马克·罗斯科《Orange and Tan》，布面油画，206.4×160.6cm，1954年单色画（Monochrome Painting）兴起于20世纪初期，并在之后的一百年内为众多先锋艺术家所重新诠释并发展。虽然画面仅有一种颜色，但艺术家创作手法的不同、选取颜色的不同，甚至对于同一颜色的不同理解，均为这看似单调的画面赋予了丰富的内涵。Kazimir Malevich
卡西米尔·马列维奇《Black Square》，亚麻布面油画，79.5×79.5cm，1915年
尽管在19世纪末，一些单色画作品已在法国亮相，但其真正在艺术界立稳脚跟，还需等到1918年至上主义艺术家马列维奇那著名的《Suprematist Composition: White on White》的诞生。
卡西米尔·马列维奇《Suprematist Composition: White on White》，布面油画，79.4×79.4cm，1918年
1913年末，马列维奇开始对克服地心引力和征服宇宙感兴趣，这种兴趣最终促使他在绘画中使用白色。“我转向白色……游弋于这个无限之中。我已经建立了至上主义的旗号。”
对于马列维奇来说，“白上白”是艺术家在冥想世界中对于无尽空间的探索，是艺术家表达纯粹感情的自然结果。
1921年，一场名为“5×5=25”，由五位构成主义艺术家参加的展览中，罗钦科带来了他的单色画作品：《Pure Red Color》、《Pure Yellow Color》、《Pure Blue Color》。
亚历山大·罗钦科《Pure Red Color》、《Pure Yellow Color》、《Pure Blue Color》，布面油画，单张62.5×52.5cm，1921年与马列维奇截然相反，罗钦科想要表达的是绘画的死亡。他通过将最基本的三原色涂满画布的方式，拒绝对画面内容做出任何解读。“我对绘画做了逻辑上的总结，并且断言，一切都结束了。画面除了画面本身之外，没有表达任何东西。”扫描二维码，
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阿德·莱因哈特《Abstract Painting No.5》，丝网印刷，152.4×152.4cm，1962年阿德·莱因哈特《no title》，布面油画，30.5×30.5cm，1964年单色画的影响渐渐渗透进抽象表现主义艺术家们的作品中。自1952年至其1967年去世，莱因哈特创作了众多“纯”单色画——红色、蓝色，以及最著名的黑色。他的黑色画包含着模糊的几何图形，但只有足够长时间的观看才能使其轮廓显现。
莱因哈特借此鼓励观者在观看时进入一种沉思、冥想的状态，并且质疑着感知的确定性：正在观看的未必是真正看见的。
马克·罗斯科《No.8》，布面油画及综合媒介，228.3×167.3cm，1949年上世纪40年代末，罗斯科从抽象表现主义中跳脱出来，形成了色域绘画（Color Field Painting）的风格。对他来说，当色彩的使用纯粹到一定程度时，其形式功能将为汹涌的情感所替代。
马克·罗斯科《Untitled》，布面综合媒介，195×172.1cm，1953年
马克·罗斯科《No.4》，布面综合媒介，264.2×226.5cm，1964年“我的色彩是一种经验性的色彩，它和某天的光线有关，和整个人的精神状态有关。”
“我只对如何表现人类最基本的情感感兴趣，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。一些人在我的画前大哭，说明我的确表达出了这种感情。”
罗伯特·劳森伯格《White Painting (seven panel) 》，布面油画，182.9×317.5cm，1951年
罗伯特·劳森伯格《Untitled (glossy black painting) 》，布面油画和纸，181.6×134cm，1951年50年代初，劳森伯格以其白色、黑色和红色的单色画而渐渐获得关注。在白色画系列中，劳森伯格直接用油漆滚筒将油漆刷在画布上，以使其获得平滑而空白的表面；在黑色画系列中，他又将黑色颜料刷在由报纸拼贴起来的表面上。
罗伯特·劳森伯格《Red Painting》，布面油画、拼贴，194.3×129.5cm，1954年
而在红色画系列中，劳森伯格在大力涂抹的表面下方运用了更多材料——木头、织物等，这似乎预示着他后来“融合绘画”（Combine Painting）的出现，以及他想要在艺术和生活之间的空隙中创作的意图。克莱因以其“国际克莱因蓝”（International Klein Blue）而为大众所熟知。但他最早的单色画私人展览包括了四种色彩：橙色、金色、粉色、蓝色。
伊夫·克莱因《Untitled Orange Monochrome (M 111) 》，Dry pigment and unknown binder on plywood and wooden frame，22.86×35.36cm，1955年
伊夫·克莱因《Untitled Pink Monochrome (MP 30) 》，Dry pigment and synthetic resin on panel，100.3×64.8cm，1955年当时，克莱因希望观众将每幅画当成独立的个体去理解。然而，观众将它们像马赛克一般连在一起观看。于是克莱因决定将其它颜色抹去，只钟情于蓝色。“蓝色暗示了大海和天空。毕竟，它们是真实的、可见的、最抽象的。”
伊夫·克莱因《Untitled Blue Monochrome (IKB 82) 》，Dry pigment in synthetic resin on canvas, mounted to board，92.1×71.8cm，1959年
之后，在米兰的阿波利奈尔画廊，克莱因展出了11幅画面相同但定价不同的蓝色画。克莱因的想法是，每个买家都会看到他们购买的画布中有一些独特的东西，因此虽然视觉效果上相同，但每件画作对买家的影响却是独一无二的。
罗伯特·莱曼《Untitled》，pastel and charcoal on Chemex coffee filter paper，直径31.4cm，1964年
罗伯特·莱曼《Untitled》，布面油画，28.6×28.6×3.2cm，1965年
单色画亦见诸极简主义艺术家们的作品中，罗伯特·莱曼便是其中之一。他关注绘画本身，讲究作画过程，并最终选择使用白色进行创作。
对于他来说，白色并不是平面化的单色，颜料本身不同的材料特性、不同的上色方式都影响着画面。
罗伯特·莱曼《Untitled》，棉布油画，55.9×55.9×6.4cm，2010年“白色比起红色、绿色或蓝色，更能让人专注在颜色和画面上，在这过程中你会发现从未思考过的事……你偶尔会听到人们说，绘画的一切可能性都已经被探索过了，其实不然。画中仍大有可为，在某种意义上，绘画只是开始。”阿兰·麦科勒姆《Collection 384 Plaster Surrogates》，Enamel on cast hydrostone，216.5×830.5cm，1982-1989年
相较于绘画本身，麦科勒姆更对赋予绘画意义的社会力量感兴趣。整个70年代以及80年代初期，他画了大量黑色的“替代画作”（Surrogate Paintings），将它们仔细地平铺、装裱，并成排挂在展墙上。他希望通过将绘画压缩为“黑色标志”的方式，促使观众放弃对画面本身的思考，而将关注点集中于“是什么社会力量赋予这些标志以绘画的含义”之上。阿兰·麦科勒姆《Collection of Five Plaster Surrogates》，Enamel on cast hydrostone，50.8×191.77cm，1982-1992年阿兰·麦科勒姆《Collection of Ten Plaster Surrogates》，Enamel on cast hydrostone，50.8×368.3cm，1982-1992年
下次，当你再次站在这些单色画的面前，因不知如何解读而烦恼时，不妨多多了解它们的材质、创作方式以及创作背景。毕竟，单色画的意蕴并不停留在其表面的颜色上，而深藏于艺术家创作它们时所秉持的理念。
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[编辑、文/Johnson Yang]
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