中贸圣佳上海首拍 | 承载时代烙印的中国现当代艺术
中贸圣佳 2021
上海首届拍卖会
时间表
预展时间：7月4日-5日
拍卖时间：7月6日-7日
展拍地点：上海国际贵都大饭店
（上海静安区延安西路65号）
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2021年7月6日，中贸圣佳上海的首届文物艺术品拍卖会即将于上海国际贵都大饭店举槌。本场呈现的创作于1987-2021年的现当代艺术共计32件拍品，将于20:00开拍。
每个时代都有每个时代的价值观念，每个时代都有每个时代的艺术特色，每个时代的艺术同样也体现着每个时代的价值观念。在改革开放语境下，西方文化的传入，使得人们的思想得到进一步的解放。自'85新潮运动以来的艺术作品就是这一时代最好的见证。本专场所呈现的艺术作品体现了艺术家们面对中国现代化的快速发展，他们有的用作品去表达自己对社会的感知，去批判、反讽和调侃社会存在的问题；有的用作品守护传统，中西结合，描绘具有时代特色的中国当代艺术。
在这次拍卖中，不管是中国早期的现当代艺术家还是现在处于创作黄金期的当代艺术家，他们的艺术都具有强大的生命力。时代造就了他们，同样他们也塑造了这个时代。他们的艺术和思想承载着这个时代的烙印。
中贸圣佳2021上海首届拍卖会
现当代艺术精览
# 吴冠中《荷塘》
吴冠中通过最独特的视角对荷塘进行诠释，无花无叶，浓浓淡淡的墨色，是水上的杆与它们的倒影，竟然可以这么诗意这么美。两三抹淡红，是花影，是大音希声。然临花照水，更觉娇美，也丰富了水墨的层次。
# 苏天赐《太湖渔塘》
苏天赐（1922-2006）师从林风眠，是林风眠中西融汇之路的真正继承人和身体力行者。他毕生探索，不断创新求变，将油画的韵味与东方的意韵融汇，以油画的表现语言抒写诗画意境，展现中国美学精神。
1994年春，苏天赐先生赴太湖三岛写生，创作了颇具中国画韵味的油画作品《太湖渔塘》，在第八届全国美展上获得了优秀作品奖。
这件作品以东方审美逸趣展现了空间感、形式感、层次感，逻辑清晰，笔法遒劲，搓、揉、刮等多种技法将客观的江南春景与内心的情感唯美结合，展现了春初，物态欣豫，令观者怡然，以点、线、面将诗意的太湖风光简化却又添加丰富的结构层次变化，用灵动的笔触从近景的树木点缀，到中景的田埂简化，再到远景的云雾交碧，或浓或烈，飘飖缭绕，莫知涯际，使得整幅作品气韵生动，在油画创作中以东方审美意趣佼佼,丰富了中国当代油画的艺术面貌与风格。
# 苏笑柏《符合》
苏笑柏注重艺术的实验性，他运用"天圆地方"的概念，通过白红黄的运用在纯黑色的背景中犹如划破混沌之天的启示。
在《符合》这件作品中里，作者用了一个半圆与一个整圆来做组合，寓意着"天圆"，放置在矩形的画面上，形成了圆和方的平衡。最右侧的方形线条则意味着"地方"之意，白红黄的运用则在纯黑色的背景中犹如划破混沌之天的启示。作品中的色彩，并非单纯的原色，而是揉合了更多丰富的色彩变化，透出每一种颜色的原始状态，他们相互揉合，映衬着底色的黑中带青，与透过复合媒材堆叠而生的浓重肌理和线条，产生出一种色彩的冲突、画面的裂变和分离，达到感官上的平衡，带给观者强烈的视觉冲击。
# 李山《无题》
1980年代上海的艺术家李山和余友涵不约而同地以曲线和圆画的抽象作品可以说是国内较早的东方式抽象的探索。李山在他的"阅读"系列中延续他对生命的关注，在他看来，生命是世界的存在方式，这是一种"万物有灵"的思路。他说，"世界是由生命组成的，而一切生命都和自己一样是有知有灵的，人和非人是无界限差别的，是不可分离的。"
