01
" 高更与当代景观 "
Gauguin and the Contemporary Landscape
2024年2月29日 - 4月26日
Ordovas
25 Savile Row，伦敦，英国
⬅向左滑动查看多图Images courtesy the artists and gallery
位于展厅中央的是保罗·高更（Paul Gauguin，1848-1903）于1890年在布列塔尼绘制的乡村风景画。这幅经典名作与两位当代艺术家的作品一起展出，重新定义了风景画：彼得·多伊格（Peter Doig，b.1959）和玛玛·安德森（Mamma Andersson，b.1962）。其中包括一幅罕见的纪念版小屋画，被认为是多伊格25年来最好的作品之一，也是25年来首次公开展出；以及安德森今年早些时候绘制的一幅大型作品。展览附有插图齐全的目录，其中包括布克奖获奖诗人、小说家和剧作家本·奥克里爵士（Sir Ben Okri）特别委托创作的一首诗。
保罗·高更于1890年创作的画作表明，当时他逃离了巴黎蓬勃发展的城市文化，探索布列塔尼相对偏远、看似未开化的地区，后成为了阿文桥画派（Pont-Aven school）最著名的画家。这幅画是在勒普尔杜村创作的，那时高更已决意离开阿文桥以寻求更大的孤独，他试图以最简单的方式表达人性。《木屋俱乐部》（Camp Forestia）是一个多世纪后由彼得·多伊格创作于的1996年的作品，是描绘位于华盛顿州老虎山的裸体主义者聚居地木屋俱乐部会所系列中最大的一件。该系列中的每件作品都展示了木屋俱乐部会所及其在湖中的倒影，以及坐在前面的孤独人物。另外《固执地等待》（Stubbornly Waiting）是瑞典艺术家玛玛·安德森今年创作的一幅新作品，她是当今最重要的风景画家之一。这幅画让人回想起十九世纪末的浪漫主义，同时也体现了当代对分层心理构图的兴趣。它们不是传达特定的空间或时间参考点，而是围绕气氛和主观情绪的表达，并且经常看起来融合了过去、现在和未来。
02
" 拉希德·科拉伊奇：天蓝 "
Rachid Koraïchi: Celestial Blue
2024年3月7日 - 4月13日
October Gallery24 Old Gloucester Street，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Rachid Koraïchi: Celestial Blue Exhibition View at October Gallery, 2024Courtesy October Gallery, London. Photo © Jonathan Greet.
拉希德·科拉伊奇对各种符号的持久迷恋体现在他有意识且细致入微的作品中。他从阿拉伯文字错综复杂的图案（通常是反向或镜像文字）开始，从各种语言和文化传统中提取符号、数字和密码。无论其来源是从很久以前流传下来的数字学见解，还是他自己灵感的流动表意符号，科拉伊奇都将这些多层符号刺绣组织成动人的陈述，重新诠释我们周围的世界。
根据科拉伊奇对神奇数字“7”的偏爱（在许多传统中被认为是最具有重要意义的数字符号），这次展览的构思也从另一种维度庆祝了这位艺术家的77岁生日，同时延续了艺术家对精神道路的独特探索，及其对“宽容”的本质理解。本次展览包括画布作品以及雕像般的钢雕塑，是他特有的具象形式。画面作品的灵感源自11世纪苏菲派神秘主义者（Sufi mystic）兼作家伊本·阿拉比（Ibn ‘Arabi）在他的爱情诗集《欲望的解释者》（The Interpreter of Desires，1215年）中所记载的“nasibs”。
