02
" 代理人 "
Surrogates
2024年2月15日 - 4月14日
Thaddaeus Ropac
Ely House, 37 Dover Street，伦敦，英国
⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Erwin Wurm: Surrogates', 2024. © Erwin Wurm, Courtesy Thaddaeus Ropac gallery, London • Paris • Salzburg • Seoul
Thaddaeus Ropac伦敦空间本月呈现了奥地利艺术家欧文·沃姆（Erwin Wurm）的雕塑新作个展，首次展出的3个系列——“天堂”（Paradise）、“心灵气泡”（Mind Bubbles）和“梦想家”（Dreamers）。这些作品共同体现沃姆对雕塑概念的独特理解，他不断打破传统的主体与客体、人类与非人类、观众与参与者之间的界限。在本次展览中，沃姆通过对“二维和三维、质量、体积、表皮和表面、运动和时间”等雕塑原则的趣味处理，使熟悉的事物呈现出陌生的形态。正如他之前为汽车和房屋增加体积，重新塑造我们与这些作为资本主义地位象征的物品的关系，女性高跟鞋的形态几乎被扭曲得面目全非。鞋跟增加了人的身高，艺术家将其描述为“社会游戏行为”。（阅读更多：展览｜欧文·沃姆：代理人 Thaddaeus Ropac 伦敦）
03
" 雷菲克·阿纳多尔：地球回声之生命档案 "
Refik Anadol: Echoes of the Earth: Living Archive
2024年2月16日 - 4月7日
Serpentine North GalleryWest Carriage Drive，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Refik Anadol, Echoes of the Earth: Living Archive', 2024, Serpentine North. Photo: Hugo Glendinning. Courtesy Refik Anadol Studio and Serpentine.
艺术家兼新媒体算法设计师雷菲克·阿纳多尔（Refik Anadol）是智能美学的先驱，以其令人耳目一新的媒体作品和大型公共装置而闻名。“Echoes of the Earth: Living Archive”是阿纳多尔继去年在纽约MoMA个展后，在英国举办的首个大型机构展。这部关于生命的档案是利用对珊瑚礁和雨林的视觉数据进行多年的实验后的集中呈现，邀请观众置于身临其境的环境中，探究技术如何改变我们对自然世界的感知以及我们对时间和空间的体验，并依此展示人工智能的创作潜力。
受到蛇形画廊专门委托的同名作品“Living Archive: Nature”（生命档案：自然）也是这件多感官装置作品在英国的首映。该装置将画廊墙壁包裹在人工智能生成的图像中，这些图像的灵感来自全球多达16个雨林中的植物群、真菌和动物群的数据，而这些数据均使用激光雷达和摄影测量等技术收集而来。在视觉艺术和科学技术的十字路口，阿纳多尔还推出了“AR: Coral”（人工现实：珊瑚），该作品结合多通道声音和视频，强调珊瑚礁在海洋生态系统中的重要作用。04
" 四重折叠 "
Four-Folds
2024年2月16日 - 3月16日
Lychee OneUnit 1, The Gransden, 39 Gransden Avenue，伦敦，英国
⬅向左滑动查看多图'Four Folds', 2024. Lychee One, London. Courtesy of the artists and Lychee One, London
通过事物置于其应在的位置，在认知与呈现的驱动下，想象力会以一种自由游戏的动态形式闪现——即从关系到想象，感受数次“折叠”。荔枝一号的新展链接了福柯的“四重折叠”主体思想，由四位艺术家对关系和想象经由理论和视觉研究加以完善，各自构成一个出发点或是一条关于认知的参考曲线。展出艺术家包括：萨尔瓦多·皮奥内（Salvatore Pione，b.1995年），埃琳娜·里韦拉-蒙特内斯（Elena Rivera-Montanes，b.1998），切里·史密斯（Cheri Smith，b. 1991）和张皓言（b.1996）。（阅读更多：Four-Folds 四重折叠）
