上海民生现代美术馆携手法国鲁昂美术馆推出“不可见的美”绘画展，通过19位艺术家的44组件作品梳理了从1940年代在欧洲流行开来的抒情抽象主义到1990年代的几何抽象主义的发展脉络，思考个体创作与时代背景的关联。我们邀请到中央美术学院的邵亦杨教授，就二战后欧洲出现的抽象表现主义，为我们分享艺术家们的自我探索之路。以下是讲座内容回顾，以飨各位。
提到二战后的美术史我们一般会想到美国的抽象表现主义，1945年以后，当时的艺术中心从巴黎转移到了纽约，因为纽约出现了这种非常重要的艺术风格，这也是二战以后最有影响力的一种艺术运动。但是，同一时期欧洲出现了什么样的艺术风格呢？这样的艺术又产生了怎样的影响呢？
二战后的欧洲满目苍夷，左翼的思想家、哲学家阿多诺（Adorno）评价道，“奥斯维辛之后再不会有诗歌了。”也就是在整个欧洲无辜死去那么多人，战争带来那么多的创伤之后，人们如何再去歌唱那些唯美的东西呢？欧洲那些伟大的传统、崇高的道德、理想和哲学，是不是具有欺骗性的、某种虚幻呢？所以欧洲的前卫艺术家，重新思考的是人类存在意义。跟美国一样，他们也创造抽象艺术。但他们有另外一个名词：Informal，无形式。和美国批评家克莱门特·格林伯格提出的抽象表现主义产生一种对比。
这种欧洲的无形式主义，或者说反形式主义，受到存在主义的影响，放弃了几何抽象，而是用一种直觉型的表现形式。当时的欧洲从战前开始流行几何抽象，代表艺术家是蒙德里安，他用横平竖直的线条象征现代主义的乌托邦理想和社会规则，表现平等和自由。但是二战以后，大家觉得工业革命所带来的秩序感是不可靠的，物质主义似乎是不可信的，所以更强调直觉的表现。
Head of a hostage, Jean Fautrier, 28 x 22cm
Head of a hostage, Jean Fautrier, 28 x 22cm
其中代表性的艺术家有让·弗特里埃（Jean Fautrier），他原本是法国抵抗组织的成员，在纳粹时期曾被抓到集中营里，每天都听到犯人被折磨的声音，他就把这种感觉画了出来，直到战后的很多年里都在画各种人质头像。这种作品在当时是非常挑衅的，因为二战刚刚结束，人们都想看一些美好的东西，尽快恢复战争带来的创伤，回到欧洲伟大的传统上去。可是像弗特里埃这样的艺术家不这样想，他们觉得人类只有记住这些苦难才有可能得到真正的美。
Painting, Pierre Soulages, 195 x 130 cm, May 1953Painting, Pierre Soulages, November 20, 1956还有一位仍在世的艺术家皮埃尔·苏拉热（Pierre Soulages），你如果去法国可以经常看到他的展览。他的典型作品，像在画一个个笼子、建筑、木框，你会觉得像中国的书法，也像英国原始的巨石文化。他的艺术好像是远古的回声，在那些非欧洲的文化传统中寻找。但是画面比较阴暗，会有一种忧郁的感觉。这也是当时欧洲绘画和美国绘画的一种很强烈的对比。Wood and White 1, Alberto Burri, 1956,87.7 x 159 cmWood veneer, combustion, acrylic, and Vinavil on canvasLarge Iron M 4, Alberto Burri, 1915–1995, 199.8 x 189.9 cmWelded iron sheet metal and tackson wood framework
另一位无形式的代表是意大利艺术家阿尔贝托·布里（Alberto Burri）。他的作品《Wood and White 1》风格很强烈，画面像是整个烧焦的墙面、废墟，有千疮百孔的弹孔。另一件作品《Large Iron M 4》是用拼贴的做法，将木头和铁贴在画上，上面还加了大头钉，你会觉得画面上是受折磨的躯干。他在作品中直接表现战争灾难中那些可怕的东西，丝毫不掩饰。