这种大量的手绘装饰形式使科拉伊奇能够对这位苏菲派神秘作家的作品进行现代视角的关注和评论。既然没有任何宗教信仰会积极宣扬种族灭绝或屠杀无辜者，我们亦无法自主地宽恕当今中东正在发生的暴行。对于伊本·阿拉比和科拉伊奇来说，所谓的“圣地”永远不应该受到这种暴行的污染，这似乎是不言而喻的。12世纪初，伊本·阿拉比写道：“无论骆驼转向何处，我都信奉爱的宗教。这是我的宗教、我的信仰。”（‘I practice the religion of love, wherever its camels turn their faces. / This is my religion and my faith.’）03
" 巴里·弗拉纳根：雕塑永远在进行 "
Barry Flanagan: Sculpture is always going on
2024年3月7日 - 4月13日
Galerie Max HetzlerBleibtreustraße 45，柏林，德国⬅向左滑动查看多图Installation view, Barry Flanagan: Sculpture is always going on at Galerie Max HetzlerPhoto: def image
巴里·弗拉纳根是英国最重要、也是最具创新精神的雕塑家之一。在他长达50年的职业生涯中，他的作品涉及多种媒体，在没有建立优先级的情况下，他平等地探索了所有物质材料的特性、质地和弹性。从工业沙子、绳索、布料、石膏和石头，到日光、月光、声音和气味等难以捉摸的元素，弗拉纳根拥抱所有材料，因为它们均具有转化为雕塑形式的潜力。这种新颖的创作方法使人们对雕塑的理解发生了根本性变化。在探索了20世纪60年代和70年代的极简主义后，艺术家从1979年开始转向具象。在此期间，他创作了生物形态的青铜雕塑，这些雕塑经常暗示动物、人物或神话生物，并构成了他最著名的作品系统。
除了弗拉纳根主要创作于1960年代和1970年代的概念作品、浮雕和电影之外，本次展览还包括1998年的表演作品《觉醒力量的咒语》的音视频记录，以及他后期的青铜作品。对自然的诗意、神秘的提及始终存在于弗拉纳根创作中，他的过程和方法的显露也是弗拉纳根作品中的另一个中心主题：“我的作品并不以经验为中心。它的制作本身就是一种体验。”20世纪70年代末开始，弗拉纳根探索以青铜雕塑来描绘各种动物。「野兔」具有神话性质以及不可预测性、复活和更新的象征意义，特别适合弗拉纳根的作品。无论是“拳击”（如1984年《Large Boxing Hare on Anvil》）还是舞蹈（如1999年《Left and Right Handed Nijinski on Anvil Point》），这种动物都充满了充满活力、常常异想天开的性格。弗拉纳根的作品巧妙地将奇幻与日常生活结合起来，从而调解了泛灵精神世界和人类物质世界。
04
" 乌拉·冯·勃兰登堡：思绪即事物 "
Ulla von Brandenburg: Thoughts Are Things
2024年3月8日 - 4月13日
Pilar Corrias2 Savile Row，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图
Courtesy of the artist and Pilar Corrias
乌拉·冯·勃兰登堡持续回顾抽象艺术史及现代艺术史中的多个重要艺术体系，包括神秘主义运动、通感体验及超现实主义等，带领观众于梦境般的、充满玩乐意味的迷宫中穿梭。陶瓷雕塑、绚丽的织毯和三件受索尼亚·德劳内（Sonia Delaunay）启发的影像作品共同创制了如视觉交响乐一般的沉浸式体验。展览标题“思绪即事物”来自英国神智学家安妮·贝森特（Annie Besant）讨论超感官感知经验的著作《思绪诸形式》（Thought Forms，1905）。这一出版物曾极大地影响了康定斯基的艺术实践，也影响了日后的抽象艺术发展路径。
