厦门的夜色即便在湿热中仍让人忍不住要走入那片温柔。在有晚风轻拂的时刻，我们避开人潮，穿越红顶当代艺术中心门口花树的郁香，在蒋晟的亲自导览下，踏上了他最新个展《蒋晟：樂将至》的参观路径。不设纸质门票，却以一朵鲜花代替，令来者总能以一颗好奇或虔敬之心将花朵轻轻放入在展的花钵中，“借花献佛”。虽然宣传上说这是“蒋家班成立以来规模最集中的回顾展”，但实际上十余尊体量不等的佛造像与二十余件器物几乎都是首展。倒是在展览的四大单元：溯源、造像、符号和媒介中的最后一个单元里，借由对造像原始材料、工具与文本档案的归纳展示，把蒋家班成立11年来所进行的研究、创作与探索进行了一次精炼的回顾。更让人意外的是，11年了，这竟是蒋晟第一次在自己的城市举办个展。他将这表达为“缘法的成熟”，在这个时间点上，他和这座城市都准备好了。蒋晟在厦门《蒋晟：樂将至》展览现场。说回顾，其实也不错——是蒋晟在为佛造像十数年后，一次又一次将心中那只眼睛望向“来”的方向，而这一次他“回”到了佛像诞生之初的犍陀罗艺术上。从2020年开始，他频繁探访巴基斯坦、阿富汗等古犍陀罗地区，长时间流连在当地的博物馆、寺庙、废墟和遗址中，在那些最初的佛像上寻找自己那些疑问的答案。在那些希腊化的衣纹中、高鼻深眼的面庞上、简单素朴的材料里，他这么多年来的创作与探索终于在逻辑线上连缀贯通起来，最终也是最初的那块拼图归位了。展览第一单元“溯源”。作为刚步入的展示空间，这里墙上挂着几幅蒋晟近年来造访古犍陀罗地区的博物馆和遗址时即兴记录下的佛像速写“复制件”。右边的汉白玉造像为犍陀罗式释迦牟尼佛坐像。所以展览伊始，我们看到的就是蒋晟去年在阿富汗白沙瓦博物馆里用速写记录下的一张佛像面容，他彼时的动容穿透纸背，直陈在我们面前。这幅趋近于东方人面孔的佛像让他脑海里钩沉的一些韩国老肖像照片突然显影出来，这种“模糊又精巧”的面容充盈着他未曾窥见过的放松与恬静，让他心生崇敬。这份虚静同样也呈现在为“溯源”拉开帷幕的那尊犍陀罗式释迦牟尼佛坐像上，这是蒋晟对犍陀罗艺术的致敬，也是对这次展览的“点题”。在夜色笼罩的展厅中，好似我们真的感受到了两千年前的寂静。巧合的是，古犍陀罗国其名又译作“香风国”，不知是否也如此刻的温度与气息？展览的第二单元“造像”占据着最主要的展览空间。蒋晟在这个空间的正中央设计出一个下沉式阶梯“蓄水池”，与古犍陀罗寺院里的中央水池相遥映。阶梯四周陈列着这次展览的部分器物，它们属于蒋晟还在孵化中的器物品牌“樂将至”。进入第二单元，也是主展厅——蒋晟团队首先把气力花在了空间改造上。打开之前封闭的空间形式，又增添了2根假柱以跟原有的两根实柱形成对称，同时依凭四根立柱围合出一块下沉式中央阶梯小“广场”，在形成整个空间的递进关系与节奏的同时，也“呼应着遥远的犍陀罗僧院里的蓄水池布局”。只是在这里，他将历史的甘泉抽象成了铺地浮雕砖上的水纹。蒋晟说这是他最喜欢的区域，和朋友来时可以脱鞋、拾级、坐下，然后安静地环视四周的作品，有一种被拥抱的安宁。灯光在这里也被细微调试了无数次，直到每一件作品都匹配上了最合适它的亮度与冷暖。“我最早是完成了作品位置的摆放，但感觉珠子已经有了，那根线还没有串起来，灯光就提供了这根线，让观众能在线索里去游走。”蒋晟自己最喜欢的区域，由跟古犍陀罗文化有相关的释迦牟尼佛降服印坐像、龙树菩萨半跏趺坐像、绿度母如意坐像和莲花生大士坐像围合而成。我们目光首先游走到了由释伽牟尼佛降服印坐像、莲花生大士坐像、绿度母如意坐姿像和龙树菩萨半跏趺坐像形成的一组回环“关系”中。“关系”也是蒋晟对自己作品在观感设定上最看重的一点。“这组佛造像的彼此位置与环境跟我在创作它们时几乎是保持原样的。”他在同一时间、同一地点，同时创作了这四尊佛像。所以此刻，我们所见所感，就好像它们又回到了原始的关系之中。他不自觉地在那尊绿度母坐像前停了下来，这是这位从小与母亲一起生活长大的创作者创作时间最长、最偏爱的一件作品。“我一直在试图理解绿度母的形象，她应该是什么样的？”相较于一般人会将柔软的姿态赋予母亲，蒋晟却为这尊绿度母选择了一个帝王般的坐姿。“绿度母是生发万物的象征，就像盖亚，所以在体态和面相上都有一种帝王感。”2020年蒋晟开始学习创作藏传佛像，后来又在拉萨办展，“但总觉得少了些什么。”总觉得那种既矛盾又统一的感受还没表达出来，“而在这尊既性感又庄严的绿度母像里，我的这份遗憾得到了补充。”在主展厅的另一侧，旃檀佛立像斜背后是本次展览的部分器物。目光逡巡到展厅另一面，佛造像静立两端，阶梯状的中央展台位置完全让给了他今年创作的十余件器皿。它们隶属于蒋晟正在孵化中的一个与本次展览同名的品牌。樂将至器皿的形态线条都抽象自早期的佛教器物：“舍利塔或钵”