# 孙良《黑灯光》
1987年正值孙良表现主义作品创作的高峰时期，此时的作品带有强烈情感色彩，笔触粗犷有力，肌理坚实厚重，用色鲜明强烈，形成力感十足的表现主义绘画。画面中那些神秘莫测、难以名状的人兽神鬼结合体是孙良画笔下的经典形象，它们以一种荒诞杂交的面貌出现，在神话和梦境的迷雾里行走。这些奇异的群体，此刻守在一个同伴的床前，好似在庆祝又似在哀悼。
# 沈勤《山》
《山》是沈勤第五阶段之后的作品，我们能从中看他对1985年的《黑白-山》中艺术语言的继承。
这件作品如长年累月后，天地各归其位，山河各司其职，共同呈现出一种黑白之间的静止而永恒的对峙。远处看似锋利的外轮线，其实都并非用线勾勒，而是用水墨染成的。因为"染"的非精准可控性，使这些看似直线的外轮实则带有细微松茸的、锯齿般的纹路，为画面带来了一种中国古典的月光般朦胧感，以及在刚强之中留存了恰到好处的柔性，带来了近似传统"留白"的舒缓感。
画面之中的白色主峰以近似三角形的稳定结构屹立于群山之前，显得如此的孤傲与坚强，恰如那在当代水墨世界之中一意孤行的沈勤。沈勤把所有的力量都留足给自己的创作，面对无论是来自传统的、还是当代的不解与质疑，他或许会逃之夭夭，但从不妥协。就像这些山群会在月光或迷雾中隐匿自己，但坚如磐石而绝不退却分毫。此外，主峰及主峰背后共有三处精彩的留白，宛若聚光灯的照射，营造出一种舞台般的效果，这部分很可能源自其八、九十年代短暂参与电影设计的经验，而在此时此刻为画面带来了空灵而神秘的气氛。
# 王天德《佘山渔隐图》
王天德作品中复杂的山水图式，由绘画、烟烫与香烫在宣纸上的交替进行；巨幅碑拓与水墨的交互破局；以及多层次的叠加装裱而构成。这样开放的创作方式使他打破了观者对水墨媒材运用的传统认知，也为其作品赋予了更加深厚的历史内涵。他以新的视觉语言，营造了一个想象中的虚拟自然，在这里，他与古对话、以天地万物为师，开启了自我独到的审美经验。
——中央美术学院艺术管理与教育学院副院长赵力
# 薛松《山水图》
薛松的作品，是以火焰和灰烬为媒介的，通过拼贴手段，他把形形色色的印刷品残片组合成全新的形象世界。微观与宏观的矛盾，造型与内容的冲突，在他的画面上不断地制造出疏离和变异的戏剧化效果。他的绘画，是对绘画本体的解构和再造。
薛松的山水画，是利用'山水'作为载体和图式。通过收集材料、焚烧，用灰烬勾勒线条，最终完成一幅个人语言表现的'山水'题材的当代作品。这些被薛松定格在画面里的山水碎片，在他的手里被重新拆解和"重生"。虽然你或许能在薛松的勾勒中找到这些山水的原型，但这些经由薛松所简化的山水样式，显然已经成为他的"记忆之物"，他的"重生之痕"。
作为中国当代波普艺术主要代表之一，薛松历来受到了国际重要美术馆与私人收藏家收藏广泛关注。他创作手法在中国艺术界独一无二，他以焚烧过的印刷品碎片拼贴出他的画面。火的痕迹带出各种其它媒材难以表达的含意，作品都有丰富层次，寓意深刻。
# 段正渠《黄河系列》
段正渠的《黄河》是段正渠的典型代表之作。画面整体的褐黄色调层层铺开，激荡的浪潮中始终保持平面性，以二维角度来诠释不同浪潮的多层感。再以不同方向性的笔触形成立体感的河面以及其上飘荡的小船，作品的历史斑驳感尤其厚重，看似稳定的结构下藏着人类文明的隐喻。
