新MoMA深度剖析（下）——让艺术变得可口而易于消化

关于新MoMA的种种变化，上次我们介绍了其对馆藏展品内容上的重新设置和排列，还没看过的小伙伴们戳这里补课：

这一次，在“怎么展”这个维度上，我们进一步为大家介绍新MoMA的“新”在何处。

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哈伊姆·施泰纳巴赫(Haim Steinbach)的这件装置作品被置于新MoMA的入口处

正如MoMA馆长格兰·D·洛瑞（GlennD.Lowry）所说，重要的不是空间的扩大，而是人们在这空间中如何体验艺术。

改变从你进入MoMA的那一刻就已经发生，你还是可以一如往常地从西53街进入MoMA的大厅，向右转进入雕塑公园，然后上楼到其他展厅，但现在你有了个新选择：向左转，我们的临街展厅如今免费开放。这里正在展出肯尼亚青年艺术家迈克尔·阿米蒂奇（Michael Armitage）的作品以及一系列MoMA独家策划的设计类展品。  

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MoMA正在以更加开放、欢迎的姿态邀请更多人来体验艺术。这种“欢迎”，更体现在焕然一新的策展方式上。

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怎么展？“理解”为王

进入正式的馆藏展厅，熟悉又有点小惊喜的感觉扑面而来。

时间顺序依然是基本框架，在五楼，一系列布朗库西的雕塑让你轻松地进入现代主义，接着，四楼和二楼的馆藏展厅带你逐渐走向当代。

每一层楼都会有二十个左右的主题性展厅，配有简洁的导语，惜字如金的同时也画龙点睛。

MoMA官网上，陈列了各层楼各个展厅的简介

来看看这些最新的展厅主题：“19世纪的革新者”“抽象与乌托邦”“艺术与生活的边界”“亨利·马蒂斯的游泳池”“真实故事”“未来世界”……它们摒弃了单一的信息式介绍，而更偏向于强调策展的语境式呈现，从这个世界就可以看出，MoMA不再想以“来，我来告诉你点什么”为姿态引导观众，而是以“来，我们一起来想点什么”去激励观众。

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另一方面，当作品为策展服务时，所谓名家作品的光环就没有那么重要了。在“19世纪的革新者”这个展厅里，梵高和来自密西西比州的艺术家乔治·E·奥尔（George E. Ohr）同台，分别代表了那个时代欧洲和美国的艺术革新力量；

而在一个名为“内部的战争，外部的战争”的展厅里，艺术所涉及的层面更为深远；

苏丹艺术家易卜拉欣·埃尔·萨拉希（Ibrahim El-Salahi）的作品《狱中笔记》（Prison Notebook，这可能是MoMA最脆弱的馆藏之一）、美籍非裔艺术家大卫·哈蒙斯《David Hammons》的《为美国祈祷》（Pray for America，1969）、女权主义艺术家梅·史蒂文斯（May Stevens）的水粉画等作品共同构成了一个荡气回肠的氛围，有力地推动观众去思考在不同的文化不同的纷争中，反抗何为，艺术何为。

绘画与版画部首席策展人克里斯托弗·切利斯（Christophe Cherix）正在调整《狱中笔记》的摆放，由于其纸张过于脆弱，该作品将于1年内被其他馆藏轮替。

Artists Rights Society (ARS), New York/DACS, London; Jeenah Moon for The New York Times

也就是说，新MoMA把整个永久收藏展厅，做成了六十几个小型的主题性特展，重点不再是“这是什么”，而是把“这”和“那”连接，创造出更为当代所需的思考语境。

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序中有乱，混合搭配

还有一个显而易见的变化就是，学科之间的壁垒被彻底打破了。

在同一个展厅里，你经常能看到绘画、雕塑、设计、摄影、装置共聚一堂，服务于一个主题的诉说。

这个创举是对传统艺术界的挑战，它在原有体系之外，每个人会有各自的评判标准；这也是对MoMA跨部门合作工作量的挑战。从确定主题，到各自挑选对应的作品，同时要对其他类型作品的艺术背景好好补课，再到好几轮的共同协商和讨论，最终统一意见……看似轻巧的重置背后，是整个团队无数次的推翻重来。

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这更是对观众的挑战。

展厅里面不再有现成的知识点，

而是布满了跳跃式思维的线索。

在正式为这些馆藏作品办展之前，策展人正在细细为它们排列

Jeenah Moon for The New York Times

比如在致敬包豪斯及其他同代现代主义学校的名叫“为现代生活而设计”的展厅中，观众可以看到保罗·克利和埃尔·利西茨基（El Lissitzky）的绘画，也可以看到密斯·凡·德·罗（Mies Van der Rohe）设计的椅子、由吉加·维尔托夫 （Dziga Vertov）执导的电影和大量的纤维印刷和纸上作品。而在整个房间的中间，坐落着一间厨房。

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厨房？

是的！MoMA从奥地利史上第一位女性建筑师玛格丽特·舒特-里奥茨基(Margarete Schütte-Lihotzky)设计的一座公寓里“切”了个厨房出来，就放在了展厅中央。观众们由此会心一笑，身临其境地感受什么是“为现代生活而设计”。

.Jeenah Moon for The New York Times

新MoMA彻底改变了藏品的展览思维，创造了作品和作品的新联系，究其原因，还是为了创造艺术与观众的新关系。这并非主观或强势，而是时代所需。MoMA相信，走到21世纪，人们早就在期待艺术新的诉说方式。

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因你们而改变

改变的伏笔早就埋下。

MoMA的策展人们除了埋头研究展览和作品，还在研究观众。“新一代的观众是通过图像来理解世界的，”摄影部高级策展人罗克姗娜·马尔科齐（Roxana Marcoci）说：“那种百分百的沉思型体验不再有。”

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MoMA绘画与雕塑部门的安·特姆金（Ann Temkin）自2008年被任命为首席策展人后，每周都会举行一个召集各部门领导一起参与的例会，讨论跨部门合作方案。他们还会研究MoMA观众的数据——尽管门票一直在涨价，但观众每年的增长量依然可观，年观众量已经达到了近300万。特姆金女士说：“1970年的时候，没有人能想象观众量会是这个数字。那时候来MoMA的只是一小部分人群，他们对于文化史都非常熟悉。但是你看今天的观众，情况已经完全不同了。”

她自己就切身体会了这种不同。之前她经常会做公众导览，当她兴致盎然地和观众讨论起“野兽派”，再介绍“德国表现主义”……但观众的表情一脸木然。“这太荒谬了——这些人并没有学过艺术史。”

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原来那套学院派的博物馆语言，

在新时代大量涌入博物馆的新群体面前是失效的。

摄影：MARIAH TYLER

是站在原地感时伤怀，还是积极以对、继续实验？新MoMA无疑选择的是后者。所以，在展厅里，你不会再找到类似于“达达艺术”“抽象表现主义”这样的主题，甚至连“波普”也没有了。展示1960年代早期艺术的展厅名叫“从汤罐到飞碟”。在这里，安迪·沃霍尔的丝网印刷依然夺目，充满了戏谑和狡猾，而围绕在边上的草间弥生和克莱斯·奥登伯格(Claes Oldenburg)的波普雕塑则充满挑衅和力量——就算自以为知道“波普艺术”大概是什么的人，也会在这个环境里重新掂量，“哦，原来不只是‘流行文化’那么简单。”

这样的新MoMA，

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