阔别两年，《安邸AD》与陶身体再次相聚于他们在天目里美术馆举办首个身体展览：“动作世界——身体语言在现场”。在宛如归家的松弛场域里，舞者与观众在这场共创沉浸式的艺术剧场“同台共舞”；持续26天、每天6小时，他们全身心漫游于舞蹈构筑的时空世界。今日展览闭幕，陶身体也将辗转北京，于10月6至7日在国家大剧院戏剧场呈现由威尼斯双年展委托创作的最新作品——数位系列《16》《17》。不论在台上台下、工作室抑或家，以身为笔、空间作画的陶身体从理解限制到理解自由，始终在跳舞，而且一次又一次超越着舞蹈艺术的边界。两年前，《安邸AD》曾拜访过“陶身体”创始人陶冶、段妮夫妇工作室及舞者排练厅。跳舞时，他们多穿着黑白灰，排练厅也颜色沉稳。当我们再次见到陶身体的新老成员、以及创始人陶冶、段妮夫妇的时候，能够深深地感受到整个团队身上流动的力量。基于合理“叛逆”，困境后涅槃，陶身体从未停止跳舞，纯粹且炽烈。天目里美术馆6层展厅被转换为一条日常起居场景的时空隧道，仿佛宽阔家屋的空间内放置了不同家具与数块钟表。值得一提的是，这座陶身体的“第一个家”中，所有家具都是由中国原创品牌吱音ziinlife所支持。展览“动作世界——身体语言在现场”（2024年9月3日至10月1日）被塑造为一个巨大的、承载身体空间的空间，它始终处于进行时态，正如永恒处于动态的运动本身。之所以如此，缘于它仅对舞者行为逻辑与规则进行预先设定，而每一天走入作品的观众都是不断变化且不可预测的，使得作品的每一瞬间、其形式与内涵都在现场的偶发创造中不断经历着演化。2024年陶身体剧场2团成立，来自全国各地的300多位专业和素人舞者齐聚陶身体排练厅。经过多个阶段的考试和训练，最终招募21位舞者加入，本次展览也是陶身体2团的成团之路。踏入展厅的第一件事是脱鞋，你会顺应着身体的指引在宛如家的空间里逐渐松弛下来。接下来，你会开始搜寻陶身体2团的20多位舞者以及仅在特别策划的三日里一同加入展览的、来自陶身体1团的8位舞者，但这似乎并没有想象里那般简单：低浅的乐声里，仿佛出于某种本能，几乎每个人都在泰然自若地动着自己的身体——很难分清谁是舞者而谁是观众。陶身体2团的舞者带领观众一同互动，用身体去感知展览。展览刻意模糊了身份界限，打破传统舞蹈演出的第四堵墙，而将观众的参与作为作品成立的关键要素。当我们仍抱紧双臂观察与试探之时，1团的舞者刘黎嫄邀请《安邸AD》踏上一场“盲人摸象”的游戏。展览希望通过这种方式营造出一种摇摆于现实与非现实、熟悉与陌生、私人与公共之间的特殊情境，将到访观者引入至一场场即兴的共舞，从而在现场的体验中，唤起人们对于身体的全面感知、对于人与人之间关联方式的重新思考。首先闭上双眼，在她的带领下去触摸空间墙壁、家具，将手搭在未曾谋面的陌生人的肩膀上；继而与她双手相握，共同向后倾倒，在保持自身平衡的同时也承托起对方的身体，在互相对抗中彼此支持。渐渐地，身体与心都被打开；她说得并不多，却用身体“说话”，表达出让人信任的力量。通常人们进行交流的形式首先是话语或文字，然而在本次展览现场，观众不仅能感知到平日里不曾注意的那部分世界，也可以通过“触碰”来感受认识他人并真诚交流。观众逐渐放下防备、打开身体、唤起想象，走入这个梦境般的动作世界，深切地感受一切存在。空间内的家具均来自吱音Ziinlife。诚然，当我们在公共场合触碰到旁人，尤其是陌生人，大多是“不适”的体验；奇妙的是，这几乎不适用于此。这首先与展厅这一空间密切相关，陶冶分享道：“展览被布置成家的状态，在这样的环境中，跳舞会是一件非常自然而且松弛的事情。比如，入口处放置着一张床，暗示着每一天的开始和结束，让人用松弛的姿态去迎接这个世界，让内心与外部世界连接起来。”陶身体创始人之一段妮和舞者以及观众们在“动作世界——身体语言在现场”展览现场。陶身体的舞者无不拥有令人羡慕的松弛状态，那是一种柔却坚韧的力量。

Frazee为儿童绘本《全世界》画的插图，这本书是Garner一家最爱的读物。窗户的彩绘图案中，树上的三只猫头鹰代表Garner的孩子们，树下还画着他们的爱犬Birdie。儿童房铺有Lewis

在云南，每一地、每一季都有特别的物产与风味：从菌子到石斛，再到各类野花、野草、野梅......云南的采集者过着自然给予的丰饶生活，而他们也保持对自然的敬仰和谦逊：草药采大留小，菌子附带的菌丝要仔细埋进土壤，这便是最朴素的永续之道。生活在大理喜洲庆洞村的草医花大爹也是一位采集者，他行走苍山寻百草，洞察花草四季生命的节律，在适当的时间采摘，才能让草药发挥最大的能效，“去山上采药一定要采大留小，把大大小小的草药都采完，来年就没有啦！”草医花崇阳，人们亲切地称他“花大爹”。花大爹自幼生活在苍山脚下、大理喜洲的庆洞村。他从7岁开始就识认药草植物。苍山19座山峰，每一座他都去过，熟悉各类草药的方位以及他们的生长时节。在苍山小道上随手拾得一把仙鹤草，有清热解毒之效。云南以大理为界，南北两端的高原山地蕴藏着极其丰富的植物生命，与洱海相望的苍山就是其中的珍宝，单是“草药”这一类，记录在册的便有1500多种。苍山脚下，喜洲镇的庆洞村更是一块有灵之地。这里有一座始建于隋末的圣源寺，就在它隔壁，还有一座很有名气的白族本主庙“神都”。具有传奇色彩的白族老人花崇阳也是庆洞村的“宝藏”，他是一位81岁的草医，对苍山药用植物的种类与分布了然于胸，人们亲切地称他“花大爹”。花大爹居住的庆洞村背靠苍山。背景中的寺院建筑“神都”是大理非常有名且重要的白族本主庙，被当地人称为中央黄帝本主庙。每年农历四月二十三日至二十四日，大理的白族居民盛装打扮，载歌载舞举办“绕三灵”迎神赛会，其中“一灵”便是在神都。神都本主庙紧邻并归属于圣源寺，后者始建于隋末，至今已有1300多年历史。花大爹在家里的小院儿也栽种了药用植物，还有果树和花卉。花大爹院子里的忍冬，即金银花。忍冬初开时为白色，后慢慢转变为黄色，“应该叫它银金花才对”，花大爹说。“在苍山，一屁股坐下就有三味药，”花大爹用当地的俗语介绍，他不无骄傲地继续说，“《苍山药物志》里记载了1500多种药材，我认识1600多种。”花大爹自幼生活在苍山脚下、大理喜洲的庆洞村，从7岁开始就识认药草植物，跟随中医世家的父辈们上苍山、下洱海，寻遍家乡各地的宝藏植物。

