专访｜走进安妮·莫里斯的思绪里
英国当代女性艺术家安妮·莫里斯（Annie Morris）的艺术真挚、纯粹，既让孩子为之雀跃，又深受藏家欢迎。展览对她来说就像一个家，她将摇摇欲坠的“石头”推叠成塔，用色彩连接彼此。我们来到她在上海复星艺术中心的中国首次个展“一线之望”， 与她谈论创作的历程，感受希望的厚度。
安妮·莫里斯（Annie Morris）1978年生于伦敦，目前生活与工作于伦敦。她曾在巴黎国立高等美术学院师从朱塞佩·佩诺内（Giuseppe Penone ，1997-2001），2003年毕业于伦敦斯莱德美术学院。莫里斯的作品被路易威登基金会（巴黎）、爱茉莉太平洋艺术博物馆（首尔）和克利翁酒店（巴黎）等收藏。2021年，莫里斯为伦敦克拉里奇酒店（Claridge's Hotel）推出的“The Painter's Room 画室”创作了一幅场域特定的彩色玻璃作品。
2012年在一次不幸的流产经历后，Annie当时被告知可能以后都无法再怀孕，沉浸在悲伤情绪中的她开始不断拼贴这些卵形图案，它们既指代卵子，也像怀孕时膨胀的肚子。
初见艺术家安妮·莫里斯（Annie Morris）的作品，是童话般的梦幻感，然而她许多标志性作品其实都来自生命中的极度的悲伤、绝望和焦虑的时刻，例如球体雕塑“堆叠”系列（Stacks）就源自她曾因流产“失去的形状”。此次展览包含一件高达5.3米的“堆叠”雕塑，是艺术家迄今为止最高的创作。不规则的球体仿佛被透明的细线牵制，随时都有坍塌的危险，维持着微妙的平衡。
Annie喜欢诗歌，喜欢将抽象与具象的表达模糊在一起，展览标题“一线之望”(Hope from a Thin Line)便出自一首她喜欢的诗。线，可以是抽象的，如下坠时想抓住的支撑。它也可以是具象的，如Annie在灵感的伴随下无意识画出的线条。
三楼展厅Annie为复星艺术中心制作的场域特定壁画所在的空间。
走廊上的壁画作品一角与展厅内的雕塑和壁画形成呼应风景。其中，“花女”（Flower Woman）是一个反复出现的主题，这是一个面部被描绘为花朵的女人，也是艺术家的复合肖像。
走廊一角的刺绣扶手椅作品。
“我所有创作都是以绘画开始的。正因为源自于悲伤，所以才朝向希望。”
在Annie最迷茫困难的时期，画画对她来说是极其疗愈的。Annie的画中常出现一些来自童年记忆的重复元素，尤其是那些令她不安、难以深入谈论的部分，例如幼年好友的离世，父母的离异。
“在我还小的时候，我最好的朋友去世了。那天，一只鸟儿飞进了我的房间，就像朋友灵魂的化身。从那以后我的画里就经常出现鸟的形象。”三楼展厅内，有她为此次展览特别创作的涂鸦式壁画，其它作品则像是从墙壁中走出，展厅成为向观众打开的立体速写本。
“花女”的形象还将体现在莫里斯创作于2018年与2023年的两件群青蓝、镉红人形等比例钢制雕塑，由素描中的激昂线条所构成。
绿松石色的《人物》钢制雕塑作品，创作于2023年。
“花女”的形象最初来自悲伤的母亲，她的身边总伴随着一只狐狸，长长的嘴像剪刀，似乎随时都能威胁到脆弱的花朵。Annie说这个形象来源于她的父亲。后来她更多地在“花女”中看到自己，“脆弱易逝的花瓣让人想到短暂的美丽。就像关于女性的讨论常与时间、年龄有关，但同时女性也是坚定的、丰满多面的。”
“我想让观众走进我的思绪。我希望在中国第一次个人展出中呈现创作的不同方面。”
这些回忆也有欢乐幸福的时刻，它们交织一起，从一根圆珠笔画出的线，到被丝线缝制，再以铁艺雕塑的形式重现，Annie赋予线条不同厚度与质感，既是失去的纪念，也是希望的象征。而我们顺着自己观看的 “线”，穿过间隙，起起伏伏中将艺术家的创作和经历串联，回望希望的起点。
Annie Morris站在“堆叠”雕塑作品前仰望。
球体表面的颗粒犹如宝石，展示出宛若初生的新鲜色彩，“就像它们还待在颜料罐里一样”。它们来自莫里斯发明的一种能够使色泽保鲜的独特技术，雕塑表面每一层颗粒的堆积都是一次颜料的层叠。
图中右侧为此次展览最高的“堆叠”雕塑，高达5.3米，在艺术家眼中代表了母亲的形象。
展览有两层，三楼展厅注重绘画与私密的经历，二楼展厅则更注重雕塑和色彩的探索。“堆叠”的雕塑森林最令人印象深刻。Annie对材质的探索欲和喜悦，很单纯也很直接，所以人们能轻松从中找到共鸣。
这些雕塑在孩子眼中可能充满活力，就像彩色的松露巧克力、冰淇凌球塔。有人则会注重雕塑表面细节，粉状肌理看起来十分脆弱，原始易碎，与其不稳定的结构相合，激发深层联想。还有人在观看的过程中重拾创作欲，与小时候玩泥巴、创意手工的记忆重叠。
图中左侧为艺术家之前在中国旅行参观了紫禁城后，被那里的红色的丰富所感动，从而制作的小小红色作品。这件作品在最大的雕塑旁形成有趣的视觉反差对比。
艺术家喜欢将不同尺寸的作品并置，互相对话的微小的雕塑像展厅中的“婴儿”。
