歌舞伎来中国了——带你了解日本的的经典传统艺术

2017年3月18号到20号，日本的著名歌舞伎演员中村雁治郎等率团访问北京，给中国的观众带来一场歌舞伎演出，以纪念中日邦交正常化45周年。这可以说是中国观众一窥日本歌舞伎芳容的难得的机会。在这篇文章里，我们就来简略地讲一讲日本歌舞伎，也来看看它为什么能“长盛不衰”的缘由。

“歌舞伎”自17世纪初期发源以来，历经变迁，现如今已经有400多年的历史了。时至今日，“歌舞伎”仍然在日本享有很高的人气，堪称日本第一大传统剧种。

  据称，歌舞伎最初起源于一个叫“出云阿国”的女子的舞蹈，后来歌舞伎通过借鉴“狂言·能（一种起源更早的日本传统戏剧）”、“人形净琉璃（木偶剧）”的题材，创新舞台设计，以及表演形式的不断突破，终于演变成了我们现在看到的这个样子。

  其实，日本的歌舞伎跟我国的京剧，在很多地方都有相似之处，在这里就不做一一介绍了。而说到不一样的地方，歌舞伎可以说在全方位舞台、高仿真道具、和演员袭名制度等方面，跟京剧有很大的不同，有一种让我们耳目一新的感觉。

   首先来说，舞台设计。歌舞伎的舞台包含有很多机关：首先，演员们出场的“上场门”，就很有特色。歌舞伎的上场门不止一处。首先，跟京剧一样，歌舞伎舞台的右手边尽头有一处叫做“上手揭幕”（“上手”相当于汉语的“上首”，既是左边）的上场门——这并没有什么大惊小怪。

除了这个常规上场门，整个剧场的左后方还有一处叫做“鸟屋揭幕”（“鸟屋”是指剧场左后方，演员等候上场的小屋）的上场门，而连接这个“鸟屋揭幕”和舞台的就是有名的“花道（はなみち）”。花道就像一条长廊，从剧场的后方直通前方的舞台，将观众席分成了一大一小两部分。

可不要小看这条“花道”，很多重要角色都会在这条狭长的舞台上登场、下场、亮相、表演。这条花道，能让临近它的观众几乎零距离地观察演员的一举手一投足，更重要的是，它让所有的观众在除了正坐注目正前方的舞台之外，还要侧过身、甚至是扭过头来欣赏“花道”上的表演。如此一来，除了正前方的“二维”舞台，又多出来了一个纵深——这样的全方位舞台设计，增强了观众的代入感，让人仿佛身如其境。

歌舞伎演员的登场，除了从上面说的两个门走出来，还能被“托”上舞台。歌舞伎的舞台有一个特点：它整体是悬空的，下方有很大的空间。一些角色，会事先在这个下方的空间里等着，该出场时，就会有升降设备将他们从“地下”托举到舞台上。这种通过升降设备将演员托到舞台上，或者从舞台上降下来的装置，日语中叫做“迫　セリ”，这个名字大概是来自这一手法有一种出其不意之感，能让观众心头一惊的意思吧。

歌舞伎舞台上的“迫”共有三出，前方主舞台上有两处，花道上有一处。特别是在“花道”上的这一处，可不是什么样的角色都能利用它登场的。从花道里“冒出来”的角色，都是幽灵、或者狐仙等——在悄无声息地突然出现在观众的身边，这一出场形式实在是再合适不过了。

“迫”除了能升降演员，还能升降体积庞大的舞台布景——与中国传统京剧崇尚“一桌两椅”的简单道具不同，歌舞伎喜欢对亭台阁楼、街头店铺、甚至是历史建筑等进行高度还原，其舞台的布置的还原度堪比现如今电视上的“室内情景剧”。

将这些大个头的布景上下移动，让歌舞伎的舞台有了更大的变化空间，增添了观众视觉上的享受。例如，在剧目《金阁寺》（正式名称为《祗园祭礼信仰记》）中，随着剧情的进展，故事发生的地点从金阁寺的一层转移到二层，矗立在舞台上的金阁寺也会“下沉”一截，让金阁寺的一层“埋在”舞台以下，来达到让二层跟观众的视线平行的效果。