在当代中国绘画中，段正渠是无可替代的。说他"无可替代"，是由于他所表达的人文精神，他所显示的艺术气质的独一无二。这种艺术上的独特性，对当代中国艺术在气魄和情调方面的缺失有所补充，有所强化。我们不必过分渲染段正渠的创作对于当代中国绘画的意义，随着当代绘画风格样式的多样化进展，段正渠的艺术风貌不是相形见绌，而是显出超越风格样式多样化形式的人文魅力。
——艺术评论人水中天
# 周春芽、徐聚一《桃花》
周春芽所创作的"绿狗"与"桃花"系列作品，呈现了艺术家对爱情、激情与生命力的强烈体验。在周春芽搬到江南城市并建立工作室以后，周围的名胜古迹与他能接触到的传统书画给予他一个珍贵的创作契机。他"游山玩水，发现有很多文人、艺术家到过的有趣地方"，并从中得以考察名画中的古迹，并以自身的绘画语言进行再表现。这一走，才走出桃林，走进了园林，走进中国传统绘画的更深处。
# 余友涵《伟人》
余友涵作为中国当代艺术的开拓者，在抽象题材扮演先行者的角色，影响之后众多的后来者，为中国当代艺坛提供不可抹灭的贡献。
80年代余友涵开始创作抽象画，在追赶西方同时又不忘缺乏民族性，受到当时在杭州赵无极展览作品中的启发，对于中国老子「道生一，一生二，二生三，三生万物」循环反复的论点产生兴趣，开始以「圆」为载体表现的艺术理念。「由于圆的安定感，所以它既可以表现一切事物的始，也可以表现一切事物的终，并由此寓意一瞬和永恒；圆形象征着循环的运动，也暗示着收缩与膨胀的运动，所以它表现了一种博大兼容并蓄以及合理、和谐；圆既可以被看作一个点，也可以被看作一个无穷大的面，它同时代表着微观的基本粒子与宏观的总括；圆的封闭性有着虚静与内涵的含义。」透过圆型符号，不仅是作为宇宙本体的象征与精神体现，同时也是艺术家对鲜活、灵动、永不停息的艺术理念的表白。
# 岳敏君《处理-16》
自1996年起，岳敏君开始创作「处理」系列，他通过在肖像上随意涂抹、写字、画圈、打叉等方式彰显自我风格，以传达出「人人都能成为艺术家」的内在意图。2004年创作的「处理-16」系列以超越传统的艺术表现唤醒着商品时代中的精神自由，用鲜明的「人为」特质不断打破当代文化的一元化特质，他是偶像的建立者，亦是自由的革命家。
# 石冲《表情》
《物语》系列反映了石冲对人、水以及空气的关注。与人造物和其他自然物相比，空气和水更加本质，它们是人类生存的前提和基础。艺术家极其熟练地运用西方式谱系学"灰暗的、细致的和耐心的文献工作"方法分析水、空气和身体的种种可能性。正如石冲自己所言"我，选择了生命的主题，它虽然是永恒的主题，但我可以从时代的潮流中找到瞬间的变化，然后再通过艺术将它回归永恒之中。情感往往蕴涵其中，唯有智慧者方能洞见。
# 庞茂琨《宁静的晌午》
1980年代早期创作受到伤痕和乡土画风影响，却无苦涩和压抑感。本科二年级在凉山写生创作的彝族题材系列作品使他一举成名。
他一直坚持探索古典油画语言在当代文化情境的表达和呈现，注重将个人的艺术创作熔铸在当下社会现实之中。尤其擅长画人物肖像，为强调作品中人物的生动性，大部分创作的方式是写生，总是让被描绘的对象按照他的创作意图摆出一个理想的姿势，然后再作具体的艺术表现，通过古典写实的手法表达隐藏在图像背后的主观精神。艺术语言是古典的，包含的精神却是现代的。1992年开始，庞茂琨意识到时代的改变，创作也从早期彝族题材转向表现都市题材的作品。
# 刘野《小海军》
《小海军》是刘野面对现代化与消费主义快速兴起的社会现实和社会转型期的诸多矛盾现象的情感回应，是他创作孩提时代的想象世界与图像的开始，融入了其作为艺术家的深刻思考和敏锐观察。