“对我来说，最有趣的事情就是找到雕塑和绘画之间的空间。”
Annie称“堆叠”系列为“雕塑性绘画”。当她还是学生时，就对颜料的色彩搭配和质地非常着迷，“我会将颜料抛在画布上，在表面划痕，我喜欢颜料没有干透时的样子，并试图找到一种能保存这种质感的方法。”在制作“堆叠”雕塑时，Annie尝试用三到四层不同颜色的沙粒，涂上颜料，再反复刮去、再增加。过程中可能会把工作室弄得一团糟，也会花费很多时间，但每一次尝试都让她感受到希望。
进入展览前，在建筑外还可以看到一件大型青铜“堆叠”雕塑作品。当问及材质转变，Annie的回答也同样简单明了：“因为我希望继续在室外看到这种色彩。”在制作时，她用不同的彩色蜡覆盖在颜料上，通过火烧进青铜，形成一种粘土质感的表面，让坚固的材料具备脆弱感，让复杂的工艺看起来原始。
艺术家一直在探索介于绘画和雕塑的中间地带。“堆叠”系列不仅是疗愈手段，更是主动探索创造力的无限种可能。
在图腾式的构图中，不规则的球体呈现出鲜艳变幻的色彩——薰衣草色、牛血红色、赭石色、紫罗兰色。看似坚固的彩色雕塑由轻盈的泡沫雕刻而成，传达着毋庸置疑的能量。
如同拥有“绝对音感”的音乐家，Annie好似拥有绝对“色感”与“质感”。当初她开始强迫症式地用丝线缝制自己的绘画，是出于缓解伤痛，但对空间的厚度，对颜色和材料的执着才是正真驱动她的内因。同样，挂毯系列作品是另一种游走在绘画与雕塑之间的尝试。丝线最终能呈现出粉彩、蜡笔或炭笔的质地。本无生命的元素，随着时间推移，即使在相同的过程中，也能诞生各式各样的变化，仿佛活了过来。
Annie一直都很喜欢这种模糊平面与立体，模糊不同材质界限的过程。无论是通过让作品变“厚”，还是变得更“彩”，或是变得复杂，拥有难以单一复制的质感，她都在本能地追求一种能承载更多能量的方式，追求一种力量与强度。
作品《红色之路》，从创伤中衍生出来的“线画”作品，充满重复的执念，有着非常脆弱的结构，却又紧紧联系在一起。
“展览完成后就像一个家。我为高挑的空间创作了一件巨大的作品，对我来说，它像母亲一样俯瞰着空间内其它作品。每一种存在都有自己的声音，彼此相连。”开幕当天，Annie的家人也来到现场，她的母亲，丈夫，和两个孩子，快乐地围聚在一起见证这个特殊日子。温馨的画面对比曾经经历的种种，令人动容。长久以来伴随Annie的，其实还有一位隐形、却又无处不在的“家人”——色彩。
“我总将颜色视为充满希望的元素，它们让我回想起生活中有所改变的时刻。”
展览开始时的作品《月亮与女人》，是Annie在伦敦制作的的挂毯作品。通过在一幅水彩玻璃风格的速写画上缝制，让其变为一件具有轻微雕塑性的作品。
水彩只需要很短的时间绘画，缝制使工作变得极其耗时，但赋予平面绘画一种三维感，带来新的能量。
“堆叠”雕塑局部细节。艺术家通过思考材料、空间、颜色之间的有趣联系，让作品变得充满乐观和喜悦。
当许多人遭遇焦虑或抑郁，会与明亮的色彩产生格格不入的疏离感，反而倾向靠近黑白或暗色，但即使在Annie最痛苦的时期，颜色也从未灰暗过。它们不会离开，永远振奋人心。她尤其喜欢靛蓝、绿松石、锰紫色、红色、黄色，越焦虑悲伤，越会将自己沉浸在色彩中，找到安慰与快乐。
Annie曾说过她特别喜欢逛画材店。拉开一排排抽屉，看到不同颜料整齐排列，是很治愈的事，让她瞬间想到无数种颜色的可能性。在创作中，她也喜欢将多种颜色与材质混合排列，当颜色以这样强烈的方式浓缩后，会堆积一种突破束缚的新力量，让她感到身体变轻，与色彩自由地融为一体。
艺术家制作了还原自己工作室置物架的装置作品，前面是她创作于2012年的作品《工作室人物》，由她工作室的墙砖构成，现在无论到哪里，这件作品都会跟随，见证每一次变化。
对艺术家来说，线可以推动绘画线条的能量，保持作品的力量。线的概念也逐渐变得抽象，成为希望的象征。
“我的世界，始终被色彩所环绕。”
她想要毫无保留把这种状态，以及她工作室的氛围带来此次展览。在她的工作室里，每种颜色、完成的或未完成的作品都有意义，它们互相交谈，见证创造者生活中的改变，始终陪伴。
色彩也因此成为展览另一条观看的线索，作品间对应的颜色，让眼睛获得飞翔的速度，让观众得以理解作品之间的联系。这些由不同颜色延伸出去的动线，曾经帮助Annie从糟糕的状态中解脱，也曾顺着材质不断突破单一维度，向更广的空间蔓延。就像她越堆越高的雕塑，色彩在数不清的重复中缓慢积累厚度与高度，再连接到需要它们的人。
“安妮·莫里斯：一线之望”
展期：2024年3月23日至6月2日
地点：上海复星艺术中心二&三楼
特别鸣谢
艺术家工作室、上海复星艺术中心
摄影 ｜ 贾睿
撰文 ｜ Minwen
新媒体编辑 ｜ Minwen、Luner
视觉设计 ｜ Mok
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