展览现场｜纳撒尼尔·玛丽·奎恩（Nathaniel Mary Quinn）「山谷中」@ 阿尔敏·莱希亚斯本
阿尔敏·莱希亚斯本荣幸呈现纳撒尼尔·玛丽·奎恩（Nathaniel Mary Quinn）个展「山谷中」（In The Valley），展览已于6月4日开幕，并将持续至6月20日。
「山谷中」
纳撒尼尔·玛丽·奎恩 @ 阿尔敏·莱希亚斯本 展期：2021年6月4日至6月20日 601 E Hyman Avenue 亚斯本，81611 周三至周日：早10点至晚6点
在本次展览中，美国画家纳撒尼尔·玛丽·奎恩将绘画作为他入世的方式。人们在谈论他的作品时，经常会提到拼贴画（collages）、替代绘画（surrogate painting）等字眼，这可以追溯至立体主义先驱们将日常元素剪贴在画布上的举动；然而这种看法只是浮于表面：人们对拼贴画的认知受限于巴勃罗 · 毕加索（Pablo Picasso）和乔治 · 布拉克（Georges Braque）的剪贴作品（papier collé），这种认知仅仅建立在明显的碎片化图像和异质化的外部元素上。但是当面对奎恩的作品时，我们能感受到一种新鲜的、复杂多样的同质性。
正在展出 | 阿尔敏·莱希亚斯本
「山谷中」
2021年6月4日 — 2021年6月20日
让我们来看看奎恩的艺术创作与所谓的拼贴画艺术家有多大的不同。他在工作室的墙上挂满照片和从杂志中剪下的片段，这形成了他绘画前的视觉背景。然而，这些图像并不会被作为“现成物艺术品”: 奎恩并没有将它们直接转换到他的绘画中，正是这种做法与拼贴画的精神背道而驰。换言之，奎恩之所以对这些图像感兴趣，是因为它们蕴含着隐喻性和绘画性的特质，这些图像与他最终描绘的事物之间具有对应性和亲和力（我们甚至可以说，这是图像用来表达情感的‘肢体语言’）。
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「山谷中」
2021年6月4日 — 2021年6月20日
弗朗西斯 · 培根的作品和奎恩的作品之间有着更深层次的联系。一种较为直接的解释是他们对扭曲的人物形象和水粉颜料的使用，例如《田纳西州》（Tennessee，2021）或者《灰色》（The Gray，2021）。纳撒尼尔·玛丽·奎恩说他希望把人脸上的酒窝画得像外套袖子上的褶皱一样（这呼应了文艺复兴时期的窗帘、以及奎恩对乔瓦尼·巴蒂斯塔·莫罗尼（Giovanni Battista Moroni）作品的兴趣），我们不可避免地会想到弗朗西斯·培根（Francis Bacon）曾经告诉大卫·西尔维斯特（David Sylvester）说他“一直希望能像莫奈画日落一样画人的嘴巴”。奎恩想要复刻出近距离观察下人类的皮肤纹理，我们也不可避免地会想到莫里斯·梅洛-庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）曾经把人类的皮肤和月球的表面进行比较，也会想到威廉·德·库宁（Willem de Kooning）所说的，“肉体是油画颜料被发明的原因”。
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「山谷中」
2021年6月4日 — 2021年6月20日
他的每一幅肖像都包含着一次顿悟。肖像中的每个部分都来自对关联性的仔细搜寻。每个图像的高潮都源自一种隐喻。奎恩的绘画是同质性时刻的叠加: 部分增强了整体的和谐性与密度，整体也同样增强了部分的和谐性与密度。同样地，这些部分之间的联系也并不是随意的，而是一种必然（这个词我们可以从瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）的思想中理解）。在奎恩的创作过程中，这些部分互相呼应。
此外，这些部分预先决定了最能表达它们内在品质的材料（如油画，水粉，软式粉彩，油画笔，炭笔等等）。如此多样的纹理在同一平面上共存，摒弃了绘画的扁平感，延伸了传统材料的层次。这样的结构互动带有一种推拉效应，让人想起立体主义对雕塑的研究；而作品笔触的轻盈感则源于奎恩创作时极大的流畅度和熟练性，他把这种造诣比作运动员的追求。
奎恩的创作方式有一种和谐的异质性。在作品《坚持》（Holding On，2021）中，我们可以从伦勃朗风格的毛皮大衣和花朵图案的上衣之间的对比中看出这一点。这就是他所有的作品，包括那些纸本作品，例如《散步》（Taking A Walk，2021）或《山谷中》（In The Valley，2021），是画作而非剪贴作品的原因之一: 它们都秉承绘画的理念。为了保留作品中各部分的完整性，奎恩把每一部分都当作他绘画的开始。因此，奎恩作品中各部分的组合逻辑源于他的思想，而不是流于画布或者纸张表面的东西。他在创作中使用建筑用纸，不仅是为了保护已经创作完成的部分，也是为了忘记已经画好的东西——这一点与列维-斯特劳斯（Lévi-Strauss）的拼贴概念相似。
于是，奎恩的创作成果在他所谓的错视画（trompe l'oeils）中不断累积。也许我们应该称之为“抒情的错视”，因为作品本身比我们所看到的表面更具诗意。