Ropac 巴黎展览｜群展“非凡视野：七十年代美国艺术”
“非凡视野：七十年代美国艺术”
Expanded Horizons:
American Art in the 70s
展览时间
2024年9月21日—2025年1月25日
展览地址
Thaddaeus Ropac 画廊巴黎庞坦
朱迪·芝加哥，《女人与烟雾》，1971-1972 年，2016 年重制（视频截图）。表演者：南希·尤德尔曼。© 朱迪·芝加哥。图片由Through the Flower Archives提供。
Thaddaeus Ropac 巴黎庞坦空间欣然呈献群展“非凡视野：七十年代美国艺术”，汇集来自21位于1970年代在美国创作的最具影响力的艺术家的主要作品。
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此次展览具有里程碑式的意义，重点展示了那些挑战当代艺术观念的艺术实践，无论是通过对材料贯彻彻底的平等主义态度，还是对物理空间或周围世界的社会政治关切的深入参与。展览中的作品相互呼应，展现了这些先锋艺术家如何打破艺术创作的传统界限。这一与传统的历史性决裂正如艺术史学家罗莎琳·克劳斯（Rosalind E. Krauss）所述，标志着开始向“后现代主义领域的开拓”。
参展艺术家
卡尔·安德烈（Carl Andre）
乔安·布朗（Joan Brown）
罗斯玛丽·卡斯托罗（Rosemarie Castoro）
约翰·张伯伦（John Chamberlain）
朱迪·芝加哥（Judy Chicago）
丹·弗拉文（Dan Flavin）
山姆·吉列姆（Sam Gilliam）
大卫·哈蒙斯（David Hammons）
唐纳德·贾德（Donald Judd）
亚历克斯·卡茨（Alex Katz）
索尔·勒维特（Sol LeWitt）
玛丽·洛夫莱斯·奥尼尔（Mary Lovelace O’Neal）
罗伯特·莫里斯（Robert Morris）
森加·妮古迪（Senga Nengudi）
欧文·佩恩（Irving Penn）
罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）
詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）
罗伯特·赖曼（Robert Ryman）
琼·斯奈德（Joan Snyder）
弗兰克·斯特拉（Frank Stella）
安迪·沃霍尔（Andy Warhol）
在美国，60年代的“反文化”（Counterculture，或称“反主流文化”）在社会政治动荡中——抗议越南战争 、民权运动的高潮以及不断加速的技术突破——落下帷幕，70年代的曙光标志着变动和转型的开始。1970年，罗伯特·劳森伯格 （Robert Rauschenberg，1925-2008年）搬到了佛罗里达州的卡普蒂瓦（Captiva），玛丽·洛夫莱斯·奥尼尔（Mary Lovelace O'Neal，生于1942年）则迁至加利福尼亚。次年，詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist，1933-2017年）搬到了佛罗里达，唐纳德·贾德（Donald Judd，1928-94年）则在德克萨斯州的马尔法 （Marfa）建立了工作室。1974年，琼·斯奈德（Joan Snyder，生于1940年）也离开了纽约，搬到了宾夕法尼亚州马丁斯克里克的一个农场。这样的出走为艺术家们提供了更大的工作室空间，使他们能够在新的开放式环境中扩大创作规模。
参展参展术
我搬到了加利福尼亚。我有点类似那支向西部迁徙的嬉皮“花童”的一员。我并不是对他们的运动感兴趣，但在哥伦比亚大学的动荡中，我决定了，我不必参与其中，我不想锒铛入狱。学校被拆掉，我也无所谓。来到湾区后，我立刻注意到这里的光线。天空中有如此巨大黝黑的平坦空间，然后有一束光线穿透其中。
——玛丽·洛夫莱斯·奥尼尔
展出的许多作品利用巨大的规模和三维空间，创造出超越尺寸界限，具有沉浸感的艺术作品。其中之一是罗伯特·劳森伯格的《银行劫案》（Bank Job ，1979年），来自劳森伯格“涂抹”（Spread）系列，艺术家解释说，“这意味着我能让它延伸多远就延伸多远，想让它着陆就着陆（就像农田主的‘领地’）”。作品由15块面板组成，是艺术家制作的最大型作品之一。本次展览也将是该作品在欧洲的首展，此前一直被藏于巴尔的摩艺术博物馆至2018年。
罗伯特·劳森伯格，《银行劫案》，1979年，木质结构上石膏、溶剂转印图像和织物拼贴，配以彩色镜面、纸板、丙烯酸颜料和反光板，共15部分，330.5 x 909 x 81 厘米。“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
而对唐纳德·贾德来说，他完全放弃了画布，直接在“真实空间”中创作，从二维转向三维使他摆脱了画布的平面限制。“实际空间本质上比平面上的颜料更有力量和特定性”，他在1964年的文章《具体物件》（Specific Objects）中写道。同时，弗兰克·斯特拉（Frank Stella，1936–2024）自20世纪60年代以来，一直通过采用形状不规则的多边形画布，突破画面平面的界限。1970年，他在建筑师好友理查德·迈耶赠送的一本关于波兰木制犹太会堂的书的启发下，开始创作决定性的《波兰村庄》系列作品。这些犹太会堂里充斥着新奇的角度，斯特拉则将其形态抽象化，创作出宏大的墙面浮雕。基于前十年实践中使用的异形画布的轮廓，这一《波兰村庄》系列（其中之一《Parzeczew III，1972》正在展览中展出）是他首次通过在作品中加入第三维度，创作出超越画布局限的作品。
