郑子豪 | 打碎思维里的幻像
艺术家 郑子豪
郑子豪
毕业于鲁迅美术学院油画系
2015年赴意大利罗马留学
现工作生活于北京
个人官网
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制图术与虚拟人生
文/郑子豪
当代艺术的发展伴随着技术的革新，真正的当代艺术应该是审美视觉的启发者，同时也对现代人的思维起到先导作用。但很多时候，大部分的当代艺术都滞后于时代，不管创作者是否承认，作为传统材料的架上绘画也不可避免的与时代当下形成微妙的关系。
这个时代的发展很快，从计算机应用到自媒体平台的肆意扩张，大众审美实际上早已从自然景观转向“屏幕景观”，屏幕的分辨率，色相，无疑让所有人在意。
在生活中营造虚拟现实，在虚拟世界中造梦体验，并不是什么难事，是今后不论艺术还是世俗生活不可避免要面对的直接问题。
《虚拟人生》120×150cm 布面油画 2018
《虚拟人生》30×30cm 布面油画 2018
说到我的作品，我想的确与“网络审美”有关系，如果没有网络图像的便利和其对视觉习惯的极大影响，是不足以成立的。在系列作品中，有浴袍女郎在搔首弄姿，有主人翁开启第一视角，有粉衣护士的爱情动作，有千里江山的雄壮辽阔，也有模拟人生的极乐体验。它们构成了一个镜像，一个曲面镜：无法准确照耀现实，却拟建了另一种现实。
它们深陷在这种虚幻的自信当中，用绘画的形式为屏幕造像，而深刻与自省从来不是它的座右铭，无力而引人注目的闪烁才是它的全部面目。“在这个世界里，你奢迷傲慢，也光芒万丈。”
《海滩》35×50cm 布面油画 2018
《主人翁》 50×40cm 布面油画 2018
似乎互联网并不是虚拟的，它无时无刻不比生活更真实。就好像，当种种切肤的焦虑，越发深刻的无聊，以及杂乱无章的阵痛来临时，生活失去了真实。
《主人翁》 50×60cm 布面油画 2018
一旦对绘画的奢望彻底远离了宏大叙事和个人情愫，泛娱乐化的姿态就掺杂在所有的思考里面了。电子竞技的壮烈比得上生活现实的残酷吗？白日梦比任何梦都更加诱人吧？好比游戏中的角色跳转在沙漠与绝地海岛上，这一刻的痛苦和愉悦，被彻底娱乐化。
时间在互联网中快速流失，二进制与赛博空间夹杂着庸俗，那么一个活生生的人，会获得强烈的满足感，直到冰箱里的啤酒喝完，三明治过了保质期限。同时，它的快捷性，使人变得前所未有地浮躁——无限消息信手拈来，阶级平等的愚民主义深入人心，网络社交是第一要义。在这里，到处充斥了雷同的消费主义碎片，人们每天消耗着大量的信息资源，在庞杂冗长的资讯里寻找新鲜感，每个人都会花费很多的精力财力主动或被动地吸纳这些东西，并且无法去思考事物背后的许多意义。而在物质化，图像化，媒体化的文化环境下，文字和图像不仅仅停留在它们初始的简单意义，而是随着条件的不同有了不一样的解读。
《偷看》80×120vm 布面油画 2018
《主人翁》50×40cm 布面油画 2018
《主人翁》 30×40cm 布面油画 2018
在媒体化时代中，绘画也作为一种图像，它一定有它自己的思想性。同时，作为不同于其他图像的绘画本身，它应当面对一个非常纯粹的语境，这个语境不仅提供着视觉上的激励，也在对“存在”，对绘画本体进行了回应。
当然，仅仅“回应”显然是不足的，一旦绘画涉及了自我的叙事情结，这些问题都不同程度的遭受着价值观，审美，道德伦理的转变。而突出绘画的平面性与复杂性，即是连接虚拟图像与“造图术”的直接路径。
《主人翁》50×40cm 布面油画 2018
《主人翁》 30×40cm 布面油画 2018
《主人翁》 30×40cm 布面油画 2018
Arthub：2015年你去了意大利罗马留学，能和我们分享下这段经历给你的带来的影响吗？