Citterio设计了Ginger，那是孟菲斯风格广受追捧、意大利设计以激进闻名的时期。“我喜欢历史，我喜欢传统，我试着讲述30、40年代，当新材料到来时，你就有机会去创造。”

Brothers等人，卡地亚、梵克雅宝、爱马仕、万宝龙、IWC万国表、江诗丹顿、伯爵、沛纳海及隶属于香奈儿le19M旗下的手工刺绣工坊Lesage等均以作品、策展及工艺等形式参与在Homo

Studio，经过多年经营，他在业内已获得广泛认可，工作室也数度入围AD100。十年后的2016年，在从事室内设计活动的同时，Thomas决定通过推出自己的家具、灯具、地毯和饰品品牌Maison

梁宅一层，临着一条几何纹花砖铺地的短廊，是一方“口齿伶俐”的小园。相比户外过于堆砌而表达含混的景观，这个家中小园，因少胜多，以细秀的笔触，轻盈的体量，灵动的栽植手法，在方寸之地再现草木自然生发的葳蕤之态，流连其中，高枝和矮叶错落有致，闲花和野草肥瘦相间，原木色的地板和桌椅，配上清润应时的茶果，幽幽虫鸣传来，妙得野趣又不失雅意，有风过无痕的隐逸之味。会客厅与茶室相接，两个区域之间通往上层的楼梯采用玻璃扶手，隔而不断的设计避免了空间的局促感与沉闷感。灰色茶几来自Desalto，白色沙发来自Edra，黑色座椅来自Ffritz

逛市集，即云南方言里的“赶街（Gai）”，在今天依然是云南人时髦又接地气的生活方式。不好说云南人到底是什么时候爱上赶Gai，但在剑川沙溪，人们不仅可以找到、还能赶上“茶马古道上唯一幸存的市集”。历史中，滇藏线上马帮往来络绎，他们在沿途的城镇休憩、补给、交易、祈福……沙溪古镇便是这样一个贸易枢纽。遗产保护与修复学者黄印武着迷于沙溪的“立体性”，城市形态的保留让历史空间的图像在他眼前展开。纪录片导演赵茜则沉迷于传统市集的流动性：“市集好像有一种生命能量，从古至今一直在流动，这也是它的活力所在。走在里面，你会看到别人怎么过日子，真实温暖平凡的日子。”在马帮行走于茶马古道的时代，沙溪镇每三天便有一集。如今，沙溪镇的市集每周五举办。虽然市集已搬离寺登街原址，但赶集的热闹程度丝毫不减，商贩沿街道两边分布，市集绵延约一公里。“通过观察市集和顾客，你会发现当地的村民需要什么，也会看见游客和旅居者需要什么，这种对照是很有趣的。”遗产修复与保护学者黄印武说道。如果你在周四抵达沙溪古镇，或许会收到当地老乡的热情提醒：“周五是赶街的日子，你们明天一定要去看看。”追溯沙溪的历史，镇子的形成正是源于古市集的选址，沙溪中心的寺登街一度是滇藏茶马古道上的贸易枢纽，马帮往来在此祈福、交易、歇脚，“配套设施”完善起来，镇子就这样形成了。“我们第一次来考察时，沙溪是一个籍籍无名的小镇，寺登街处于空置状态。像这样的村子，过去在云南可太多了，都是未经开发的自然村落。”2003年，遗产保护与修复学者黄印武来到大理剑川县沙溪镇。彼时，他供职于瑞士联邦理工大学景观与空间规划研究所，作为瑞士方代表，驻地推进“沙溪复兴工程”。遗产修复与保护学者黄印武，前“沙溪复兴工程”瑞士方代表。此刻他站在自己曾经参与修复的兴教寺内。兴教寺建于明永乐十三年（1415年），是著名佛教密宗寺院，兴教寺为一进三院，大殿重檐歇山顶。檐下尚存壁画20余幅，为明代白族画家张宝绘制，是研究我省古代佛教艺术的重要资料。20多年前，当黄印武来到镇子中心的寺登街时，他的内心是兴奋的。这个始建于元末明初的广场以红砂石铺就，一度是滇藏茶马古道上的贸易枢纽，马帮每天在此穿行：茶叶从云贵川运往西藏，再向南亚出口；藏商则带来皮毛和草药。沙溪古镇最初吸引瑞士方机构的特质在于寺登街作为市集的源头，据考，这里是“茶马古道上唯一幸存的市集”。茶马古道沿路的市集不在少数，但沙溪市集的独特之处在于，其周遭的城市形态得到完整保留。站在兴教寺的山门后，望向古戏台。古戏台建于清嘉庆年间，为三重檐楼阁建筑。在白族聚居的区域，戏台很少独立出现，一般建于本主庙内，演戏供娱神之用。“白族的本主庙有一种很典型的布局制式，步入寺院的大门，抬头首先是挑高的戏台，从戏台下方穿过，眼前便是大殿。信徒供奉的本主直面戏台——唱戏是为了娱神，听戏的人们则是沾了神祇的

画廊主和收藏家刘焘在上海郊区买下了这座让他一见倾心的花园住宅，请来曾经让他一见如故，也是多次入围AD100的设计师——谢柯。从对光的感受与沉思出发，谢柯将这座原本压抑阴暗的宅子尽可能打开，将充沛的自然光和花园美景引入室内，整个空间变得通透舒适，刘焘从此爱上了他在上海近郊的新生活。刘焘（Matthew

随着儿子Vayu的到来，宝莱坞女星索南·卡普尔与丈夫决定从伦敦搬回孟买，因为这样可以“离家人更近”。为了实现梦想中的家，卡普尔邀请她的姨妈、印度版AD100设计师卡维塔·辛格携手打造新居。这不仅是一个被珍视的家，更是一场对印度装饰艺术的致敬。Sonam