Oil, charcoal and pastel on canvas, Hans Hartung, 1937, 970 x 1300 mm
T-50 Painting 8 ( T-50 Peinture 8), Hans Hartung,Oil on canvas, 1950, 96.8 x 146 cm
汉斯·哈同（Hans Hartung）的作品风格就和布里形成非常大的对比，他在无形式这一流派中更有诗意一些，所以也属于抒情抽象。他的一些作品颜色比较唯美，有舒适感，会让你想起毕加索所代表的立体主义的绘画用色。但是他的作品也会有很多凌乱的线条，在欧洲绘画的视觉感受方面，45度到60度角的线条是最美的，就像达芬奇的画里的阴影一样，而汉斯·哈同会故意把它打破，他是反美的、反黄金比例的，把那些不舒服的东西表现出来。
Large Black Landscape, JeanDubuffet, 1946Inhabited Landscape, Jean Dubuffet,1946在无形式、反形式主义运动中，艺术家让·杜布菲（Jean Dubuffet）是原生艺术的代表。他更喜欢那种天真的艺术，认为那些儿童、精神病人的作品才是最真诚的画，而受过训练的作品都有虚假的成分，不能完全表现自己真实的感觉。A major exhibition in 1949at the Stedelijk Museum in Amsterdam under the title InternationalExperimental Art.反形式主义中的眼镜蛇运动，是1948年左右由来自哥本哈根、布鲁塞尔、以及阿姆斯特丹的艺术家组成，这三个城市的大写加起来是 CoBrA，就是眼镜蛇的意思。这个群体的作品也经常出现动物图像，并且眼镜蛇是经常会主动攻击的动物，这些艺术家也非常主动地去做一些社会和政治的思考，发起一些具有挑衅性质的创作。
After Us, Liberty (1949), ConstantAnton Nieuwenhuys (Constant), Oil on canvas, Tate Collection, London
Harlequin's Carnival, Joan Miró, 1924-25
艺术家 Constant（康斯坦）是眼镜蛇画派的重要人物。他的作品《After Us, Liberty》让人想起超现实主义艺术家胡安·米罗的作品。米罗受弗洛伊德思想的影响，他画人的潜意识，就像心理学家拉康说的，潜意识也是一种语言，潜意识也是一种形式。而康斯坦也是如此，如果说米罗画的是白天，康斯坦画的则是黑夜，他的画面更阴暗，是潜意识里的暗流。Vega-Nor (1969), Acrylic, 200 x 200cm
这次法国来的无形式主义中还有一类欧普艺术，它表现的是一种视觉的幻觉。五六十年代的欧洲，是个体解放的时期，也是法国反殖民运动的时期。当时西方的冷战时期的意识形态还在强调征服，对抗，经济利益至上。而左翼青年都在反叛这种意识形态制造的幻觉，他们用自己身体的感觉来抵抗这种意识形态。欧普艺术的意义在于强调肉眼所见，反对宗教、资本和意识形态所灌输的幻觉。
Marina Apollonio, Dynamic Spiral, 1966, infinite所以欧普艺术，还有刚才我们提到的各种反形式的艺术，都是在表现人心里面的真实，只有把内心的真实伤害说出来，才能真正得到疗伤，社会才能得到治愈。反形式主义在20世纪50年代以后，虽然不是最有影响力的，因为没有美国艺术宣传那么广泛，但它一直持续到现在，对后现代的艺术和当代艺术都有非常重要的意义。