当然，歌舞伎舞台下方的巨大空间，除了用来升降演员、布景之外，还有一个更重要的作用：舞台的正下方，还藏有一套动力装置，可以将舞台整个旋转180度（东京的歌舞伎座使用的动力装置，深入地下达16.5米，有五层楼之高）。也就是说，从一个场景换到下一个场景的时候，不再需要先撤走现有道具，再搬上下一场的的道具，只要将舞台旋转，即可实现换景了。如此换景方式，不但十分迅速，还把舞台的“秘密机关”大方地展示给观众，可以说是一举两得。歌舞伎的旋转舞台，据说是由“狂言作者”并木正三在1758年发明的，当时自然没有电力可以利用，完全是依靠藏在舞台下方的空间里人力来转动舞台。

  从以上关于舞台的介绍也可以看出，歌舞伎的写实性很强，注重视觉效果。这一点在歌舞伎舞台上使用的道具里也可以看出来。演员佩戴的华丽服饰、头套自不必说，舞台上出现的佩刀、扇子、纸伞、灯笼等等，也基本上看不出跟真家伙有什么区别。更让人惊奇的是，演出中的演员们甚至会掏出日本古代的旱烟，在舞台上吞云吐雾起来。

当然啦，完全照搬了现实，舞台也就失去意义了。歌舞伎里的很多道具都超越了对现实的模仿：例如，在剧目《当世流小栗判官》中，栩栩如生的白马就载着两名演员腾空而起，上升到观众席三层的高度，并环绕剧场飞行一周——这一场景的视觉冲击力是可想而知的。

不只是马、牛、野猪这些“常规”动物，大蛇、蛤蟆、蜘蛛等日本神话传说中的“传统”神兽也被搬上了舞台，它们在舞台上呼风唤雨，大显身手。时而写实，时而奇幻，歌舞伎的观众们大饱了眼福，自然会大呼过瘾了。

其实，歌舞伎跟京剧的一个很大的不同，就是演员并不承担“唱”的任务，主要是负责“念、做、打”，所以在视觉演出上出彩很重要。现代观众似乎更偏爱“视觉上的盛宴”，这大概也能算歌舞伎在日本比起京剧在中国更有人气的原因之一吧。

有了变幻多端的舞台，再加上超写实的道具，可最重要的还是要看舞台上的演员。日本的歌舞伎演员大多数都是世袭，父传子，子传孙。生在歌舞伎演员之家的孩子，在年幼的时候就要开始学艺，并登台接受历练——才三五岁的小演员扮演的桃太郎自然是十分可爱啦。

虽说歌舞伎演员以世袭制居多，但这也并不是说歌舞伎对外界关上了大门。一般人家的孩子，也可以选择成为歌舞伎演员的“养子”，进入歌舞伎的世界。例如，被誉为“日本的梅兰芳”的坂东玉三郎，就是出自一般家庭的，后来作了歌舞伎演员“十四代目勘弥”的养子，正式登台。

更有意思的是，不但歌舞伎演员的这个身份要世袭，连演员的艺名都是要继承前人的。而且随着演员年龄的增长、艺术水平的提高，他们还会去继承含金量更高的艺名。所以很多歌舞伎演员在不同的年龄阶段，会拥有不同的名字。例如，松隆子的父亲，就是一位著名的歌舞伎演员，他一共使用过三个名字：三岁时以“二代目松本金太郎”的名字初次登上舞台，七岁时改名“六代目市川染五郎”，在三十九岁的时候又改名“九代目松本幸四郎”，并使用至今。顺便提一句，这个“几代目”就是第几代的意思（你是不是想起了火影），也就是说历史上还有过一位松本金太郎，五位市川染五郎，和八位松本幸四郎。

日本的歌舞伎演员，除了他们的本职工作外，还会客串出演电视剧、电影。比如扮演《半泽直树》里面扭捏作态的检察官的片冈爱之助，还有出演过《赤壁》、《霍元甲》等很多作品的中村狮童都是有名的歌舞伎演员。而堪称现如今歌舞伎界第一人气的市川海老藏，甚至还在《名侦探柯南》以本人的动画形象出演过。歌舞伎演员客串影视作品，可以说为平时不怎么接触歌舞伎的观众，提供了一个对歌舞伎产生兴趣的机会。

好了，关于歌舞伎的舞台、道具、演员说了这么多，相信你对歌舞伎的有了一定的认识和兴趣了吧。不过，歌舞伎上演的剧目多到难以计数，其题材或是反映江户时期的百姓生活，或是历史故事，或是神话传说，内容各有特色，丰富多彩。所以，要是想真正了解歌舞伎，还是要去看一场歌舞伎的演出。那么歌舞伎在哪里可以看到呢？除了东京、大阪、京都、福冈、名古屋的歌舞伎剧场之外，很多日本的其他城市还会有歌舞伎的定期巡演。如果有机会的话，一定要去一睹歌舞伎的芳容哟。

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