香港中环可能是全球最卷的地方之一，快速的城市生活节奏让两位屋主决定在南丫岛购置一座村屋，成为他们周末逃遁水泥森林的去处，从中环乘坐轮渡30分钟即可抵达。住宅位于南丫岛中部芦须城，游客鲜至，安静闲适。主人找到设计师Ketty

的心声吗？他犹豫了几秒钟，没有作答。但至少，他不是一个会被教堂里的长影吓到哭泣的人吧？“但你要去理解肖邦为什么哭啊。如果你读过他的日记，看过他的手稿，你会知道这里面是有很细微的层次和缘由的。”

Collins戏里戏外的家金金金金金，艺术家和我们聊了聊被误解的金色金九新刊，我们请来了John

McDowell住在洛杉矶，他们的房子是一座建于二战后的现代主义建筑，被悬铃木环绕。室内布置体现出二人对北欧风格的钟情，她将这个家描述为“20世纪中期的加州风格与北欧风格的相遇”。Lily

三年前，为讨楼上清静，西安刘先生买下了自家住所顶上的三层楼，指为“客居”。因偶然入住多次入围AD100设计师陈飞波设计的酒店，因此结缘，请其操刀设计这所“客居”。“客”字在汉语里大有意趣，古人称“旅途”为“客途”，人在异乡即是客。这座清雅的客居不仅是邀请亲友做客的夜宿之所，也是主人夫妇周游世界几十年来“人在客途”的点滴记录和审美承载。房屋入口的楼梯间由白橡木包裹，木门背后还隐藏了一个洗手间。陈星宇的Fragment吊灯，有星垂平野之美。“一见面，我就知道我们是一类人。”屋子的设计师陈飞波回忆起和男主人第一次见面的场景，当时男主人恰巧入住多次入围AD100设计师陈飞波操刀设计的乌镇谭家栖巷酒店，甚是喜爱，便托人邀约找到设计师前来一叙，“记得他穿着Ziggy

Zhang创作的。两个小女孩都喜欢落座大人的座椅。在Vincent和Elaine看来，让孩子从小接触美好的事物，长大后自然能学会珍惜与呵护。这些为新家设计、定制的家具，也延伸出

绘造社创始合伙人、建筑师李涵与团队创作的《理想城市》，刊登于《安邸AD》2023年12月刊。绘造社作品《在路边》抛开城市规划与自上而下的决策，当下你我所在城市建筑的公共性现状实际上到底如何？对于普通人，我们的城市有多大的自由和包容度？作为当代青年建筑师又如何理解当下建筑的公共性？且在公共性领域中扮演什么样的角色？又如何以建筑师的身份参与到公共建筑设计中影响和推进中国当代建筑的公共性，哪怕只是一小步。为此《安邸AD》特邀曾获AD100YOUNG的青年建筑事务所的主持建筑师们一起聊了聊关于当下我们城市建筑的公共性现存问题。好久不见，2024是AD100YOUNG年，今儿我们来聊一聊当下中国城市建筑的公共性!大家把群名改成事务所+名字，知无不言、言无不尽哈!这话题太大了，咱们要不缩一下范围。我们也没做过真正意义上的公共建筑，我就说点儿我们自己做的相关的吧。我这比较复杂，做了一个表，让大家见笑了!常可:在没有公共性的地方怎么创造公共性，或者说在已经有了公共性的地方，你怎么转化？像一些真正城市级别的公共建筑，肯定是以政府为主导来做，可能会有一些比较公开的招标，但是到最后做的时候，它的决策者是众多的，建筑师在什么样的一个位置，如何做，其实是蛮需要智慧的。唐大舟:公共性要做，但不让或没机会做，我觉得就没必要硬做。决策者跟它的使用者，跟真正的社会群众是三个不同的群体。让决策者去理解公共性，必要性不大，我们经常的做法就是夹带私货。比如哪怕为等待小孩的爸妈，或者即便不是接小孩的人顺便设计一个可以坐的凉亭。再或者把一个体育场放在未来可能会有打开可能性的路边上等。陈昊:这两年做得有点沮丧。上海一方面相对其他城市看来好像公共性显得好一点；但另一方面城市管理非常精细化，它带来另一重问题就是有非常多的限制。做竞赛已经丧失了意义，因为如果你稍微做得“过”一点，很可能就不符合城市趣味和风格的需求。另一种如果商业比较成熟，它给你的路线也会更窄，不见得一定是不好的，但是在做命题作文。假如夹带你自己的私货，也还是在框架里面做，相对有一种局限。我觉得做建筑其实有两种方向，一种是带有作者角度的设计,有明显的个人意识，另一种侧重社会性，可以很朴素妥帖，服务于公民。其实，建筑师的角色并非是每个人都有能力去承担社会责任。我在这方面对自己的定义是模糊的。胡琛琛之前总说他想做那种村里的卫生站，后来我问他说，你可能想做村里的项目，只是因为它的审图比较宽松可以尝试奇怪的东西，你是真心想做社会贡献吗？他想了想好像也有点道理。所以想问常可，比如政府要开发一个桥下空间，或是改善一个口袋公园，对于当地来说只要功能在就可以了。你对材料性或者建构性的思考只是一个plus，有可能是下一层次的事情。你怎么看待建筑作为基本社会功能和作为自治表达的关系？常可:我觉得建筑师第一个层次的功能性是都要覆盖的，第二层次并没有。作为城市管理者来讲，他们关心的肯定是作为城市管理者的角度。他们不是建筑师，所以需要建筑师来做建筑，你可以夹带私货在建筑构建上。建筑师肯定是满足了甲方或者满足了这个城市的要求后，他才会做出来一部分自己的作品，就是所有的东西都会融到这里面，它才是一个公共性的东西。你一定是在这种制约下，如果不在这种制约下，你的建筑也可能不是公共性的。黄文心:北京也好，上海也罢，当然有一个颗粒度的差别。主要看创作者出发点在哪里，就是所有的项目其实大家都是夹带私货去做的。夹带私货这一点对于建筑师来说都是必然存在的。公共性更多的是回到使用者，或者说它本身的从设计的意图上，它是不是能最后达到和使用者的关联，我还是更关注能触达到普通人的，或者说是能在我律所范围内能做到这些真实的去让大家使用的，我觉得这是从公共性上的第一步。陈昊:如果基于公共性的话题，你们最想做什么样的房子？唐大舟:我手头有一本The