郑子豪：对于热爱艺术的人来说，意大利的许多城市都值得一去，但就我去过的一些地方而言，比较有意思的是任何场所都可以是艺术发生的现场，街上常有“行为艺术”和热情拥护他们的观众。我喜欢罗马的公共厕所，里面各种涂鸦自由放纵，精彩绝伦，都是“巴斯奎特”。众多的博物馆 ，美术馆，曾让我流连忘返。还有就是去了意大利留学之后，发现他们画画非常放松，没有包袱。但是中国人在画画时会想很多，会觉得这是一张作品我要去好好完成它，仪式感很强，但是意大利人不会觉得是在完成一件作品，而是自己开心就好了。当然这样很容易画得很烂，而且也没有理论的构建，但是他们很直白，发力点很统一，所以力量感很强。
在摸索的过程中我也困惑过，直到这两年自己才有了一些感觉，好像找到了一些突破。所以，不同的生活方式，迥异的文化环境，都带给我比较新颖的体验。这是一个美好的回忆和记忆犹新的生活经历。
《三个幽灵》 40×50cm 布面油画 2018
Arthub：你选取油画作为创作媒介，它最吸引你的是什么？
郑子豪：我一直选取油画作为媒介是因为对油画一直很着迷，它的厚重感是其它材料不可替代的，对于我来说油画材料可以有很多的可能性，我喜欢在油画布上反复涂抹和它挂在墙上的宁静感。不过，丙烯可能更轻盈快捷，更亮更轻薄，也会有一些出人意料的效果。
《引火烧身》50×60cm 布面油画 2018
《引火》 25×35cm 布面油画 2018
Arthub：你的画作似乎刻意在原先的画面上进行叠加掩盖，你是否在刻意的打破图像，追求碎片画面？这系列作品的的灵感主要来源于哪里？
郑子豪：我使用的具象图像包括游戏、二次元动漫等流行文化图像，也有一些艺术史上的经典图像，并且最终用具象图像作为作品的名字。而打碎具象的笔触也不是直接画上去的，我会先在硫酸纸上进行完全随机的绘画，再进行画面转印。从画面观看的角度讲，直接涂绘和转印的效果是不一样的，人们总希望看到完整的图像，所以当看到零散的图像时会不安，会本能的将图像完形。
《自恋狂》 50×30cm 布面油画 2018
《自由人士》 50×40cm 布面油画 2018
Arthub：我觉得碎片已经成为你画面的符号，你是在什么时候开始寻找到自己的绘画语言的？这个过程是怎么演变的？
郑子豪：我想说的是，我不想用美术史的概念——抽象或是写实——来定位我的作品，我更希望有一种意图或过程从我的作品中传达。
实际上我的作品是从具象一步步走过来的，画面第一层我会画一个具象的图像，然后通过图像的叠加、色彩的控制，用不规则的笔触打破它。一个图像一旦打破，形就没有了，最终会变成一个色彩的构成，但是其中又保留了一部分形，但不是连续性的，这跟抽象不一样，这是一个碎片化的过程，更集中于画面本身的笔触和色彩如何与具象图像穿插，比如打碎到什么程度，在这个过程中可能思维也是碎片化的。这个过程可能持续了两年多，这两年里我一直在这个方向上推敲，演变，肯定了又否定，如此形成目前的视觉表达方式，但这个方式也不会是一成不变的，往后还会继续延续并且发展。
Arthub：你怎么看待架上绘画？未来会尝试其他的艺术表达形式吗？
郑子豪：我觉得目前来看，架上绘画有他存在的价值，但和艺术史中的份量不一样了，甚至有时变得不再那么重要，似乎变成了“艺术品”而不是“艺术”。靠架上绘画来改变艺术史并且改变时代的历史早就过去了，而且也不会再次来临，也许再不会有划时代的影响深远的架上绘画作品出现，它现在的意义就是更加个人化，是非常私人化的一种视觉语言，是属于艺术家个人的表现材料。其他的艺术表现形式还是因状态而定吧，如果有一天我发现架上绘画不足以承载我想要的东西时，可能也会尝试其他的方法和技术。
《圣母子》 25×35cm 布面油画 2018
其他作品欣赏
《三个勇士》120×150cm 布面油画 2017
《千里江山》80×120cm 布面油画 2018
《主人翁》 100×80cm 布面油画 2018
《丛林》30×40cm 布面油画 2017
《主人翁》120×120cm 布面油画 2018
编辑：Eunice
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