詹姆斯·罗森奎斯特，《地平线之家，甜蜜的家》，1970年，布面油画，镀铝聚酯薄膜 (Mylar) 和干冰雾，共27幅画作，每幅 259.1 x 101.6 厘米。© 詹姆斯·罗森奎斯特遗产。摄影：Anders Sune Berg，图片由 ARoS 提供。
詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）创作于1970年的巨型装置作品《地平线之家，甜蜜的家》（Horizon Home Sweet Home）以“房间”的形式呈现，由27块独特的面板组成，间歇性地弥漫着齐膝高的雾气，使观者迷失方向，并挑战他们对地平线落点的假设。艺术家解释说：“这是我将绘画作为物体溶解的概念的延伸，让观者沉浸在绘画中，使其成为一种环境。” 雾气作为一种不断随机运动并逐渐消散的气体，填充了超出传统固态或静态艺术品的空间范围。类似地，丹·弗拉文（Dan Flavin，1933-1996年）1972年的作品中，散射的光线同样渗透并改变了周围的环境。同时，索尔·勒维特（SolLeWitt，1928–2007年）的墙绘则更深入地介入空间，作品按照这位概念艺术家的指示在展出空间的墙壁上完成。
“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
对“艺术”概念及其展示方式的拓展，源于人们对超越画廊墙壁、与外部世界建立更直接联系的渴望。正如麦克法登（McFadden）所指出的，这种转变在1970年代的一系列作品中得到了进一步的发展，这些作品反映了画廊空间作为艺术展示场地的局限性。值得一提的是，朱迪·芝加哥（Judy Chicago，1939年生）开创的先锋户外表演艺术，反对了传统的展览模式和对艺术的商品化。她于1971-1972年间在加利福尼亚的沙漠中进行了一系列烟火表演，作为视频作品《女人与烟雾，加利福尼亚》被永久记录下来，该作品也在本次展览中展出。朱迪·芝加哥在表演中用带色烟雾笼罩景观，以“柔和那些通常充斥着男子气概的大地艺术（Land art）场景”，以此关注了当代女性主义议题，同时呼应了新兴的生态运动。朱迪·芝加哥的作品临时填充和“开垦”了风景，而不是改造或破坏它，这与大地艺术运动中主要男性艺术家对景观的干预形成鲜明对比。
“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
在20世纪60年代末和整个70年代，罗伯特·莫里斯（Robert Morris，1931-2018 年）摆脱了此前极简主义作品中的僵硬感，转而采用了更为柔软的材料，他对毛毡的使用就是一个缩影。在展览中展出的创作于1978年的作品《无题（棕色毛毡）》中，松散的织物褶皱从作品的矩形中央落下，对称的构图让人想起折纸的褶皱，展示了自然和不可避免的重力对柔韧材料的影响。
“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
同时展出的还有山姆·吉列姆（Sam Gilliam，1933-2022年）的两幅“帷幔”画作：未被拉伸的画布布满丙烯颜料，从墙上垂下从而形成自然的褶皱。山姆·吉列姆作为将画布从画框中解放出来运动的先驱，为画布这一传统载体带来了前所未有的动感与深度，并与周围的空间展开了对话。
山姆·吉列姆，《绿色半圆》，1973年，悬垂画布上的丙烯，269.2 x 118 厘米。
乔安·布朗（Joan Brown，1938-90 年）的悬挂作品《潜水者》（Divers，1974年）也具有类似的意味，她将矩形画布翻转过来，通过四个角从天花板悬挂下来，挑战了绘画的传统规范。
“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
琼·斯奈德（Joan Snyder，1940年生）在展出作品《消失的剧场/切口》（Vanishing Theatre/The Cut，1974）中融合了许多拾得材料，例如铁丝网和人造毛皮。这些触感强烈的材料，加上以分镜头剧本形式排列的文字与色彩，共同营造出一个戏剧化的叙事，即艺术家在当今世界行走的亲身经历。
琼·斯奈德,《消失的剧场/切口》，1974年，布面油彩、丙烯、纸糊、线、人造毛皮、纸、铁丝网，152.4 x 304.8 厘米。
作为在20世纪60年代初至80年代初之间发展起来的第二波女性主义运动（Second-wave feminism）的一部分，斯奈德是20世纪70年代兴起的女性艺术运动的重要代表人物。该运动旨在将女性的生活与现实置于艺术表达的核心，并呼吁在主流艺术界中平等展现女性艺术家。因此，斯奈德精心选择并整合了象征“女性感知”（a female sensibility）的元素和材料。她提出的“女性感知”这一概念，与占主导地位的“男性感知”截然不同，直接根植于女性所经历的，甚至是包含暴力的现实之中。作为她复杂且个人化的符号语言的一部分，这些元素在她的作品中融合，突出了“女性身体的本质或感受”。
琼·斯奈德,《消失的剧场/切口》（细节），1974年，布面油彩、丙烯、纸糊、线、人造毛皮、纸、铁丝网，152.4 x 304.8 厘米。
本次展览将1970年代这一变革十年中的典范作品汇聚一堂，展示了当时艺术创作的独特风貌。展出的21位艺术家通过对材料的非传统和极具平等意识的处理方式，以及深入探索创作实践与物理和概念景观之间互动的方式，创造出独特的艺术表达形式，与迅速变化的世界展开对话，并通过扩展艺术历史对话的方式，持续影响着当今艺术的创作与发展。
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