舒宁、齐梦90后也太会布置家了，跑车梦、老古董，飞狮与太阳都被糅进这里环游世界140国，设计师Eva为自己打造的前卫“一人居”巴黎美人Jeanne

DIOR）关于艺术的浓烈热爱。他在成为时装设计师之前曾是一位画廊经营者，与多位二十世纪艺术大师私交甚笃，亦是他们身后坚定不移的支持者。艺术收藏与赞助是贯穿他一生的热情。长期以来，迪奥通过“LADY

策划｜本刊编辑部新媒体编辑｜Luner编辑协助

Kern共同修缮与改造这座百年老宅。度假屋拥有开阔的户外庭院，被高大的棕榈树、丝柏树和葱郁绿植包围的泳池随风摇曳，在草地上滤筛出迷人的光影，房子最初由伊维萨岛本地人Francisco

HK，你们最想向《安邸AD》读者推荐探索的香港本地内容是什么？香港山多平地少，陆地面积约60%都是山坡，亦有不少海滩及外岛，不妨预留一天到郊外走走、爬山、出海。到郊外游玩谨记带走自己的垃圾。展

Pawson对材质语言的深刻理解，该系列的木质款式均采用北美黑胡桃木实木制作，颜色涵盖黑胡桃木色和棕胡桃木色，以一种朴拙且诚实的方式将材质的表现力附着于作品之中。书架的立面尺寸采用正方形制，

设计师袁杰接到了朱子轩的邀请，为他和妻子seki的新家做设计。这个400平方米的家位于杭州富春江畔，坐落在黄公望《富春山居图》富春山的起始，是这一双伉俪玩耍的地方。千般风雅事，自在逍遥者，在这里，结伴书径，与古为友，在艺术的天地澄怀卧游。作为一个诗意的寻觅者，屋主相中这处住宅，既有风水之运筹，更爱“山气日夕佳，飞鸟相与还”的悠然世外之境。绕过玄关，便进入位于地下二层的会客茶室。贯通双层的书柜兼顾了承重以及收纳的需求，10000册藏书于此地得到了最为妥帖的安置。欣赏子轩的家，可以从一连串美妙的称谓切入。这是一个以文房为中心展开的生活空间，全方位透光的环境，映照出“物”的连绵风景：有梅妻鹤子书案、香云纱茶席、东山报捷老黄杨木雕笔筒、百宝嵌老木柜、花鸟彩绘牛皮鼓凳；有乍得双鱼银币，斗笠、铃铛、压手、玲珑、三秋等器型的茶杯，石瓢、思亭、文旦、西施等名号的紫砂壶。当然，还有各式各样有年代标签的音响和摄影器材。下沉的挑高空间，在局部划分成了两层。地下二层喜动，音乐、会客、品茗交融于此；地下一层的夹层则喜静，是主人的书房。这是一个以文房为中心展开的生活空间。这些物的名称，像语言的精灵，承袭了源自《诗经》的“标举名物”的美学传统。对物的命名和描述，表面上是铺叙事实，实则内寓深情，传达了言说者的心意、感受和思维印记。当子轩和妻子seki将这些隽永的称谓一一列出，细加标注，婉约诗情随之涌动，像昆曲的浅唱低吟：“粉墙花影自重重，帘卷残荷水殿风，抱琴弹向月明中……”一方含情脉脉的心理空间随之成立。左上方为老黄杨木雕高士图香筒，其下方为梅妻鹤子书案几；左下角为小叶紫檀食盒，中间为乍得双鱼银币。左侧的两只茶罐分别为海象纹茶罐和夔牛纹茶罐，其右侧为嵌金银浮雕铜瓶，来自日本，浮雕铜瓶右侧为小叶紫檀如意。这些经年累月收集而来的物，既是诚心寻得的缘分，也是精心物色的陪伴。物色一词，在《文心雕龙》有寻找之意，也指物的成色。找到符合自己心中标准的物件，用独具一格的眼光和传续文脉的态度，焕发“物的精神”和“人的光彩”。这是子轩的“物色”。这是位于地下二层的玄关背后。最前方为老梅鹿竹炭炉子，后侧墙壁上的挂画是铜雕释迦摩尼挂画，其下方为上世纪50年代左右的百宝嵌老木柜。书柜下方是丹麦70年代的Dynaudio老音响、日本的Air

对丁乙来说，今年夏天注定不是一个空闲的夏天：他刚刚揭幕了自己位于上海杨浦滨江南段的《光塔》雕塑，又前往法国普罗旺斯参加自己的回顾展《预示与回望》开幕，与此同时，他正在准备2025年7月将在云南昆明举办的个展……这位中国当代艺术圈公认的劳模几乎每年都有美术馆级别的大展开幕。“我以展览的方式促进我的工作状态”，这便是艺术家丁乙对自己工作的描述。这一切都离不开他标志性的“十示”，而他始终在与“十示”共舞之中寻找新的突破。丁乙，1962

Urquiola设计的Guadalupe灯的暖光，与室内环境的色彩和谐相融，而走廊的抛光黄铜壁灯、厨房的复古吊灯或主卧浴室里的灯具，则如同图形符号，释放安静的光。厨房主体由Atelier