作品中圆脑袋小男孩的形象取代了过去的男青年或者少年形象，天空、船舰、太阳，尽是一片浓重的赤红，60年代全国上下红光亮的历史记忆在这幅作品中若隐若现，给人一种身在梦境中的荒诞感，增强了作品的戏剧性和不真实性。
但刘野认为，《小海军》中虽然隐含着某种政治元素，但它并不属于社会批判类型的作品。小海军、战舰，红白蓝的色块，这些造型、颜色给他带来形而上的愉悦远胜于题材的重要性。他希望用独特而具调侃意味的童话人物和童年情节，将人们带入天真无邪的剧场版探险情境。当观众的视线在画面元素中游走之际，用非真实的意境体验呼唤观众回忆起曾有的童年时光，寻找人内心的不可知。
# 祁志龙《中国少女系列 NO.1》
有责任感的当代艺术家都会拒绝简单、表面地模仿现实生活，而是希望自己发掘这些生活层面下的社会意义，他们会密切关注人们的日常生活、社会的整体意识形态、流行的各种元素等，艺术家祁志龙尤其如此。褪色军装的女兵，单纯美好的表情，符合现代审美的眉眼，这些内容被符号化的反复出现在艺术家祁志龙的画面中，勾起了很多人的军装梦，军装作为曾经的时尚，一度让无数年轻人追捧，成为时尚的标准。艺术家也从中找到了自己艺术的支点。
# 何森《抚胸的女孩》
何森的作品给人空朦和凄凉的印象。空朦是空幻和朦胧，凄凉是一种形态和氛围，是"时代病"或叫"时尚症"。虽然何森在描述女孩形貌时所采用的手法基本是写实的，但那忧伤忧郁细如绿轻似梦愁云惨淡的红灰色调，还是与我们眼前的生活拉开了距离。这个距离恰好是何森冥想的空间。
何森自言其作品是表现"对成长的恐惧和对现实的逃避"，其实他的一针一线哪一笔不是描述对成长的渴望和对现实的申诉？何森在画面中为他的"女孩"添加了宠物、玩具、酒杯。这些物件既丰富了画面，缓解了笔锋压力，同时也营造了一种新的思想和艺术氛围。
何森利用了这条线索，像悬疑电影般在画面中制造出一种紧张惶恐的气氛，与青春有关，与青春的迷茫和失落有关，与青春的敏感多愁和荒唐落寞有关。青春是一个表面美好实际残忍的现实，因为青春所拥有的只是热情和漫无边际的遐想，而其实青春是空洞的（或许也是冲动的），毫无实际内容可言。青春不是一个做事的时期，青春是用来浪费和虚度的。
# 高惠君《汉中回音图》
高惠君的作品虽然取材于中国的传统山水画，但并不是照搬过去的山水画，而是一种价值的挪用与创造性的视觉转换，作用的仍然是当代社会。正如高惠君没有用水墨方式，而是取油画语言来表现山水，增加了透视关系，丰富了表现层次一样。其意义就在于，通过这种创造性的转换，在今天这个全球化一体化的时代，呈现了一种不同类型的艺术形式；同时，这种艺术形式，又能给价值迷失的当代人，提供文化上的庇护，带来精神上的慰藉。
# 夏俊娜《青春年华》
夏俊娜对于光影的展现赋予了作品含蓄、内敛的阴柔之美，更具有秩序性与规律性，运用弯曲的线条、明与暗的对比，表现出女性柔和的身体和圆润的脸型。从画中我们不难看出伦勃朗的意味，画面中点线面与光影富有节奏，具有装饰性美感。
# 俸正杰《幸福3号》
艳俗艺术的本质，在于反讽，而模仿是其手段。反讽正因为具有模仿艳俗的表象而更具强度和穿透力、感染力，所以，艳俗艺术不应当成为单向性情绪化的简单道德批判的对象，而恰恰是在当代生活的社会文化情境中进行艺术反省的必然方式。
#杨少斌《NO.15》
杨少斌是以暴力美学的创作扬名国际的，其作品告诉人们暴力正存在着的现实，强烈地揭露虚假的政治、罪恶的战争以及残酷的社会现实对人造成的伤害。而其近期以煤矿为题材的作品又从直观的角度展示了一种隐藏于现实之中的暴力--处于社会边缘地带的人的生存境遇及其生命隐患，其众多作品，无不透露出对人性的关注以及对人类生存状态的关切情怀。