展览的起点是冯·勃兰登堡即兴弹奏的一段钢琴曲。她在检视这段演奏的录音时将音乐转译为一种视觉乐谱，并以此绘制草图，在创作最终织毯作品时将其分为七段。“通感”（synaesthesia）是冯·勃兰登堡在其艺术实践中不断回顾的概念；她在儿时常听父亲谈起“看见声音”的通感体验。冯·勃兰登堡混杂感官体验的艺术创作邀请观众拓展其视觉及听觉感知能力，并去探索在两者之间的不可见空间。展览的核心是三件受索尼亚·德劳内创制纹样所启发的影像作品，冯·勃兰登堡将德劳内的美学置于衣物、布料、墙面、家具、甚至汽车设计的范围内考量。艺术家将这些独特的纹样放大至建筑尺度之中去，以此描绘的情景既出离奇幻，又深深扎根于可感现实。此外，冯·勃兰登堡的陶瓷作品则可被视作是如女性身体一般的微缩版梦境空间，这种空间无法以等比例的方式在现实中呈现。诸多作品皆展示了艺术家对人类世界建构特质的痴迷——后者是由有限数量的几何形状构成的。（*阅读更多：PC展讯 I 乌拉·冯·勃兰登堡：思绪即事物）05
" 中山由纪：雨后 "
Yuki Nakayama: After the Rain
2024年3月14日 - 6月2日
A.I. London1a Tenter Ground，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Image courtesy the artist and A.I. London
A.I. London本月呈现中山由纪个展“雨后”，包括她的绘画、雕塑和特定场域装置新作品，这是艺术家在画廊的首次展览。中山由纪1992年生于日本冲绳，现居纽约。展览探索了空间、游戏和决策之间的动态关系，强调空间元素是如何影响我们的行动和结果。为了实现这个项目，中山由纪对画廊空间的建筑体也做出了回应——特别是地下游泳池——体现在具有传奇色彩的结构中，以及在五米长的地形画背景下雕刻的操场沙丘。中山的作品是空间中物体之间的对话，她探索静止的运动及其有趣的行为。她的画作利用叠加的视角来探索物体的静止、体积和所处环境。每个角色都有自己的节奏，声称他们之间的关系。这些物体是阴影探索周围环境缝隙的枢轴点，它们像在内部和内部传播的声音一样吸收和反射。当人们视图穿过和超越时，眼睛的视阈会流畅地改变尺度。06
" 尼克·沃普林顿：客厅 "
Nick Waplington: Living Room
2024年3月14日 - 5月25日
Hamiltons13 Carlos Place，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Image courtesy the artist and Hamiltons
尼克·沃普林顿的第一本图册《客厅》（Living Room）于1991年出版，在当时立即引起了摄影界内外的轰动。原版中的59张照片记录了英国诺丁汉布罗克斯托住宅区的朋友、家人和邻居的生活。沃普林顿在那里花了很多年时间拍摄了数千张照片，这些未公开照片的大量档案构成了这本1991年图著出版物的基础，从当代的角度重新审视和塑造了沃普林顿的标志性作品。
这次展览的新作品遵循与原版相同的风景和肖像图像顺序——用“客厅”档案中尚未公开的作品替换了已出版的59张照片——这些作品与原始图像亦来自同一胶卷。结果既熟悉又不可思议：这是一次回到撒切尔夫人时代的英国的生动旅程，也是对从那时到现在已经过去数十年的艺术和生活的证明与参照。虽然沃普林顿的早期作品本质上植根于“纪录片”式的实践，但它也挑战了传统的纪录片视角。欧洲摄影之家博物馆馆长西蒙·贝克（Simon Baker）特别指出，沃普林顿采用了一种深刻的人文主义方法，抵制偷窥或侵入性记录。“沃普林顿对他的工作充满好奇和投入，对家庭生活像政治、艺术、音乐和周围的社会文化一样严肃，始终既是见证者又是参与者”，这种方法实现了同时具有亲密性和隐形性的图像表现。07
" 贾米安·朱利亚诺-维拉尼：它 "
Jamian Juliano-Villani: It
2024年3月16日 - 4月20日
Gagosian541 West 24th Street，纽约，美国 ⬅向左滑动查看多图
[image1] Jamian Juliano-Villani, Spaghettios