陈督兮，艺术家，1983年出生于成都，2006毕业于川音成都美院，现生活工作在北京。他的当代水墨作品，既融入了古意，又从形式上极具当代的技法和视觉观感，表达出抽象与具象之间的关系和思考。茶室光线敞亮，一张日式榻榻米，除了茶具、绿植之外，柜子和台面上还散落着各种螃蟹、虾，生物的标本，都会生发出绘画灵感。坐下来后，视线不自觉地由茶室看出去，各种想象不到的物件，在这里巧妙交汇。小时候用过的复古台灯、爷爷家的茶叶罐、姥爷写的大字，每一件似乎都在角落里窃窃私语，讲着悄悄话······。从荒木经惟的先锋作品到北魏造像，从黑胶唱片机到中古家具，墙面上还挂着一些他和艺术家好友们交换的小作品，一些从古董商店淘来的玩意儿，甚至门口还摆着一件古建筑屋顶的鸱吻残件，一切都看似随意，实则冲突，而他的绘画工具，反倒只在这个专属于他的天地里，占据了一个安静的小角落。客厅既是会客空间，也是创作空间。阳台上放着一张他从古着店淘来的1950年代的丹麦沙发，搭配自己亲手插的花，很是别致。沙发一侧是从日本器物空间Lt.gallery购置的东南亚小几。茶几上摆放着他收集的小河豚标本，出自陈巧生的鬲式炉，景德镇吴靖文工作室的花器，老式的煤油灯各有各的精巧。日常中，陈督兮也会买一些时令的花材，自己插一下。一年四季工作室常有花草的自然生气。闲下来时，他也经常淘来不同味道和做法的工艺香，点一支，打开音乐，才算真正来到了他自己的世界。出自中国西藏的ATELIER

睡在如游猎非洲般的卧室里，躺在布满缤纷酒店小物件的客厅，游走在融合梦幻威尼斯元素的玄关……看到这样的画面，恐怕很多人都会忍不住惊叹，然后在心里盘算着，这里到底住着怎样一位主人，他有着怎样的生活经历，见过什么样的世界，才会用如此天马行空、随心而为的想象去布置一个这般奇幻而丰盈的混搭小世界，在200平米的空间里，满溢着故事与记忆，而当你见到Arie本人，一切悬念和猜想都有了答案，且合情合理。热爱分享旅行与美好生活的他，一如这个房子带给人的感受。Arie在兰博基尼市场部工作了10年，斜杠身份是旅行与酒店博主，时常跨界在社交媒体上分享旅行视频，分享他所热爱的美好生活。玄关的设计解构了屋主Arie在威尼斯印象最深刻的一幅画面，这座城市对他有着特殊的含义，飞狮，太阳，星辰，各种圣马可广场上的浪漫元素被融汇于此。玄关分别连通客厅和餐厅区域，每个空间都好像在独立讲述屋主不同阶段的人生经历，却又都可以在这个家里肆意融洽地生长。这套房子在江城武汉，也是Arie从小生活、成长的故乡，和很多年轻人一样，他离开家乡之后，虽漂泊，但也获得了一种自由，一种掌舵自己人生的全新开始。毕业后，他曾在兰博基尼实习，后来收到了兰博基尼的正式offer，为此，他放弃了去伦敦念书的机会。他回忆：“当时我觉得，去伦敦念书的机会，以后还会再有，但兰博基尼的offer，错过可能就错过了；车又是我最喜欢的领域之一，能近距离去了解、接触、参与到这个行业，我没有办法拒绝。”Brick餐桌和Brass吊灯来自意大利品牌Gevasoni；鹿角形状的皮毛椅来自英国品牌Timothy

舒宁、齐梦部分图片来自和美术馆独家专访｜戴卫・奇普菲尔德：建筑的合作、对话与慷慨【安邸AD

摄影师、造型师与花艺师收到艺术家好友的邀请，于是在一天早晨，他们来到艺术家的工作室。但艺术家在当天选择“缺席”，他只留下生活的场景，并发来了一条信息——“来找我”。于是，造型师和花艺师展开场景对话，开启一天的探索，摄影师则记录了这一天中的五个片段。在现实中，艺术家亚历山大・本杰明・纳维特

Cafe等；吴晟&阿庆，两位资深广告人，与好友w一起，三个好兄弟十几年来连续共同创业，在上海繁华的“巨富长”街区留下来过的脚印。KOMOS公寓小酒馆，是由三位好友共同打造的一个“副业”——

澳门新中央酒店大楼始建于1928年，见证着澳门近代史上的多个风雨转折点，它曾是澳门的地标建筑，最高的摩天大楼，也是澳门第一家安装了电梯的酒店。如今的酒店主人萧颂铭用了十几年的时间与心力，终将这栋老楼“拿下”，让它重新肩负起照亮旧城区的历史重任。他邀请香港郑中设计事务所（Cheng

Moussac将他们共有的第一个家变成了城市中的花园。尽管Jeanne和Edouard来自不同的背景，也拥有不同的品位与风格。但搬进新家之后，两个曾经独立的世界逐渐融合为一。Jeanne

潘景洋视频后期｜YAO视频视觉设计｜郑舒宁AD实用手册｜6步打造家为绿植天堂AD

Earth》，里面介绍了种类丰富的澳洲本土食材以及他们如何成为令人惊艳的“餐盘上的艺术”，其中更提到一些几乎被人类遗忘的品种，这本书籍一直放置在码头餐厅（Quay

Scarpa在我的成长道路上对我有很重要的影响，我发现他的博物馆布局能激发思考和灵感。”从玄关的位置看到的卧室。卧室里，定制的衣柜帘布由Vito

宽敞的阳台里布置了餐桌，Eva喜欢坐在这里享受一杯咖啡、一壶茶，或一杯酒。天气适宜时，她也会在阳台上宴客，室内外的餐桌都是风景。盛放玫瑰的水晶花瓶来自Lalique。可眺望江景的阳台上放着Snow

Table｜成年男人的米其林“下班局”，餐桌下暗潮涌动上海思南旧里小酒馆，酸辣又美的“饭张力”（内含福利）i人如何度过小长假？去这家害羞餐厅尽情害羞点击上图直达订阅小程序

疯狂而大胆的创意，时间非常紧迫，只有不到一年准备展览；博物馆没有经费预算；大型公共艺术项目所需要取得官方审批的过程，也因巴黎奥运会而变得异常复杂！但蒋琼耳不是一个犹豫不决的人。为庆祝中法建交60周年，法国吉美国立亚洲艺术博物馆邀请中国艺术家、设计师蒋琼耳共同呈现了一场充满纪念意义的艺术大展。身临其境，让人好奇这一切是如何发生的？艺术家和设计师蒋琼耳深受当代美学和中国传统文化的熏陶。她出身艺术世家，自幼在浓厚的艺术氛围中成长。她的祖父是艺术家，并且是中国最早赴海外求学的艺术家之一；她的父亲是建筑师，曾设计上海博物馆。“我的艺术之路其实是一种延续。我从两岁开始画画，我家里每个人都是艺术家，我祖父比我早一百年出国学画画！艺术在我的生命中无比重要。”吉美博物馆坐落在巴黎中心区，是亚洲以外收录最多亚洲艺术品的藏馆之一。如今，它的外立面被披上了中国红。“去年，我有机会与吉美博物馆的馆长Yannick