05
" 彼得·布莱克：雕塑及其他 "
Peter Blake: Sculpture and Other Matters
2024年2月20日 - 4月13日
Waddington Custot11 Cork Street，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Peter Blake: Sculpture and Other Matters', 2024. Courtesy of Waddington Custot
彼得·布莱克（Peter Blake）近日围绕雕塑语言，在伦敦展现了一场涵盖其20多年创作的标志性个人展览，揭示了这位深受西方人喜爱的英国艺术家和他不太为人所知的一面——灵动而古怪的雕塑，引人入胜的议题概念。布莱克的作品不仅是艺术品，也是想象叙事的起点，每件作品都带有他典型且温和的英式幽默感。想象力和讲故事是布莱克雕塑的核心。他对现成品的重组唤起了特定的氛围，让观众能够通过场景化暗喻拼凑出生动立体的叙事。整个展览中，Waddington Custot把画廊改造成了一个互动的戏剧空间，映照着雕塑群的无限想象力。
布莱克在其职业生涯的六十年里，对于平面和三维的探索上始终保持着惊人的一致性，比如有些雕塑原本是一个古老的英国皇家空军储物柜，覆盖着迷人的海报图像，是英国流行文化的最早表达之一。然而，艺术家始于2012年的“Found Sculpture”系列是最令人惊讶的，在这些概念性作品中，鹅卵石和其他重新被“发现”的平凡物体被升至艺术品的地位，从而邀请观众重新考虑日常物品的意义，挑战艺术材料的传统观念，并促使人们重新评估艺术鬼斧神工的创造过程。
06
" 福德·普林斯·金：你回家时请告诉我 "
Clifford Prince King: Let me know when you get home
2024年2月21日 - 5月26日
JCDecaux Bus Shelters and Newsstands citywide [All day]纽约，美国⬅向左滑动查看多图‘Clifford Prince King: Let me know when you get home’, Photo: Nick Knight, Courtesy of Public Art Fund, NY
福德·普林斯·金（Clifford Prince King）的13张自传式照片新作项目。作为金的首次公共艺术展项，作品来自他拍摄于2023年夏季驻地旅行中遇到的人和地方景观。“你回家时请告诉我”是金在BOFFO的驻地照片日记，记录了火岛、锡拉丘兹、佛蒙特州，以及圣保罗和开曼群岛的沿途旅行。在这段短暂的时光里，金试图捕捉安慰、陪伴和爱的源泉，并由此产生了这一探讨了自然、空间占用、亲密关系和组建一个“家”的意义。
该系列创作标志着艺术家生命中的一个游牧时期，出现在他周围的人都暂时成为了他的家以及家人。这场持续追踪的视觉之旅，如自传般构建了一幅沉思的自画像，在数百个纽约街头的德高巴士候车亭和报摊上展示了引人注目的肖像群像，图像中人直视着观者，继而缩小了两个时刻在场人物间的交错时空。”克利福德·普林斯·金生活和工作于纽约，作为一名酷儿黑人和自学成才的摄影师，金通过记录自己及周遭景象尝试寻求身份归属与社区感。07
" 卡罗琳·德雷克：自我美化 "
Carolyn Drake: Glorify Yourself
2024年2月22日 - 3月30日
Yancey Richardson Gallery525 West 22nd Street，纽约，美国⬅向左滑动查看多图‘Carolyn Drake: Glorify Yourself’, Yancey Richardson Gallery, Courtesy of the artist and the gallery.