Oil on canvas 73 x 83 1/2 inches (185.4 x 212.1 cm)
© Jamian Juliano-Villani. Photo: Rob McKeever. Courtesy Gagosian
朱利亚诺-维拉尼对消费文化和社会禁忌的痴迷，催化了她肆意的艺术创作，导致了图像扭曲的海市蜃楼。她通过对具象绘画历史的认识来强化这一策略，并根据个人书籍、杂志和照片档案以及在线资源制作图像。她使用丙烯、喷枪和油画技术，融合自己的写作片段和其他艺术家的作品元素，例如丹麦画家和雕塑家奥瓦塔奇（Ovartaci，1894-1985）的作品。朱利亚诺-维拉尼的作品还涉及卡通，通过其顽皮的智慧和令人不安的模糊性来分离种族、性别和社会刻板印象。对她来说，这类图像是“民主的，基于冲动和速度；就像一个有远见的狙击手。”
在这次展览中的画作中，朱利亚诺-维拉尼延续挪用和参考的策略，这些策略与理查德·普林斯、斯图尔特万特，尤其是迈克·凯利等艺术家的作品产生共鸣——她和迈克·凯利都喜欢卑劣且亵渎的图像。她还引用了对罗伯特·戈伯（Robert Gober）的兴趣，即让观众面对被压抑或部分隐藏的记忆。朱利亚诺-维拉尼为这些不同的影响添加了新的概念层次，并将思想的交流置于对任何特定美学的精心打磨之上，从而导致形式和内容不合逻辑的“包办”，任何宏伟的暗示都与日常商业图像所提供的“现实剂量”形成鲜明对比。
08
" 静物 "
Still Life
2024年3月21日 - 4月13日
Gallery Henoch555 West 25th Street，纽约，美国⬅向左滑动查看多图
[image1] Samuel Hung, Imposters #25 (Dragon Fruit and Magenta Duck), 2024
Oil on Panel, 14 × 9 in. ©Courtesy the artist and gallery
在群展“静物”中的图像中物体，以平滑完美又错综复杂层次出现，它们相互重叠和模糊，形成能够反映人类通用经验的人造现实。人际关系通常依赖于共同的记忆，一些艺术家则利用记忆这个触发器来提醒观众过去的时光。洪·塞缪尔（Samuel Hung）和爱德华·巴特勒（Edward Butler）通过结合旧玩具和物品，捕捉转瞬即逝的记忆，引发渴望的情感。同样，奥尔加·安东诺娃（Olga Antonova）建造了老式瓷茶杯塔，唤起了我们都对之敏感的安静和谐感。在珍妮特·里克斯（Janet Rickus）的画作中，她使用古典技巧来放置碗和水果，让人想起人与人的关系。这些精心挑选的“船只”似乎彼此混合在一起，也暗示着某种内部对话。
幽默和讽刺也在展览中找到一席之地。罗伯特·杰克逊（Robert Jackson）和伊丽莎白·麦吉（Elizabeth McGhee）使用美国时代的道具来创造视觉双关语并讲述一个故事。麦吉的画作《匹诺曹在此》（Here Lies Pinocchio）完美地展现了如何用幽默的眼光看待静物，让人们聚集在一起分享轻松的时刻。另外，凯文·帕尔梅（Kevin Palme）和埃里克·沃特（Eric Wert）的画作则提供了独特的视角，采用大胆的色彩为他们的主题注入明显的活力和能量感。帕尔梅和沃特的作品都关注短暂性，强调随着时间和外部力量而发生变化的不可避免性。这些概念补充并扩展了展览主题，为观众提供了对这一流派的探索，庆祝其在当代艺术中的持久相关性和多功能性。
09
" 边缘徘徊 "
Hovering on the Edge
2024年3月21日 - 4月20日
Timothy Taylor15 Bolton Street，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Installation view, Hovering on the Edge at Timothy Taylor, London.
