看见一幅画，你脑子里是否会响起一首歌？

懂不懂艺术都能看懂的⇡象外

P1085

音乐家：肖瀛、Luka、龙飞、董潇

嘉宾/艺术家：王绮彪

主办：象外

出品：AEM studio

时间：2017年8月26日 星期六 20:30

地点：北京朝阳区798艺术区798东街，马亚诺空间

电话：[phone]
预售：100元（限量80张） / 现场：140元

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艺术，与音乐，能有什么关系？

康定斯基说，“各类艺术中，似乎音乐是最好的老师，除极少数例外，长期以来，音乐从来不以复制自然现象为己任，而是力图表达艺术家的心声，力图为音乐本身创造自己自治的生命。”

Yellow-Red-Blue, 1925

1896年，康定斯基从莫斯科搬到慕尼黑，接触到印象主义、象征主义、野兽派等等艺术流派后，他开始转向抽象绘画，试图用非具象的颜色、线条、形状来表达抽象的情感，将剥离掉物质内容的精神与情感可视化。

Untitled (First Abstract Watercolor)  1910

1910年，康定斯基画出《无题》，被公认为是现代艺术史上第一幅纯抽象画。之后，他用关于音乐的名词，将自己的作品分为三类：《印象》（Impressions）、《即兴》（Improvisations）及《构成》（Compositions）。

Impression III，Concert，1911

在音乐会上听完勋伯格的钢琴小品Drei Klavierstücke后，他创作了《印象3，音乐会》，“试图表达个别声部中的独立生命”。

Composition VIII ，1923

Composition IX，1936

Composition X ，1939

在《论艺术的精神》中，康定斯基将色彩和音乐相连，教人使用通感“听”绘画或者“看”音乐：“每一个形体有一个内容，我把这个内容称为内在的音响。世界上没有一种形体不在诉说着什么。”

（具体内容请戳刀娘写过的康定斯基：看不懂画？可能是因为你没去“听”它）

抽象画，是一种可以看的“音乐”，而雕塑，是另一种“音乐”。

1929年，美国雕塑家考尔德用铁丝创作第一件动力雕塑作品“金鱼缸”（Goldfish Bowl）。之后，他创作了“航行”（Croisiere）等作品，被杜尚称为“动态雕塑”（mobiles）。

Alexander Calder, Goldfish Bowl, 1929

Alexander Calder, Croisière , 1931

法国哲学家萨特这么看考尔德的动态雕塑：

一个活动雕塑是一朵一旦停止运动就会枯萎的鲜花...创造每一个活动雕塑时，考尔德都要设计一个总体方案，但又随时可能放弃它。每当此时，普照的阳光、大地的暑热与狂野的清风将决定每件作品独特的舞姿。这样，被创造的对象就总是介于塑像的奴性与自然事物的独立性之间。作品的每一次演变都来自于作者刹那间的灵感。它常常配有奇特而又短暂悦耳的爵士乐曲，就像明丽的天空和清晨的旭日，如果你错过了，就会永远失去它。

考尔德现在的作品，如果安放在花园里，或是一扇打开的窗口旁边，在微风的振动之下，就会像风鸣琴一样歌唱。它们以空气为能源从而得以呼吸，并从大气层稀薄的生气之中获得自己的生命。

Alexander Calder, Hanging Spider，1940

考尔德的机械雕塑，往往是以几乎感受不到的龟速在缓慢旋转。杰·桑德斯说：“直到修复完成之前，你都无从知晓其运动的轨迹，我们对每一件艺术品的猜测都被颠覆了。”他觉得，参观机械雕塑的耐心近似于欣赏“60年代极简主义音乐”的耐心。

抽象画、古典音乐、动态雕塑、爵士乐......在历史上，艺术与音乐交融时，常常产生一些特殊的化学反应——音乐为艺术提供一种“可闻不可见”的画面，而艺术则用一种偏重视觉的方式“素描”出原本隐形的音乐。

因此，当艺术与音乐相遇，会碰撞出什么新的火花？

是一段惊动四座的即兴演奏、一张叮当作响的现场绘画，还是一首让人捂住耳朵“噪音”？对这种碰撞的好奇，是“P1085”的缘起。

诚如我们在上一篇周年活动预告中所说，本次系列活动的主题名为“打开”，就是希望通过分享、讨论、体验，由艺术这一个切入口，引起大家对感官、情感、记忆、身体以及更多可能性的思考和行动。

要了解我们的初衷，看这篇长文：

也正因为这样的缘起，我们将持续引入不同领域、不同艺术形式的朋友，看能给读者朋友带来什么样的体验。

8月26日（周六），象外一周年系列活动之艺术音乐会“P1085”将与AEM Studio合作，在798的马亚诺空间，带来一场将音乐和艺术融为一体的演出。

活动倒计时10天，提前分享音乐会预告片：

https://v.qq.com/txp/iframe/player.html?vid=m0538ozcgn8&width=500&height=375&auto=0