“Glorify Yourself”取自一本“女性美丽与魅力”指南，这本书曾在20世纪40和50年代风靡美国。指南的内容包括“Inviting Lips”（诱人嘴唇）和“Sitting Technique”（坐姿技巧）等标题的章节，为女性读者提供了如何增加性张力的行动建议。同名展览涵盖了卡罗琳·德雷克（Carolyn Drake）创作于2020年的摄影系列。艺术家将镜头对准自己尝试自拍，从概念上探索了她所说的“充满欲望和妄想的宇宙”，“正是这些宇宙入侵了我所居住的世界。”
画廊的一面墙上贴着这本书的说明部分，德雷克带着讽刺和蔑视情绪的自画像，以一种近乎刻板的女性气质，质问着为满足男性凝视而提供的服务。事实上，当我们在当前事件的背景下考虑这个系列时，包括最近美国堕胎权的倒退，我们可以将其部分视为一种反抗行为，艺术家向我们提供了所谓的“自画像”（其中她的脸大部分被书中的剪纸和页面遮住）。德雷克挑战了传统的性别理解，为我们提供了拒绝局限于固定界限和不断变化内省探索。08
" 感觉孕育创意 "
As Feeling Births Idea
2024年2月22日 - 4月6日
Tiwani Contemporary24 Cork Street，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图
‘As Feeling Births Idea’, Tiwani Contemporary, London, Courtesy of the artist and the gallery.
伦敦Tiwani Contemporary的新群展“As Feeling Births Idea”将策划点落在对内在性和参与性诗学的反思：现象、现场或回忆的遭遇，这些都影响和塑造了展览中每位艺术家所呈现的特别作品。展览标题引用自非裔美国诗人和活动家奥德丽·洛德（Audre Lorde）的短文《诗歌不是奢侈品》（Poetry Is Not A Luxury, 1977）中的一句话，该文汇集了一系列哲思，讲述了诗歌如何讲述生活、激发行动和启迪知识。该展览深入探索了每位艺术家的内在诗学体系，并鼓励不同的艺术实践之间进行有意义的交叉对话。参展艺术家包括：Virginia Chihota、Rita Alaoui、Ranti Bam、Euridice Zaituna Kala、Paula Do Prado 和 Wura-Natasha Ogunji。09
" 凯·多纳奇：我将自己的回忆收好 "
Kaye Donachie: I kept the memory for myself
2024年2月22日 - 3月31日
Maureen Paley60 Three Colts Lane，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图‘Kaye Donachie: I kept the memory for myself’, Maureen Paley, London, Courtesy of the artist and the gallery.
Maureen Paley画廊本月举办了艺术家凯·多纳奇（Kaye Donachie）的第七次个展，展览标题源自德国“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）创始人之一加布里埃莱·穆特（Gabriele Münter）的一句话：我将自己的回忆收好。多纳奇被他者作品中电影般的静止感以及内在孤独和脱节的相对感所吸引。她的图像浓缩想象并通过嵌入的物体和形式传递潜在情绪，构建一个描述不同的历史现实时刻。
在这次展览中，多纳奇将穆特的象征主义与英国作家弗吉尼亚·伍尔夫（Vriginia Woolf）的短篇小说《镜子中的女士：反思》（The Lady in the Looking Glass, 1929年12月刊于Harper's杂志）。感知与现实之间的并置和冲突是故事的基本主题 ，通过呈现女性更衣室镜中的反射图像，艺术家让我们一睹她生活中的陈设，但同时也尖锐地拒绝我们了解女性角色更多的隐晦私密。多纳奇的画作可以被描述为“唤起”，其中所有的特殊性都消失了，或者更准确地说，是被包含和模糊了——就像从文学、传记和档案图像中提取关联线索的重写本。”
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" 永在当下：重塑黑肤色 "
The Time is Always Now: Artists Reframe the Black Figure
2024年2月22日 - 5月19日
National Portrait GallerySt Martin's Place，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图‘The Time is Always Now: Artists Reframe the Black Figure’, National Portrait Gallery, London, Courtesy of the artists, the galleries and NPG.