泰勒画廊本月呈现的群展《边缘徘徊》（Hovering on the Edge），集结了十一位当代艺术家跨越不同流派与年代的作品。通过对线条、色彩与形式的探索，这些作品在尝试与威廉·德·库宁（Willem de Kooning）晚期作品进行对话的同时，创造出全新的图像语言。《边缘徘徊》中展出的艺术家们在对德·库宁美学致敬的同时，以各自独特的构思与方法将其向前推进拓展，邀请观者思考抽象艺术中形式、视觉与技术的无限可能。
德·库宁一生中从未停止过创新。在职业生涯晚期，他以亨利·马蒂斯作品中独特的简洁性为基准重新审视了自己早期笔触大胆的画作，并于其中提取出线条与颜色的基础元素。经过彻底提炼后，这些还原本质的晚期作品曾遭受严苛批评，如评论家黛博拉·所罗门（Deborah Soloman）所称，它们“徘徊在空虚的边缘”，不能再被视为“完整的构图，就像不能将一张蓝图视作一幢房子”。然而，《无题XVI》（Untitled XVI，1983年）恰恰成为了德·库宁最为审慎的作品，画面中，每一条谨慎且克制的笔触彼此凝聚再四散蔓延。在平静的画布之上，艺术家暗示风景或女性曲线的片段，激发出一种贯穿于此次展览所有作品的全新抽象表现方式。（*阅读更多：泰勒伦敦 | 群展《边缘徘徊》）10
" 比利·阿普尔® / 布拉科·迪米特里耶维奇：观念艺术先驱"
Billy Apple® / Braco Dimitrijević: Conceptual Art Pioneers
2024年3月21日 - 5月24日
The Mayor Gallery9 Bury Street，伦敦，英国Braco Dimitrijević, 'Casual Passer-by', 1976
在圣詹姆斯伯里街9号新空间举行的首场展览中，The Mayor Gallery展示了概念艺术先驱 Billy Apple®（1935-2021，新西兰奥克兰）和Braco Dimitrijević（b.1948年，萨拉热窝、波斯尼亚和黑塞哥维那）的双重作品。Billy Apple® 于1959年至1962年间在皇家艺术学院学习，与David Hockney、Derek Boshier和Pauline Boty等艺术家一起参加过展览。1964 年他移居纽约，与Andy Warhol共同参与重要展览《美国超市》（The American Supermarket）。1969 年，这位艺术家在西23街161号开设了Apple®，这是纽约观念艺术运动的六个非营利空间之一。布拉科·迪米特里耶维奇（Braco Dimitrijević）也被誉为观念艺术的先驱，表现在他对城市景观进行艺术干预。1968年至1971年，他在萨格勒布美术学院学习，并继续在伦敦圣马丁艺术学院攻读研究生，于1972年获得英国文化协会资助。迪米特里耶维奇因其1970年代的“休闲路人”（Casual Passer-by）而享誉国际，这是一套在欧洲和美国城市的著名建筑上展示了匿名人士的巨幅肖像照片集。迪米特里耶维奇现在巴黎生活和工作。
11
" 奥利弗·克莱格：有时，永远 "
Oliver Clegg: Sometimes, Forever
2024年3月22日 - 5月4日
MAMOTH3 Endsleigh Street，伦敦，英国
⬅向左滑动查看多图Image courtesy the artist and MAMOTH
奥利弗·克莱格是一位具有极度惊喜感的艺术创造者。他的绘画天赋和对媒介历史的援引，总是能够与废弃木料组装而成的临时画布很好地交织在一起。克莱格的作品不仅直接刻画了叙事背景，还表达了他对达达主义（Dadaism）替代性图像修复方法的兴趣。克莱格的绘画风格可以与迭戈·委拉斯开兹（Diego Velázquez, 1599-1660）和胡塞佩·德·里贝拉（Jusepe de Ribera, 1591-1652）等中世纪西班牙名画家相提并论，后者以其卡拉瓦格式（Caravagesques）的激进表达而闻名。明暗相间的作画技法也是对像伦勃朗（Rembrandt, 1606-1669）这样的巴洛克艺术家成就的认可，其极具代表性的古典暗色调也是克莱格一贯的参照锚点。通过深入研究媒介的历史，奥利弗·克莱格亦不失为是一位智慧的图像创作者。