AEM的想法初立于2014年，阵容正式成型是在2016年，和象外一样今年也是一周年。团队由两位法国巴黎国立音乐学院作曲系高材生肖瀛、LUKA和独立音乐人龙飞一起构成，AEMstudio，定位是“做艺术的跨界音乐”。

AEM即法语Arts et Métiers的缩写，这是肖瀛和Luka在法国留学时经常去的一个艺术区地铁站的名字，意为“艺术与生活”。这个地铁站周边是现代艺术的聚集地，同时汇集了众多小吃和餐馆。艺术和市井在此融合得刚刚好。

龙飞曾描述AEM的理念：“我们就是想做一件有意义的事情，它既不是 ‘不知所云就一定牛逼’的假高逼格，也不是坊间俚语一般纯粹的接地气儿、毫无艺术感可言。”就像肖瀛，虽然是学院派作曲专业出身，却不只写学院派的曲子。

现在，AEM Studio重心放在演出，他们将作曲、表演等等跨界元素引入演出。肖瀛认为：“跨界艺术的关键在于将作曲、表演、制作现场音乐等才能灵活应用于电影、时尚秀、以及各种创意产业，要使艺术“升华”而非单纯地“相加”。”

https://v.qq.com/txp/iframe/player.html?vid=z0524p2x93c&width=500&height=375&auto=0

肖瀛 ，初恋 【AEMstudio出品】，作品部分改编自拉威尔G大调钢琴协奏曲第二乐章（视频素材来自互联网，视频制作：龙飞）

AEM团队此前与艺术家合作演出的现场图

2016年9月17日，AEM团队在艾米李画廊带来一场音乐和美术对话的音乐会。

当时，艾米李画廊在展的是以描绘植物花卉闻名的法国艺术家Claire Basler，她作品中的花朵充满生命力，笔下的花朵优雅又有一点疯狂，正如她娇小身躯里蕴含的充沛能量。肖瀛、Luka将Claire Basler的花卉作品植入女性，再将女性融进音符，去体味女性的多面——纯洁、敏感、温柔、嫉妒、多愁善感、歇斯底里、甚至情欲。透过绘画的笔触与流动的音符，这些女性的性别象征化为音声下的丰富与感动，燃起在场观者对作品和乐曲的好奇与遐想。

AEM过往作品试听

一年后，AEM团队选择与“木板艺术家”王绮彪来一场新的对话：音乐家根据艺术家王绮彪的艺术进行即兴演奏，而王绮彪也会基于音乐而进行即兴创作（没错，你可以在现场看到一个艺术家对板材“动刀”的全过程），换而言之，这是一场极富实验和冒险的“双即兴”；

还有另外一个即兴：我们也会给每个到场的观众提供纸和笔，让大家在聆听AEM新古典电音的同时，画下自己的瞬间感受——也就是说，在那短短的一个多小时里，我们希望你们“打开”，让自己变身为艺术家。

并且——重要的事情来了：如果你愿意将即兴创作的作品交给我们，那我们会甄选一部分，作为象外自己的空间首展的展览作品。

王绮彪展览现场

“1米2乘2米4的木板们放在一起，确实震撼。王绮彪的作品中大面积的黑色与或粗犷或细腻的刻痕交织，又让作品呈现一种‘微立体’的状态，像这个时代……这种仿佛明白了一些，又如置身迷雾的感觉，我们觉得用音乐来传达再好不过了，用听觉的抽象来沟通视觉的抽象。我们也希望这种刺激，能在现场传达到观众那里。”AEM看完展览《编号记》后（《编号记》具体请戳：为什么我们要这么诚挚地邀请你来看一个艺术家做的板材？），这样写道。

康定斯基曾说：

“绘画是各种不同世界的剧烈碰撞，他的目的是要在一个接一个的斗争中创造促一个新世界，这个世界就是艺术作品。每一件作品都同宇宙一样，在灾难中诞生——来自各种器乐的噪音最终生产出交响曲，这是天体的音乐，创造艺术作品就是创造世界。”

我们或许没法“创造世界”，不过，我们试着搭建起艺术与不同领域的桥梁，在有限的音符上，演奏出更多的“交响”。

这将是一场路途未知、气候不定的旅程。如果你也像我们一样，从不安分、充满好奇、保持开放——

艺术音乐会“P1085”即将到站，请上车！（再次提醒：点击阅读原文可直接购票）

想要更多了解AEM或试听他们的音乐，请关注AEM Studio公众号：

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