2023年6月经历三年整修后重新开放的英国国家肖像博物馆，本月举办了非洲侨民的当代肖像展，由作家Ekow Eshun策划，邀请了包括迈克尔·阿米蒂奇（Michael Armitage）、卢拜纳·希米德（Lubaina Himid）、克里·詹姆斯·马歇尔（Kerry James Marshall）、托因·奥吉·奥杜托拉（Toyin Ojih Odutola）和艾米·谢拉尔德（Amy Sherald）等顶尖艺术家作品。该展览的集中呈现旨在强调基于肖像和艺术史发展脉络的黑人主题，在调查西方艺术史上黑人形象的存在的同时，也阐明该关注领域的丰富性和复杂性、考察语境的缺席，以及如今触发这一流派发展的社会、心理和文化背景。11
" 张弛范畴 "
Accordion Fields
2024年2月23日 - 5月4日
Lisson Gallery27 Bell Street，伦敦，英国⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Accordion Fields', Lisson Gallery, London. Courtesy Lisson Gallery. Photo: George Darrell
里森画廊伦敦双空间呈现群展"Accordion Fields"带来了八位艺术家的作品，他们不论生于英国还是海外，都于伦敦开启他们的艺术生涯；他们就读于这座城市内著名的艺术院校，彼此之间常有直接对话。三十年间，他们目睹了众多社会政治变革，比如伦敦与英国其他地区、欧洲乃至全世界的关系演变，以及英国绘画在全球舞台上地位的变化。本次群众中的作品涵盖了层次密集的景观、压缩的肖像，以及对过往事件的重构，共同呈现出多元交响的绘画风格，探索空间的不定性、边缘性和多维性。展览标题展现了扩张与压缩的本质：从地理因素考虑，这些艺术家要么回到了伦敦，要么离开了伦敦；在构图方面，艺术家们则对空间地点的描绘有着各自的认知与迥异的手法。他们将画面空间翻折、倾斜、层叠并剥离，混淆并拖延观众对景深的感知。（阅读更多：正在展出 | 里森伦敦 | 群展「Accordion Fields」）
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" 罗伯特·蒙特安：未来的日子 "
Robert Muntean: Future Days
2024年2月23日 - 3月19日
rosenfeld37 Rathbone Street，伦敦，英国
⬅向左滑动查看多图 Installation view, 'Robert Muntean: Future Days', rosenfeld, London. Courtesy the artist and gallery.
罗森菲尔德画廊本月举办了奥地利艺术家罗伯特·蒙特安（Robert Muntean）在画廊的第三次个展。这次展览的标题为“Future Days”，与前两次个展一样，展现了蒙特安深受音乐影响的多感官创作——之前的影响是来自像“The Swans”这样非常硬核的摇滚乐队，但这次的参照点则是基于德国实验摇滚乐队Can的同名专辑“Future Days”。用蒙特安的话来说，“这张专辑从主打歌《Future Days》开始，空间是开放的，眼前没有什么可以抓住的。这个没有任何东西可以抓握的开放空间很好地描述了我的新作品。”
“它还描述了作品的感觉——我们不确定未来会发生什么，我们试图紧紧抓住彼此来保护自己，保护我们的希望。我喜欢提供一些积极的兴奋感，充满希望的，我的作品提供的感觉也是充满希望的。当然也有忧郁，但更多的是让自己放心，了解我们拥有什么以及我们是谁。” （罗伯特·蒙特安）
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" 杰森·博伊德·金塞拉：情之月景 "
Jason Boyd Kinsella: EMOTIONAL MOONSCAPES
2024年2月24日 - 4月6日
Perrotin130 Orchard Street，纽约，美国
⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Jason Boyd Kinsella: EMOTIONAL MOONSCAPES', Perrotin New York, NY. Courtesy the artist and gallery.