在这些新作品中，克莱格回归了他在伦敦生活和学习期间所践行的达达主义方法。他曾将学校课桌作为背景板，桌面上原本刻有姓名和涂鸦的图案是上一位使用者留下痕迹的记录，但在经历了些许个人遭遇后，克莱格转而寻求教堂、学校和机构之外的非个人化叙事。因此，原本相对学术性的画作加入了相对修复性的形式，一种内在的庄严感与表面的随性形成对比——克莱格的形式掌握与此同时也达到了“失物找寻”（objet trouvé）的艺术家界定标准——这个界定围绕着横跨物理和心理领域的“抛弃”（discard）概念展开。对个人史和概念性历史的挖掘，以及对找到的材料的有机吸纳，在这次展览中均有所体现，比如油画的聚合木板载体是从艺术家位于哥斯达黎加的家庭建筑工地上找回来的。（*阅读更多：正在展出｜奥利弗·克莱格：“有时，永远”）
12
" 路易莎·加利亚迪：艰难的感情 "
Louisa Gagliardi: Hard Feelings
2024年3月22日 - 4月13日
Galerie Eva Presenhuber × Taxa73-479 Songjeong–dong，Seongdong–gu，首尔，韩国
Louisa Gagliardi, The Sleeper Slept, 2024Gel medium, ink on PVC, 135 x 120 cm© Louisa Gagliardi. Courtesy the artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich / Vienna
Galerie Eva Presenhuber在首尔Taxa展出瑞士艺术家路易莎·加利亚迪的第二次个展，也是她在韩国的首次个展，展出了一系列新画作。尽管加利亚迪的作品大多被称为“绘画”——事实上艺术家也创作了它们——但它是通过巧妙而令人惊讶的方法来完成的，这些方法超出了媒介上定义的范围。这些作品在许多方面都彰显了绘画的特点，但自相矛盾的是，它们表面上却掩盖了一种非正统的方法——她的作品主要是数字印刷的，但颜料和笔触很可能会出现，她用油漆代替印刷油墨，用帆布代替聚氯乙烯，用传统漆代替凝胶材料——这些介质可能更适合广告行业，而不是厚重的绘画历史。
展览中展出的新画作延续了她早期作品的许多图像，尽管物体的角色扮演显然变得更加重要，需要进一步阐明。睡眠者看起来很安宁，但处方药的出现预示着一种更加麻烦的状态。一个被冰块包裹的时钟让人想起时间对我们存在的主宰，以及我们从相关压力中解放出来的愿望。这里的画作可能看起来是静物画，但仔细观察就会发现，这些物体本身也呈现出动画的生命力。药物旁边是一个静止人物形状的钥匙链，冰块旁边是一滩呈手形的融化水——既提供了支持，又预示着潜在的危机。
13
" Fukei-Ga（风景绘画） "
Fukei-Ga (Landscape Painting)
2024年3月23日 - 4月27日
Taka Ishii Gallery6-5-24 3F Roppongi，Minato-ku，东京，日本
Lucas Arruda, “Untitled (from the Deserto-Modelo series)”, 2023Oil on canvas, 24 x 30 cm. © Lucas Arruda.Courtesy of Mendes Wood DM, São Paulo, Brussels, Paris, New York. / Photo: Ewerthon Ballardin
“我们周围的事物不是我们制造的，它们的生命和结构与我们的不同：树、花、草、河流、山丘、云彩。几个世纪以来，它们一直激发着我们的好奇心和敬畏之心。它们一直是令人愉悦的对象。我们在想象中重新创造了它们来反映我们的心情。我们开始认为它们对我们称之为自然的想法做出了贡献。”——肯尼思·克拉克，《景观艺术》（Landscape into Art，约翰·默里出版有限公司，1949年）
风景画（Landscape painting）在17世纪被确立为一种独特的流派，它的发展为了解画家乃至更广泛的自然观——人们会随着时间的推移不断变化对它的认知——的提供了一个窗口。卢卡斯·阿鲁达（Lucas Arruda）的作品以风景为背景，这是一个明确的艺术史概念，但他的作品基于记忆的图像，可以被视为内部意象和空灵的表现。与此同时，对于小岛（kojima）来说，风景画似乎是一种通过将日本风景和日常生活短暂之美转化为永恒的艺术来永垂不朽的一种手段。他对树木和云朵流畅而充满活力的描绘，被称为“小岛风格”（Kojima style），传达了他致力于用典型的日本技术描绘日本地形和气候的意志。
