红色、蓝色的画价格更贵？艺术品的色彩究竟有何秘密？
皮特·蒙德里安《红黄蓝的构成》，46×46cm，1930年
艺术家对色彩是极其敏感的，看似随性的选择实际上是创作者不断摸索、尝试的结果。艺术家所处时代、流派等都会对其用色产生影响。色彩不仅体现着艺术风格，其背后还有着更深层的含义。
相信大家都听说过色彩影响人类心情的理论，但你知道色彩还会影响你的“钱包”吗？试想一下，如果有足够的预算，你是会选择鲜艳饱和的红蓝色作品，还是纯粹的黑白色作品，亦或是可爱的糖果色呢？
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▲「红与蓝带来的价格惊喜」
网络上流行着一句话，“自古红蓝出cp”，到了艺术界，这对“好搭档”还能给艺术家带来意象不到的商业效应。2013年，苏富比拍卖行董事、绘画专家菲利普·胡克（Philip Hook）在其出版的书中提到，“红色和蓝色的作品往往会给交易者带来好消息。”在此基础上，荷兰蒂尔堡大学的两位研究人员分析了抽象画颜色对其价格的影响。
赵无极《4.02.68》，布面油画，65×54cm，1968年，在2014年香港佳士得拍卖中以1084万港元成交。
研究人员搜集了从1994-2017年间拍卖的5500多幅抽象画资料。在排除了画布形状、几何构图等方面的影响后，他们发现以红、蓝为主色调的作品往往比同类其它颜色作品价格更高；而蓝色饱和度提高时，价格又会再次上升。
艺术家肖恩·斯库利（Sean Scully）的两幅画作《加入黄色》和《红蓝地平线》就是典型案例，二者大小几乎相同，创作时间相差不到20年，但价格却相差近一倍。
肖恩·斯库利《加入黄色》，布面油画，213.5×162.5cm，1999年，在2015年苏富比当代艺术晚拍中以55.7万英镑成交。
肖恩·斯库利《红蓝地平线》，布面油画，215.9×190.5cm，2015年，在2019年苏富比当代艺术晚拍中以83.1万英镑成交。
抽象艺术大师格哈德·里希特（Gerhard Richter）以红色为主色调的《抽象画》在去年5月的苏富比拍卖中以1653万美元的价格成交，而今年一幅以黑、白、红为主色的《抽象画》却只拍出了900多万美元。两幅作品大小相近、风格相同，虽仍有其它因素影响，但色彩带来的价格波动效应可见一斑。
格哈德·里希特《抽象画》，布面油画，200×200cm，1999年
格哈德·里希特《抽象画》，布面油画，180×180cm，2009年
同类研究在艺术界数量并不多，谁能想到颜色的变化会对作品价格产生如此大的影响呢？当然这只是一份研究报告，并不适用于所有的艺术品。艺术家的创作都有自己的方法准则，适合的才是最好的。
格哈德·里希特《抽象画》，铝板油画，38×35cm，1999年
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▲「黑与白的纯粹」
提到黑白色的艺术作品，我们往往联想到的是黑白照片、水墨画。在中国传统观念中，黑白照片代表着老旧，甚至是不吉利。但在摄影大师手中，黑白照片有了全新内涵。在弱化了色彩带来的影响后，黑白色的作品让人们更关注于拍摄对象本身，其光影效果也更加突出。
日本摄影艺术家杉本博司擅长使用长时间曝光的手法展现作品。在“建筑”系列作品中，他刻意模糊建筑细节，以还原建筑师设计原型；而在“海景”系列中，他则选择用极简构图还原心中古代大海的形象。黑与白的运用让人们更关注于拍摄对象本身。
杉本博司《加勒比海，牙买加》，黑白摄影作品，1980年
与其说是纪实的照片，杉本博司的作品更像是带有哲学意味的抽象画。人们评价他的作品带有中国传统水墨画的意境，给人含蓄空灵之感。当观众静静地欣赏其作品时，往往会感受到一股禅意。
杉本博司《光之教堂》，黑白摄影作品，2009年
比起杉本博司的意境表达，纪实摄影师艾略特·厄威特（Elliott Erwitt）更擅长用镜头捕捉生活的瞬间，展现社会风貌。厄威特用作品记录的是人们日常生活的“小确幸”，比起重大事件的决定性瞬间，这些小小的闪光点组成的是平凡人生活中的幸福。
艾略特·厄威特《A Kiss Is (More Than) Just a Kiss》，黑白摄影作品，1955年
厄威特在其作品中展现的是“写实的幽默”，有人评价他的作品带有卓别林式的风格。黑白照片的形式让人们更关注于事件本身，同时也在幽默中增添了一份深沉，让观众在看过后多了一份思考。
艾略特·厄威特《Lens》，黑白摄影作品，1950年
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▲「普鲁士蓝 VS 中国蓝」
颜色不仅仅可以帮助艺术家表达创作理念，它还能体现一个时代的历史发展。在文艺复兴时期，蓝色颜料大多从珍贵的青金石中提取，其价值是同等重量黄金的五倍。因此，那时的艺术家在使用蓝色时是非常谨慎的，而普鲁士蓝的发现彻底打破了这一局面，并为后世绘画发展奠定了基础。
