在其著名的《阿诺菲尼的婚礼》（1434 年）上的签名，"扬·范艾克在这里（Jan van Eyck was here）"据说该签名记录了艺术家当时在婚姻现场的情景。艺术史学家恩斯特·贡布里希（Ernst Gombrich）在谈到这位艺术史上的重要人物时写道：“在历史上，艺术家第一次成为了真正意义上的完美目击者”。在基弗的作品中，同样的在场宣言被刻在了河流上方的金色平面上，“仿佛在说：我就在这里，莱茵河就是我的家：我曾在这里，莱茵河是我的，它是我的天堂，也是我的地狱；它是我的记忆，也是我的诅咒；它是我的青春灵药，也是我的洗礼池；它是我的深渊，也是我的水库：它是我的莱茵河，也是我的一切”，弗洛里安·伊利斯这样写道。

安塞姆·基弗，《秋天地球自转稍快（0.06秒）》细节，2018年，玻璃、金属、铅、虫胶、干叶、尼龙线、石膏和丙烯酸，1800 公斤，280 x 380 厘米

作品《秋天地球自转稍快（0.06秒）》（2018 年）呈现了基弗小时候通往河边的狭窄小路的景观。这个在艺术家作品中反复出现的主题进一步暗示了大自然的永恒循环，反过来也暗示了短暂、衰败和时间流逝的主题。弗洛里安·伊利斯在展览画册中写道：“它们诉说着夏日的消逝，诉说着某些事物即将结束。”大型玻璃橱窗里有一组天平和大量棕色树叶，似乎是从另一个世界翻滚而来。基弗自 20 世纪 80 年代以来一直在创作这类艺术品；它们是我们身边难以想象和看不见的丰富资源的容器，同时强化了疏离和孤立的主题。基弗借鉴罗伯特·弗拉德（Robert Fludd）的哲学思想，向观众展示了一个代表整个宇宙的微观世界，同时也将永恒的创造与衰败循环结合在一起。

在2025年，众多国际著名机构将为安塞姆·基弗举办展览，以纪念这位艺术家的80岁生日。其中包括牛津阿什莫林博物馆（Ashmolean Museum）和阿姆斯特丹市立博物馆（Stedelijk Museum），后者将与阿姆斯特丹梵高博物馆（Van Gogh Museum）合作举办展览（均于 2025 年春季举行）。

关于艺术家

安塞姆·基弗在工作室，摄影：Georges Poncet

安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）持续关注文化记忆、身份和历史，使他作品有多层次的主题，並往往辅以各种历史、神话和文学的素材。当中包括引用希腊和日耳曼神话、炼金术和基督教的象征主义、著名中世纪抒情诗人瓦尔特·冯·德·福格尔魏德（Walther von der Vogelweide）、生于罗马尼亚的诗人保罗·策兰（Paul Celan）、法国诗人及评论家沙鲁·波杜黎（Charles Baudelaire）、俄罗斯未来主义者维克多·赫列勃尼科夫（Velimir Khlebnikov）和奥地利战后诗人英格博格·巴赫曼（Ingeborg Bachmann）等人的著作。

在过去四十年，基弗将不同媒介的作品中反复出现的主题、意念和组合，透过积累、混合及重新制作，从而建立他的创作实践。材料的语言在他作品中的角色至关重要，所以作品往往带有沉积的地质纹理。铅、混凝土、泥土、干枯植物、玻璃、铁丝网以及加入现成物品如书本、镰刀和模型船等，衍生出高度象征性的联系。铅对这名艺术家相当关键，他把它形容为 “唯一足以承载人类历史重量的材料” （the only material heavy enough to carry the weight of human history）。他选择的许多材料和主题，都参考了炼金术，例如将卑金属转化为黄金，成为了灵性启蒙的隐喻。虽然他很多作品都可以在他战后德国的身份背景下解读，但基弗对神话和纪念的关注，涵括了整段人类历史。这不仅表现在作品的主题上，也表现在作品形式自身，透过处理材料和利用纹理，他浓厚的作品暗示了历史的积累，年复一年，层层堆叠，磨蚀的表面似乎反映出时间的流逝。

基弗生于德国多瑙辛根，在法国巴黎和巴尔雅克生活及工作，自1992年以来他一直在法国工作。这位艺术家入读卡尔斯鲁厄美术学院（Academy of Fine Arts in Karlsruhe）之前曾经学习法律、文学和语言学，后来在杜塞尔多夫（Düsseldorf）学习，是约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）的学生。1980年，他入选第39届威尼斯双年展的西德馆（West German Pavilion at the 39th Venice Biennale），此后他举行多个国际级个展，包括在杜塞道夫美术馆（Städtische Kunsthalle Düsseldorf）（1984年）、芝加哥艺术学院（Art Institute of Chicago）（1987年）、纽约大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art, New York）（1998年）、巴塞尔贝耶勒基金会（Fondation Beyeler, Basel）（2001年）、毕尔巴鄂古根海姆美术馆（Guggenheim Bilbao）（2007年）、伦敦皇家艺术研究院（Royal Academy of Arts, London）（2014年）、巴黎蓬皮杜中心（Centre Pompidou, Paris）（2015年）、维也纳阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina, Vienna）（2016年）、圣彼得堡隐士庐博物馆（State Hermitage Museum, St. Petersburg）（2017年）、纽约大都会艺术博物馆布劳耶分馆（Met Breuer, New York）（2018年）、奥斯陆阿斯楚普费恩利现代艺术博物馆（Astrup Fearnley Museet, Oslo）（2019年），及德国滨湖科黑尔的弗朗兹·马尔克博物馆（Franz Marc Museum, Kochel am See, Germany）（2020年）。基弗在1999年被授予日本皇室世界文化奖（Praemium Imperiale），并在2008年获得德国书商和平奖（Peace Prize of the German Book Trade）。2007年，他是继乔治·布拉克（Georges Braque）之后，首位受委托为巴黎卢浮宫制作常设装置的艺术家；2018年，他的场地特定雕塑《蛇形标志》（Uraeus）在纽约洛克菲勒中心（Rockefeller Center, New York）前展出。

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