生活在延庆路这条500米不到的上海老城区单行路上，城市生活方式标配的早C晚A，可以丰富到各种特别版本，除了各种风格的咖啡店以外，上海在地风格的首字母C场所——菜市场、裁缝铺、叉烧铺......更是让生活有趣和便利了许多。行走于其间，高密度的历史保护建筑、林立的树木和众多真正生活于此几代人的原住民们、还有此起彼伏的各种潮流店铺，自然地融合，毫无违和且生活气息十足。曾入围AD100

奥林匹克体育场、公园和纪念碑，不仅是运动员竞技的舞台。透过精彩纷呈的设计，由世界级建筑师主持建造的奥运场馆是主办国身份的象征，也是其全球地位的体现。鉴于奥运会往往关乎国家自豪感，不少世界上最好的建筑作品应运而生，专为奥运会建造。借此机会，我们回顾了过去百年间的20届奥运会，从1932年洛杉矶夏季奥运会到今夏巴黎奥运会，探索奥林匹克建筑的魅力与意义。添加屋顶后，有顶篷的座位从35%提升至95%，抵挡盛夏酷热。图源：Bloomberg/Getty

碑四周及卢森堡花园的栅栏，令其重现耀眼的金光。“巴黎大皇宫中殿的结构如同教堂，是欧洲同类空间中最大的。一切都比你想象的更宏大，有些作为装饰的青铜花朵有1米宽，从远处就能看到。”巴黎，Ateliers

穿过红、蓝、紫独立且互融的三色空间，当天然宝石与各色金属璀璨交织地印入眼帘，蝴蝶、蝉虫与母神舞动世间森罗万象，指环、项链与羽冠围成的环形空间吞吐宇宙，观众透过宝石明亮的眼睛，自愿掉入时间的缝隙，在“千年万念：陈世英半世纪珠宝艺术”这场展览盛宴中窥见艺术家陈世英（Wallace

设计师曹伟认为，乡村绝不应是好建筑的荒凉之地，而应该是激发设计师探求空间多变性的试验田。而在合肥的崔岗村，曹伟成为了“新村民”中的一员，他试图用自己耗时数年建成的“乡村会客厅”去模糊城乡的界限。用设计师自己的话说，三年前，曹伟在距离合肥不到40公里的崔岗艺术村建造了一栋看似透明的方盒子建筑，隐蔽的支撑使它如同悬浮在半空中，建筑外围有一圈用水洗石造的矮墙，墙下拉拉杂杂长着草，当我们抵达时，村民大叔正拉着小货车在门口吆喝......点击上方传送门

随着时代发展与城市更新，总有一些建筑失去了原本的功能，渐渐淡出历史舞台，其所在的街区也慢慢走向没落。但建筑本身承载了人们过去生活的记忆，曾经辉煌的历史也无法一抹即去。因此，老建筑改造成为当代城市不可回避的议题。在澳大利亚海滨城市悉尼，建筑师们抱着一颗尊重前辈建筑作品的真诚之心，接受改造的挑战：在繁华商业街区里的巴洛克风格前政府大楼被