#崔岫闻《假日》
我是一名女性，我采用的方式不可避免地会带上女性特征，但一个艺术家只有超越性别意识的创作，并为大众所认知，才是真正的艺术家。
——崔岫闻
#向京《华尔兹》
我开始的时候可能很多问题是不清晰的，但有一个问题很明确。比如说，我对既定的审美，不依附的。大部分的问题都是针对身体的问题，但身体对我来说，真的有一个很重要的意义要澄清。因为身体在艺术史上是一个非常古老的主题，曾被无数的艺术家表现过，在我们的文化里，它有很多的意义，像你所说的，以前的与现在的，都有不同的审美。但对我来说，这些也许都不重要，因为我不愿意把女人放在任何一个定义上理解她。
对我来说，就是还原人，还原一个身体的主体性，我们作为人的个体性。我做人体，首先拒绝的是把女性身体对象化。在以往的艺术里，表达那些女性，都多少有一种情欲投射。当你觉得好看，便把它当成一个客体、一个对象去看待她。对我来说，重点是，我愿意表达女人们各自不一样的身体，我真正关心的是她作为她，正如我作为我，你作为你。这是我非常重要的立场。
她存在，你要感到她感到的东西，不是把自己的欲望投射到她身上。身体是一个外在的壳，重要的是，这个身体透露了些什么？
#曲丰国《线性》
曲丰国偏向西式抽象的风格表述，让他在中国的当代艺坛中显得独特。抽象艺术的本质是内省的，强调自由度，艺术家必须具备个性、主观理解与独立思考。曲丰国笔下的抽象，不仅是一种风格或形式，不受限于单纯艺术史层面对现代主义的延续，而是一个映照着个体的精神、艺术语言及人生哲学的培养皿，是他一生的执念。在融合了生命中的阳光、土地、植物、大气、雨水、海洋以及雪花等元素后，构成了远大于长方形画框的季节面貌，在时间的形象与观者的心象间，展开一个无限的时空。"
#朱金石《北京的两个落叶和尚》
作为中国抽象艺术和装置艺术最早的实践者之一，朱金石从二十世纪八十年代初开始进行抽象绘画创作。1986年，朱金石移居柏林后又转入行为、文字、装置等艺术实验，并在2010年后回归绘画。
朱金石的"厚绘画"系列已经超越了传统抽象主义的单一理念，亦有别于西方主流的抽象艺术，是一种融合性的，重视体验和过程的艺术形式。画家用棕色、蓝色、黄色、中绿这些对比色和补色造成冲突性的关系，营造出层次分明的空间和滑稽的氛围，令人联想起诺尔德的《围着金牛犊的舞蹈》。
画家完全是凭借直觉，以自发式的手段来堆砌颜料，画中的构图和造型都具有随意性和偶发性，笔触开阔厚实，并且有着流动的韵律，色彩本身即是内在情绪的体现。
#王兴伟《大沟水库旁的厂房》
1999年的《大沟水库旁的厂房》就是一张这样的作品，超现实而又古朴的画面氛围，画面构图严谨，表达过关，各个方面都极为符合当时审美要求。
#尹朝阳《秋山》
中国传统的山水很容易让人产生一种宁静、淡泊的意象，而尹朝阳的绘画颜色、笔触、构图都非常生猛、非常有视觉冲击力。这两种审美看似毫不相干。这恰恰是尹朝阳从传统中所体悟到的，中国的传统绘画高深的境界在于对景物的理解脱离了现象本身，进入内心深处，制造玄妙的意境，"当代艺术中，很多人挪用中国传统绘画中的图示，但我对挪用不感兴趣。我感兴趣的是图式所传达出来的人与自然、环境之间的关系。"
尹朝阳的风景画中看不到传统文人画隐逸避世的佛性禅意，他的绘画语言却是纵情挥洒、激情四溢。狂放不羁的笔触堆迭出斑斓的绘画肌理，稠厚的颜料在画布上层层刮擦、涂抹，形成了一种奇绝的「笔墨」感觉。色彩运用上遵循了塞尚的色彩法则─用色彩表达空间和结构。画中山石堆砌呈三角形构图，这一稳重敦实的感觉便是通过高纯度、大面积、冷暖对比强烈的色块来完成，制造出粗砺、凛冽、炫丽的视觉趣味。这种视觉趣味是「很当代」的。