老师您好，欧洲的抽象艺术在当今世界上没有美国的抽象艺术影响范围大，我认为是因为欧洲的抽象艺术更多是在做艺术形式的探索研究，但美国可能更多的是一种观念艺术。刚才您说欧洲的很多抽象艺术是在表现美，这一点我可能不是特别赞同，我可能觉得欧洲的抽象艺术并不美。邵亦杨：欧洲抽象艺术是表现深层的美，而不是表象的美。而且欧洲的抽象表现艺术是观念的，一方面它是反形式主义的，反表现形式的那种美感、唯美的东西；另一方面它在传达意义，传达一种观念。你可能觉得美国的抽象艺术更观念，但那是在美国的六七十年代以后，我讲的这些作品都是60年代之前的欧洲艺术，所以时间段是不一样的，欧洲表现观念还要更早一点。那么我想问一下有些作品在展览之初不被人认可，为什么最后被艺术史承认了呢？这中间有怎样的一个过程呢？邵亦杨：一方面是随着大家认识的提高，有些最初不被认可的作品慢慢被接受了；另一方面是艺术史从来都是记录有创造性、有思想性的东西，即便大众不能接受，艺术史也可以接受，它是让公众能够受到教育的。请问老师怎么看待Informal流派和一战后作为主流的、也是反战的流派，以奥托·迪克斯(Otto Dix)为代表的新客观主义。在观念上、哲学思考上它们之间有什么内在联系？邵亦杨：我觉得它们是一脉相承的。因为反形式主义在很大程度上跟战前的德国新表现主义及其支流都非常相似，但是它更抽象、更阴暗，所以更有存在主义的感觉。而且它受超现实主义的影响很大，受弗洛伊德（Sigmund Freud）、拉康(Jaques Lacan)的思想影响，所以有很多表现潜意识的东西。因为国内工业主义、商业文化的影响在过去二、三十年里特别明显，我能够深切感受到，三、四十年前和现在社会环境的差异，包括艺术圈、艺术评论圈的工业色彩也是很浓厚的。我觉得年轻人的免疫力比年长的相对弱一些，请问他们会不会更多在艺术方面受到欧美商业运作的影响？邵亦杨：现在这个世界更加全球化，商业文化的影响肯定是无所不在的，不仅仅是对中国艺术家，对全世界的艺术家都是这样的。但我觉得商业文化也给中国年轻艺术家带来很大的自由度，让他们与国际有更多的接触，现在艺术表达有各种不同的方式，这也是全球化交流的好处，我们应该有更多、更开放的交流，才会把艺术的思路打开。
老师您好，因为我知道在1930年代中国有反抗艺术，也是一种反思的方式，所以想问二战后在中国有没有基于我们传统哲学观念的那种反思的艺术？邵亦杨：中国和西方的传统不太一样，中国人一直是比较含蓄的表达。可能在中国传统绘画中有类似泼墨的表现形式，比如唐朝的张旭会用头发和手指直接在墙上写字，是一种很奔放的方式。但是这和西方的语言艺术、语言表达不太一样。在二战后的中国，政治动荡，与西方国家在形式表现上不同，社会写实主义产生了很大影响。在现当代时期，从思想深度上，我觉得现代西方的艺术表达和哲学思考还是更加深入一点。请问艺术史家是如何来确定某幅作品的价值呢？在这一点上您是如何确立您的判断标准的？邵亦杨：艺术史家们通常不研究近20年的艺术。我觉得研究当代艺术很必要，因为它和我们的生活息息相关。我们要判定哪些作品真的有创造力，并且对社会思想有推动作用，不仅仅有形式美感，画得漂亮，它必定启发和影响了一批人，才会被写到艺术史里去。
老师您好，请问从一战开始到二战包括二战结束，欧洲出现了很多流派和运动，但是这些运动基本上英国艺术家没有太多参与，或者他们的绘画风格没有受到太大的影响，您是怎么看待这个现象？邵亦杨：英国艺术家也一直都有创新，只不过他们的艺术运动相比欧洲和美国，没有产生那么大的规模。但是英国的思想一直很活跃，也非常前卫，像当时社会学的兴起也是在英国。在二战后的具象绘画中，卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）和弗朗西斯·培根（Francis Bacon）都是世界级的重要的艺术家。波普艺术其实也是发源于英国的。像大家都喜欢的大卫·霍克尼（David Hockney）也是英国艺术家，他是最早把广告色的那种色觉画到作品中的，这是形式上的巨大创新；在内容上他也是第一个在作品中表现同性恋感受的艺术家。*更多内容可参见《20世纪现当代艺术史》、《后现代之后》、《穿越后现代》、《全球视野下的当代艺术》（邵亦杨著）
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