贝浩登纽约空间本月呈现来自挪威奥斯陆的艺术家杰森·博伊德·金塞拉（Jason Boyd Kinsella）的首次美国展览。本次展览在纽约画廊的二层和三层营造出两个沉浸式空间，艺术家在其中引入了将绘画、雕塑和视频等多种媒介相结合的全新探索。杰森·博伊德·金塞拉是一位对人物的外貌并不十分感兴趣的肖像画家。事实上，他的作品中或许根本没有人物，或者至少不是我们习惯于看到的样子。金塞拉明白肖像画有两种作用：一是捕捉对象的相貌，包含其脸部的轮廓、下颚的宽窄、皱纹和凹陷；二是提炼出更真实的东西，其中相貌次于情感，这就是别人眼中的形象与自我认知之间的差异，好的肖像画总是心理肖像。（阅读更多：贝浩登臻选 | 纽约空间揭幕两档全新展览）
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" 伊尔内·加蓬：精神引领我 "
Yrneh Gabon: Spirit Leads Me
2024年2月24日 - 4月13日
Luis De Jesus1110 Mateo St，洛杉矶，加州，美国
⬅向左滑动查看多图 Installation view, 'Yrneh Gabon: Spirit Leads Me', Luis De Jesus Los Angeles, CA. Courtesy the artist and gallery.
伊尔内·加蓬（Yrneh Gabon）作为塞内加尔达喀尔黑人文明国家博物馆的首位驻场艺术家，2023年驻留期间他发起了一系列以“boubou”为基础的作品——这是一种精致而飘逸的长袍服装，是塞内加尔传统时尚精神的体现。“boubou”在非洲的起源可以追溯到8世纪，而“boubou”这个词是沃洛夫语“mbubb”的法语变形。从本质上讲既是殖民的隐喻，也是服装界对采用西氏服装之必要性的抵制迹象。
展览展示了加蓬黑人文明的boubou，以及一系列视觉节奏感十足的画作，描绘了艺术家本人佩戴的非洲传统服饰以及艺术家在非洲大陆之旅中结识的友人（例如塞内加尔双胞胎Sena和Sana，以及牙买加超模兼时装设计师Lois Samuels）。此外，展览还包括四幅突出非洲儿童在快速变化的非洲中所起作用的特别画作，以及探索通过鼓励好奇心和寻找目的前景来赋予儿童权力的重要性。在这些作品中，加蓬挖掘并揭示了层层的错位和破坏缘由，以解决政治、经济、种族和宗教征服以及非洲历史上的暴力和奴隶贸易问题，传达充满灵性、赋权和生存的信息。
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" 好莱坞：约翰·迪沃拉与罗伯特·卡明 "
Hollywood: John Divola and Robert Cumming
2024年2月24日 - 5月4日
Gallery Luisotti818 South Broadway，洛杉矶，加州，美国
⬅向左滑动查看多图 Installation view, 'Hollywood: John Divola and Robert Cumming', Gallery Luisotti, Los Angeles, CA. Courtesy the artist and gallery.
Movie studios 长期以来一直聘请专业摄影师来记录电影布景以确保连续性。在20世纪30和40年代，这些摄影师使用 8 x 10 相机，直接从底片上接触式冲印每张照片。这样拍摄出来的照片非常清晰，对于这种务实的照片来说异常引人注目，每个细节都清晰可见。但由于制作完成后没有任何商用价值，这些图像惨遭丢弃，最终进入二手店、跳蚤市场、纪念品商店和垃圾箱。这就是它们如何落入罗伯特·卡明（Robert Cumming）和约翰·迪沃拉（John Divola）手中的过程，两位艺术家分别在20世纪70和80年代发现并收集了它们，据此发掘这些图像与自己作品之间的深厚联系。画家、雕塑家和概念艺术家卡明同样被旧好莱坞连续剧照的奇怪和舞台化所吸引。
在主题和美学上，迪沃拉的连续性分组图库与他自己的摄影作品互文：废弃的空间留下了过去行为的残余、拍摄暴露其人造性的电影场景，以及匿名人物沉浸在风景中等。而对卡明来说，这些剧照中的平凡主题因其明显捏造的品质而变得荒谬：光学技巧、背景和强制透视建筑，所有这些都是为电影摄影机的镜头而构建的。他从所谓的“重建现实的语言”中汲取灵感，再造了舞台化的、超现实的、幽默的场景，玩弄了规模化、物质性和运动的幻觉。