#欧阳春《两头鲸》
欧阳春则通过浓烈厚重的稠状颜料、疾驰的笔触、磅礴的表达风格和明亮的色彩，同时流露出一种浑然天成的烂漫。在继承了早期涂鸦风格的同时，又实现了荒诞与黑色幽默的精彩演绎，丝毫没有矫揉造作之态。
#汪一《红帐篷》
对于汪一来说，他所创作的并非风景画，而是关于风景的画，或是把风景借用为画面结构与色彩叙事的绘画。不管他本人如何热衷于旅行，在他的绘画中，风景在显性层面上撑满了画面，在深层结构上却微不足道。它们因抽象化与色块化处理，而变得难以与原景互相指认，让人印象深刻的是其中的线条与笔触，也并非由它们勾勒出的具体景观。即便是文化互化，曾经留学美国的他也不曾把共识性的美国当代文化融入其中，仅仅是在历时性的艺术史中，找到各种风格化的风景作为嫁接对象。可以说，这才是最吊诡的：一位习惯于出远门的人，在他的画作中是没有远方的。就像海子的那句著名的诗里写的，"远方除了遥远一无所有"。汪一的"遥远"不在异地，而在异时——只在遥远的艺术史里。
#熊宇《虽然存在我却不知道在哪里》
熊宇生于四川省成都市。1995年毕业于四川美术学院附中，1999年毕业于四川美术学院油画系，获学士学位。2002年毕业于四川美术学院油画系获硕士学位。现任教于四川大学艺术学院，四川大学美术馆馆长。熊宇画中典型的形象是身长眼大的"卡通人物"，是艺术家逃避现实、沉溺自我的虚无形象。
#黄宇兴《Who am I》
宇兴作品大致分为黑色、改变中的生命史、光芒和栖息地、河流几个时期，早年的创作，具象且深沉，看似拟人具有想像空间的题材奠基了后期色彩鲜艳且奔放的创作。这也是一位优秀艺术家发展极致的过程，因为前期对具象和扎实结构的探索，也从较单一厚实的色彩，从而创作出灵活且丰富的画面。
《Who am I》是黄宇兴2008年的创作，为艺术家"改变中的生命史"阶段作品，此时期艺术家正经历一段较为特殊的生命历程，这个过程之后，他说道："我特别地感觉到，当我们每一个人作为一个生命个体，其实这部历史是非常容易被改写的：比如一种病菌的侵入、一个突发的事件都可能会把我们从原有的生活轨道和习惯中抽离出去，然后瞬间的被改变。"此段艺术家自述，似乎也是他从"改变中的生命史"到广为观众认识的"河流"时期创作的注解。
作品画面中的猴子面部表情清晰，但画面背景疏离，是艺术家前期图像作品逐渐转变去图像化代表作。作品名非常直观的表达艺术家在此时期对生活的记叙，画中的猴子是人类抽掉文化后剩下本质的动物特征，大量堆叠的黑色颜料亦是此时期的作品特色，表达对生命巨大的冲突矛盾，深沉的背景色让猴子空洞面部表情相对明显，画面左方艺术家写上 who am I ？强烈阐述人亦或动物对自我认同的对弈。
#廖国核《光辉》
廖国核，1977年出生于印度加尔各答，毕业于圣塔芭芭拉加州大学机械制图专业，以及湖南师范大学特殊教育专业，现居住并工作于长沙。廖国核通过其典型的乖张而迷人的绘画风格，揭示其对当代文化隐晦的讽刺性批判。近期个展包括"马上有良心"，BANK，2014；"中国好画家祝你爽"，南京四方当代美术馆，2014；"廖国核：一万幢房子"，北京民生现代美术馆，2016；其作品也曾在蒙特利尔双年展，米兰PAC当代艺术博物馆，香港PARASITE艺术空间，上海当代艺术博物馆，和北京当代唐人艺术中心等地展出。
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