霍洛维茨：“真正的演奏家需要三个东西！”
译者导读：对于现在学钢琴的人来说，霍洛维茨应该是很熟悉的人了。昨天我偶尔翻开了一本书，上面有段关于霍洛维茨论钢琴演奏的艺术的一段话，我觉得这段话对现在的钢琴爱好者或是专业的都有很大的帮助。
在我看来，大多数弹琴的人为什么琴技不错，但感情贫乏。主要就是自己不懂得怎么去思考把自己的情感注入在乐句之间，甚至懒得去思考，只是弹出来了就行了。还有就是学院式的教学模式。用科尔托的话说，学院它只是教给你了弹琴的技术。真正能演奏好钢琴，从钢琴匠上升为钢琴演奏者的人，是能在感性和理性之间找到平衡的人。从学校出来的人大多是太理性化，或者说是没有理解音乐。——朱伟丨纪念科尔托丨大师课视频丨新书预告丨“他的肖邦几乎确定了演奏标准，后人都遵循他的分句，咀嚼他表情中的诗意，很难挣脱其结构。”
我看了一段文章，是施纳贝尔关于演奏的一些阐述。有什么只要是G大调的和弦就要用强音演奏，小节线和呼吸的要求。我觉得这些都过于刻板了。音乐本来就是给人以不同的感官刺激，不同的人听同一首音乐肯定有不同的感受，或是听第二遍时和第一遍时感觉不一样。演奏也一样，我想理解了作品的人应该不会两遍都弹得一样吧。肖邦为什么不喜欢在自己的音乐上加标题，甚至很反感这样做，我想就是这个原因了啊。在我小时候听鲁宾斯坦弹得肖邦第一叙事曲时，我还以为这个音乐是爱情的宣言。但听了其他人的演奏时，我才知道这是于战争相关的。（差别还有点大）——鲁宾斯坦访谈录丨如何不用钢琴进行练习丨学习音乐要饱经痛苦丨真诚的音乐演奏永远都是一种即兴创作
下面霍洛维茨的一段话我应该会对大多数演奏者有所感悟吧。所以我才不惜花时间把它打上来，让大家看看。
霍洛维茨论演奏的艺术
古典，现代，浪漫，新浪漫。这些标签或许对音乐学家有用，可它与作曲和演奏没有什么任何关系。事实上，在教育年轻演奏家方面，这些东西与其说是帮助不如说是妨碍。一切音乐都是情感的表达，而情感并不随时间变化。风格和曲式变了，但人类的基本情感是不会变的。苛刻的人会告诉我们，古典时代的作品，演奏起来应该克制情感。而所谓浪漫时代的作品则应该放逐发挥。这样的建议常常导致夸张：在浪漫主义音乐里面过于沉溺，缺乏控制；而在古典时代音乐里面过于枯燥乏味。
就莫扎特而言，我们从他的信件中得知，他对音乐的表达非常重视：我不断批评那些演奏起来缺乏自由的“机械的演绎”，认为那些会丧失到“品位和情感”。至于贝多芬，历史文献表明，他的演奏也一样充满自由和情感——这正是浪漫主义的标准。
作曲家的乐谱只是一个骨架，演奏者必须加入血与肉。这样音乐才能获得生命，与听众对话。有一种说法认为，追溯到最初版本能够保证进行一场令人信服的演出。这是不对的。听众并不会对知识概念作出回应，他们只会被感情打动。
词典中对浪漫主义的定义常常包括下面这些解释：“展现或表达爱或者强烈的喜好，情感热烈疯狂。”我说不出在哪个时代的哪位作曲家不具备这些品质。那么，是不是所以的音乐都是浪漫主义呢？演奏者在演奏古典、浪漫或任何其他风格的音乐时，是不是应该听从自己的内心，而不是遵循知识概念？
当然，高超技巧意味着控制——音乐和生活都如此。但创造性的控制并不限情感或人的自发性。它只是一些标准、限制和边界，界定品位、风格以及每位作曲家的适合特点。要成为真正的创造性演奏家，而不仅仅是个乐器爱好者，就需要三个同等重要的东西：
一副训练有素，井然有序、充满想象的头脑：
一颗自由乐于奉献的心灵：
对乐器的熟练掌握。
任何音乐家都不能不靠这三个元素的均衡掌握达到高超艺术造诣，这也是我毕生奋斗的目标。
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