这种蓝色颜料是一位化学家在一次实验失败后发现的。其一经问世就受到了画家们的追捧，它虽然不能完全取代由青金石提取的品蓝色，但在画作中却有着意想不到的表现。当时的艺术家认为这种颜色更适合描绘自然风光。以普鲁士蓝为基础，画家发现了颜色更多的可能性。这对当时绘画界的发展影响极大。
让·奥诺雷·弗拉戈纳尔（Jean-Honoré Fragonard）《Español: Las bañistas》，布面油画，64×80cm，1765年
在我国古代也有一种象征着时代发展的色彩——中国蓝。这种颜色最早发现在秦始皇陵中出土的兵马俑上。虽然我们现在看到的兵马俑大多是只有土色的陶俑，但实际上刚刚出土的兵马俑色彩十分鲜艳。由于空气氧化，所有的色彩在出土后一分钟左右就开始斑驳、脱落，才有了现在的结果。
秦始皇陵陪葬兵马俑一号坑
历史学家在修复兵马俑的过程中发现了中国蓝这种颜色，它并非由天然物质提取，而是由化学手法——也就是古代的炼金术制作的。更令人意外的是，这种颜色还能转换为紫色。在人类的整个“颜料发明”史上，紫色颜料很难制备；在西方，直到19世纪才有了稳定的紫色颜料。
经考古学家修复的兵马俑
普鲁士蓝和中国蓝的发现不仅仅是艺术史上的突破，更体现着当时科学技术的发展水平。透过作品，观众感受到的是当时的艺术水准；透过颜料，我们看到的是一个时代的缩影。
经考古学家修复的兵马俑
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▲「糖果色的情感」
糖果色从2009年夏天开始流行，其色彩饱和度更低，视觉效果更柔和。在当代艺术家手中，糖果色的使用让作品多了一份梦幻感，同时更易吸引人们关注。中国当代艺术家向京和翟广慈夫妇用雕塑搭配糖果色系的手法，体现着现实生活积极向上、充满阳光的一面。
在《我看到了幸福》系列作品中，艺术家用少女怡然自得、抬头微笑的姿态，展现自己对幸福的理解；在《天鹅湖》中，创作者打破传统观念，让圆圆胖胖的小丑成为了作品的主角。他们用艺术展现着人性本真的一面，用糖果色给作品增添了一份童趣。
向京《我看到了幸福》，雕塑，2011年
翟广慈《天鹅湖》
日本当代艺术家奈良美智用笔下的小女孩表达着个人的情绪感受。糖果色和儿童题材的运用更易引起观众兴趣，其主题与表现形式之间的反差让作品内涵更加深刻。
奈良美智《Punch Me Harder》，215.9×195.6cm，2000年
同样是日本当代艺术家，下田光则专注于用画作描绘受伤的儿童世界。在其作品中，孩子的神情寂寞而迷茫，眼中的星光代表着他们心中的理想。这种可爱而略带忧伤的画面，让观众一眼就沉醉其中。
下田光《Whereabouts of God》，2018年
糖果色在表达黑暗与暴力主题中也意外得有效。无论是美国艺术家Kristen Liu-Wong，还是西班牙艺术家胡安·科尔内利亚（Joan Cornellà），他们都用糖果色描绘着黑色幽默的荒诞世界。对艺术家来说，创作是宣泄个人情感、表达个人见解的手段，糖果色只是情色暴力主题的伪装。
Kristen Liu-Wong《Speed Demons》，2017年
胡安·科尔内利亚绘制的漫画作品
历史上人们对色彩的分类由来已久，最早的色环由英国物理学家牛顿（Isaac Newton）在1666年通过棱镜折射实验发现。而真正对艺术家运用颜色产生影响的是歌德的《色彩理论》，他在牛顿的基础上发现了色彩对人心理层面上的影响。
英国画家约瑟夫·透纳（Joseph Turner）痴迷于歌德对色彩的研究，并在画作《光与色——洪水灭世后的清晨》体现其理论。事实上，色彩不仅仅影响着艺术家的创作，它体现着时代的特点，影响着观众对作品的理解与欣赏。
约瑟夫·透纳《光与色——洪水灭世后的清晨》，布面油画，78.5×78.5cm，1843年
德国艺术史学家沃尔夫林（Heinrich Wölfflin）在撰写《文艺复兴和巴洛克》时提到，一百多年前，机械复制时代的艺术品和艺术史都是黑白的。而到了现在，艺术家则用各种色彩表达着自己对艺术、对世界的理解。通过颜色的变化，我们可以从侧面看到各个时期艺术的发展历程。
安迪·沃霍尔（Andy Warhol）作品，丝网版画
即使是相同的颜色，配合不同主题、不同风格也能带给人截然不同的感受。不论是热情的红色，还是冷静的蓝色，在艺术家笔下，它们都可以最有效地表达作品内涵。艺术家在实践中不断摸索，寻找着最能体现自己创作理念的色彩。
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[编辑、文/张欣彤]
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