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" 路易斯·贝尔穆德斯：生命之光 "
Luis Bermudez: Sobre La Vida
2024年3月27日 - 5月11日
L.A. Louver45 North Venice Boulevard，加州洛杉矶，美国
Luis Bermudez, Vulnerable Offering, 2004Ceramic, unglazed porcelain, 9 × 30 1/2 × 9 in
洛杉矶卢浮宫正在展出路易斯·贝尔穆德斯（Luis Bermudez，1953-2021）的雕塑。这次展览系对其1986年至2014年间的作品进行的回顾梳理展，展示了艺术家毕生对地点、身份和物质性相互关联的概念本质、以及物质与精神之间的关系的思考与关注。本次展览中的“脆弱祭品”（Vulnerable Offering）和“终极祭品”（Ultimate Offering）同样体现了张力和对比，柔和的无釉瓷碗平衡在蜿蜒的爬行动物身体上。这些作品让人想起前哥伦布时代的图像和宗教仪式的物品，散发出神秘的光环。其他雕塑，如《神圣结构》（Sacred Structures）系列的“El Caracol”也展现了同样的圣物品质：一个精致的器皿（由改良的清酒瓶制成）象征着人体，受到更大、更坚固的覆盖物的保护；每个表面都具有精美的纹理。贝尔穆德斯希望能够从各个角度观看这些作品，它们的身体结构鼓励绕行表演。他对负空间、精神象征、体验式建筑和环境重要性的兴趣的最终实现是在沉浸式、房间大小的《Sobre La Vida》（1993-1994）中实现的。该装置由多个方面组成，包括四面墙壁，中间有陶瓷门和无窗玻璃窗，悬浮的溜溜球般的月神，一棵由耐火材料和钢制成的树，以及一个人体尺寸的守护者人物，其轮廓与门廊的门口相呼应的结构。通过其半抽象的形式和互动性质，《Sobre La Vida》呈现多种视角来重新创造和重构我们感知和互动的主观体验。
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" 普拉查雅·芬通：今天会照顾明天 "
Pratchaya Phinthong: Today will take care of tomorrow
2024年3月28日 - 5月26日
Barakat Contemporary58-4 Samcheong-ro，Jongno-gu，首尔，韩国
⬅向左滑动查看多图Installation view, Pratchaya Phinthong: Today will take care of tomorrow, Barakat Contemporary, Seoul, Korea. Courtesy of Barakat Contemporary
普拉查雅·芬通被广泛称为具有不同社会经济价值观的炼金术士，他经常充当中介者，引入可交换货币，通过这种货币，遥远的现实得以相互交流。主要通过广泛的旅行和对话 - 从南部非洲到南太平洋 - 芬通为他的艺术项目寻找并收集材料和叙述，使它们能够以讽刺的并置和命运的和谐相互作用。他的作品极简的外观和开放性符合他独特的方法论，公开邀请所有相关的参与者和巧合，而不是控制它们。因此，芬通的作品涵盖了意义随时间的波动以及塑造其进程的人类机构，他的艺术作品的微妙所在可能无法在视觉上传达，而要考虑更多其所涵盖的广泛的地理、历史和政治性主题。
该展览精选了2012年以来芬通广泛实践中的一些重要时刻，人们可以通过这些时刻继续了解他的一些旅程。例子，包括设计一种生态替代方法来消灭在撒哈拉以南非洲传播致命昏睡病的采采蝇（Lines of the Hand，2012）；在听到赞比亚卢萨卡国家博物馆收藏的“布罗肯山”头骨是赝品的传言后，追踪该头骨的出处（One, is the number divided by, two，2021）；与老挝东北部Ban Napia的村民合作，改造美军在越南战争期间留下的UXO（未爆弹药）（Spoon [disk]，2019-；The Organ of Destiny，2022-）等。