空间、时间与人间，此三间，即为“三间斋”的缘由。“三间斋”是TEMP建筑设计事务为上海一处庭院设计的茶亭的名字。2023年年底，曾获AD100的TEMP建筑设计事务所创始人、主持建筑师金智虎受邀为上海一个私人庭院设计茶亭。这是TEMP目前完成的体量最小的项目，建筑面积仅15平方米。但是设计团队付出的心力却没有打丝毫折扣，反而将方案深化至配套的产品设计。对于细微之处的严格控制使一座小建筑呈现出超越自身功能的精神性，为日常生活带来一缕超然物外的远方。轴线、对称等古典构图原则为三间斋带来超越时间的纪念性和仪式感。走入庭院，一块硕大的人造山石偏居西南，在走向它的过程中，隐约可见深色的尖顶从山石背后升起，绕行至后方，三间斋的全貌才终于展现在眼前。墨色的体量，抽象的形式，笔挺的线条，建筑宛若一方坚实的空间雕塑，神秘而庄严。庭院内原本有一座仿古的景观凉亭，庭院主人希望将其拆除，另建茶室。接到委托后，金智虎带领TEMP建筑师崔宇亨、丁耀东等迅速给出很多版不同方案，其建筑形式与材料之间差别极大，却各有千秋。如今看到的三间斋是建筑师金智虎与TEMP团队和业主的一致选择。在后续深化过程中，通过尺度的调整，控制建筑与前方山石的关系，在藏与露之间达到微妙平衡。金智虎，AD100获奖事务所TEMP建筑设计事务所创始人、主持建筑师。从建筑师金智虎手绘的草图中可见茶亭如音乐般的透视规律和节奏。每一个切面都是一幅不同的景观画。三间斋中的“三”字来自建筑的平面形式。略显纤长的等腰三角形自然具有方向性。建筑面向庭院南侧的河流展开，以获得最大视阈；平面中轴线基本与山石平行；背后是几棵大树，区直各异；前方是相对低矮的植物和石头，层叠错落，自成一景。在茶室，既可与好友相聚，也可独坐沉思，其功能介于满足日常使用与精神需求之间。三间斋的体量来自两种基本几何形式按照“变”这一构成方式的相互作用。三十榀矩形木框架沿着三角形平面逐渐收窄、增高。在剖面上显示出向前、向上的动态变化。由于建筑自身颜色幽深，从室内向外看时，周边环境仿佛被打亮一般更加突出。三间斋从南向北看，向前收窄的三角形平面强化了透视关系，逐渐变高的空间却在抵抗“近大远小”的透视规律，两列木柱不断延伸，又因为高度增加的原因被拉回眼前，纵深感消失，形成视觉上的矛盾。建筑的基本结构单元遵循比例原则。上方一条木梁、下方一条木板、两侧各一根木柱，组成一榀框架。木柱截面宽度为木条宽度的一半，地面和屋顶的木条密拼，木柱自然形成两列间隔均匀的立面。空间的韵律由此而生，时值相同，节奏稳定。三间斋的设计方法创造出一种解构透视规律的空间效果。由于柱列在平面上沿着两条相交的线段布置，当视点落在建筑中轴线上时，透光的格栅看起来成为密实的墙体。建筑浑然一体，坚实稳固。在美学理论中，单一元素的不断重复是塑造崇高的一种方式。而在金智虎看来，重复似乎是生活基本模式，人们学习、运动、吃饭、睡觉，日复一日。“其实建筑也是这样。建筑很大，不可能由一块材料完成，肯定会涉及到材料的重复使用，重复是塑造空间韵律和视觉效果的一种方法。”金智虎说道。入口高度在视觉上被进一步压缩，显得比实际更加低矮，恰到好处地框住室外庭院的景观。细微的变化在不断重复当中积累，最终引发质变。在三间斋中，容纳人体尺度的空间最终成为一道只有视线可以穿过的窄门。空间方向从水平转化为竖直，从实用性过渡到精神性，从景观长卷变为一缕光。设计团队曾经和业主讨论过茶室尽端应该如何处理，最初考虑安置一件艺术品。然而在尝试过多种方案以后，这里没有做任何多余设计，空间的起点是空，尽头亦是空。“留白反而更有力量。”金智虎说。由于柱列在平面上沿着两条相交的线段布置，当视点落在建筑中轴线上时，透光的格栅看起来成为密实的墙体。建筑与时间最常见的关系是使静止的建筑成为环境变化的参照和背景。日升月落带来柱列光影的规律变幻，时间的痕迹就此显现，天气晴好时，植物的影子落在建筑上，同样随着时间轻拂表面。周边植物的枯荣带来四时更替的信息。而在三间斋，建筑形态自身就是时间的体现--矩形木框不断移动变化的痕迹被逐帧定格，沿着时间行进的过程叠加在一瞬。墨色的体量，抽象的形式，笔挺的线条，建筑宛若一方坚实的空间雕塑，神秘而庄严。时间的第三种体现则是人的行为。人与空间的联系通过时间得以建立。日常使用自不必说，在访客走近，环绕建筑的过程中，静止的柱列随着视点的移动在视觉上呈现出疏与密的过渡，其自身形态在不同时间切片当中发生微妙改变。三间斋中的“三”字来自建筑的平面形式。略显纤长的等腰三角形自然具有方向性。细节决定三间斋的层次和不同的微妙关系。由于项目体量较小，建筑构件的尺寸需要控制到毫米。金智虎没有与传统的施工方合作，而是找到了上海一家独立木工工作室--远屋。虽然远屋之前没有制作结构构件的经验，然而团队对于木头这一材质的理解以及细腻的工艺和工匠般的极致追求让建筑师选择相信他们。建筑的木结构采用工厂预制，现场拼装的施工方式。2024年春节前，约五十根木头从新西兰运抵上海。春节过后，原木被加工成为超过120根木质杆件，并采用日本传统的“焼杉板”工艺对木材表面进行炭化处理，最后刷上木蜡油作为保护层，具有防火防潮、防腐防虫的优越性能。杆件之间通过榫卯相互连接，一切看似按部就班的衔接中，一座精妙的茶亭初见容颜。安了灯的茶亭，灯光点亮，融在自然中，像庭院的一颗星，引人入胜。现场施工用时一周。浇筑混凝土基础，上方安装钢结构框架，木板下方预先开槽，扣在钢结构上，两两之间有一片3mm厚的金属插片，为木材的热胀冷缩留出间隙。最困难的电线的排布，为了保持界面的干净完整，所有的电线需要穿过杆件内部，而不是表面开槽，顶部射灯的电线需要从一根完整的木柱底部穿入，顶部穿出，再在插入上方的木梁当中，对于制造精度有着较高的要求。木柱之间安装地埋灯。天色渐暗，灯光点亮。立面虚实相间，冷暖并峙。三十榀矩形木框架沿着三角形平面逐渐收窄、增高。茶台采用现代的大漆工艺，步骤比传统做法更加精简，仅需一个月即可完成。大漆与炭化木的色调一致，表面肌理更加细腻，既保持建筑的整体性，又形成室外与室内材料之间的区隔。茶室内火炉的设计同样出自TEMP之手。如果说是建筑设计需要考虑的是人体尺度，工业设计则要考虑人手操作的细微感受。如今在TEMP的北京工作室里还有两组火炉样品，最上面是炉子，其三角形图案与建筑平面相似，中间插有炭盘，最下方则是放置电磁炉的空腔。茶水有电热和烧炭两种加热方式。两版样品中，炭盘与侧壁的间隙存在0.5毫米的微差，决定了推拉操作是否顺畅。篦子可以严丝合缝盖在火炉上，也可以转90度，升起约5公分的高度，控制加热温度。设计团队满意的成品已经在上海被使用数月。前方是相对低矮的植物和石头，层叠错落，自成一景。建筑、家具、产品，正是由于设计和建造时的纤毫必较，三间斋不仅满足作为茶室的功能需求，其中蕴含的仪式感和精神性被精准地传递出来。建筑以不容忽视的姿态出现在人与自然之间。沉郁的空间氛围既放大了周边环境的信息，又形成强烈的包裹感，身处其中，自我意识变得更加清晰。“我们对于精神空间的需求并非一定要去特定的场所才能被满足，它也可以与日常生活相结合。茶室的使用非常随意，你甚至可以在火炉上烤橘子，但是它可以变成冥想和沉思的空间。”金智虎说。今年五月，三间斋竣工，休憩、喝茶、与友聊天，主人专门在茶亭后方增加了一处水池，流水的声音为空间体验增加了听觉的身体触感可能性。最后到来的三间斋反过来改变已经存在的环境，这是建筑具有的魅力。作为物质，却超然物外。摄影&摄像

Alegre，酒具来自奥地利品牌Riedel醴铎。两人一路走来，半片江山。找餐具也是美食之旅的重要一环，和菜品一样需要持续给食客带来新鲜感。“一出新盘子，我就迫不及待要去买。”除去餐前摆桌的show

！我们有自己喜欢的东西。这个家有点像一个珍奇屋，有来自我们的家族、旅行和旧货市集的各种物件。但我们不是收藏家，只是家里有很多我们喜欢的东西。”主卧的墙面贴着Pierre