奇美博物馆的“影子”主题展中，《四十赫兹》这个有趣的作品抓住了许多人的视线，人们站在灯光里，面前的影子却做着和自己不一样的动作，诙谐可爱的呈现方式给人留下了深刻的印象。这件作品的概念来自《彼得潘》中追寻自己影子的小飞侠，作品摆脱了过度炫技及华丽的视觉效果，收敛为单纯简易的概念：一个自己的影子不受控制的幻想领域。这件由吴克军及其所在的团队叁式设计创作的作品，成为了极少数被美术馆收藏的新媒体作品之一。【找寻】
“不同时期创作的每件作品，都承载着我的某段记忆，所以我对他们都有特别感情。”提及不同时期创作的作品，吴克军坦然他对自己的作品都寄托了特殊的感情，而我们也从这些作品中，可以看到他一路以来的成长。
《Waterfall》是吴克军从学生状态过度到艺术家的过程中的第一个作品。对于当时的硬件条件而言，即时的模拟流体行为还非常的困难，背后牵涉的知识范畴之广，涵括了逻辑编程、图学演算与算法公式设计。在种种的约束限制下，如何在性能与效果间取得平衡始终是一大课题。这个作品在探索如何在诸多限制下加入更多的可玩性，让模拟流体不再是单向如视频般只供观赏，而是能让观众用双手去感受。
“以前的雕塑家或者画家，当他们做完一个作品的时候，或许就是作品的终点。当新媒体、体验设计、数字科技出现的时候，开始有了更多交互的部分，作品便因为观众而有了不同的样貌。所以某种层面上，它的生命周期被延续了。最近，大数据或者数据分析开始演变成作品，从无法体验变成个体体验，到现在变成了共创。”
弹性布投影互动测试 （2017）
吴克军发现自己很喜欢现场观众的参与，观众们常常会发明一些意想不到的玩法。如果多一个交互象限，能赋予作品更多意义，产生更多可能性，为什么不用呢？所以他坚持在作品中加入交互，这样才会觉得这个作品对他来说是比较完整的，才是更加有生命力的。
为金点奖设计的互动空间，开发了一套Particle SystemGolden Pin design award （2017） 2020年，吴克军参与制作了作品「Clairvoyance」，并参加了一个名为《进位》展览，意在传达科技不管在任何时代、任何状况、不管任何人的阻碍，它都会义无反顾地一直去进步、一直前进。「Clairvoyance」指能超越正常视力看到遥远彼方、甚至不同时空外景象的特殊现象，此义贴切形容了所有对于遥远的未来有着无尽好奇，不断透过想像力与科技推动着世界的人们，于是吴克军团队以此为主题打造了这件巨大的影像作品。
在这个作品的创作过程中，他放弃了直接通过单词和字符呈现的想法，选择了利用让人感到被包容的空间场域；此外，添加符号化元素、强调视频的节奏、混合媒体的叠加都增强了用户的体验。观众可以通过观看投射的物体四处飞行和自己的身体四处移动，有在空间和时间之间穿梭甚至向未来前进的感觉。
遥视的表现形式以宽阔的立面与极长的地面图像所组成。立面的远方，是我们遥望亟欲所见之处，脚下的地面，则是我们所途经之路；透过快速在不同空间、时间，甚至是维度的量级上跳跃，将观者的全部观感拉入「进位」的体验，并以此作品向梦想家们致敬。这件作品对吴克军来说不单单只是影像，他意识到其实很多维度的体验他都需要都要顾及到，当这些东西全部成立的时候，自然而然他就会带给观众一种史无前例的冲击或全新感受。“或许很多人把把沉浸式当成一种形式，将投影打满场地便可以成为沉浸式。但我认为沉浸式是一个目标，更多的应该是在这个空间里，我们要怎么样去讲故事，而这个故事想要让观者在什么样的情绪下接收到我们想讲的内容。”
【反思】
“新媒体作品不像小说或者电影，它有一个很长的故事的堆叠，让你有一个很强烈的感受，但是可以运用很多体验、设计、科技、艺术等等，可以涵跨超多东西，可以运用到影像、运用到声音、运用到各种感官，但是即便如此，新媒体艺术好像很难感动人。我们有这么多东西可以用，为什么我们会感动不了人？”
吴克军说关于这个思考，他至今还是没有说服自己的结论，大概当他某一天真正通过某个作品做到感动别人的时候，他就会有解答。
吴克军提及，科技的日益发展使我们每天接收到的各方面信息非常迅速，所以当你在家里静下心做作品的时候，会同时关注到其他创作者，他们可能已经发布了更加优质或更加前沿的作品。面对这样的“内卷”，我们总会忍不住开始怀疑：我做的东西真的足够好吗？他感叹道：“我觉得在创作过程中最大的挑战应该是直面自我怀疑并能够静下心。”今年年初的时候，吴克军决定做一个系列创作——DigiScape。年初的时候是定4个，目前已经实现了三个，分别是Lava、Seabed和Forest。之所以开始这一系列的创作，是因为在工作的第三年，吴克军开始进入到职业倦怠期，“虽然我很热爱我做的事情，但是我会开始觉得累。可能是因为长时间投入在商业项目中，我没有能去投入更多时间构想自己的作品，所以好像卡住了一般，会没有新的灵感。”
吴克军早期的时候一直在寻找自己的方向，“我在创作过程中，我到底追寻的是什么？是一种风格吗？还是一种特别的体验？后来我发现我并不是在追求特定的什么，我只是在追求一个能打破现实和虚拟间那道墙、那道界限的任何的形式的作品。”DigiScape系列中的Forest这个作品中就完全体现了这个概念：Inside/ Outside world，也就是虚拟与现实之间的过渡。不同于之前的Lava and Seabed，他将场景清晰地划分为两个完全不同的视觉词汇，让互动者在不同的世界之间穿梭时，能够感受到清晰的冲击和体验。
这一次他在做创作的时候，一个月内没有做任何技术，纯粹去研究、找很多的参考和想法。他想要照顾好每一个细节，比如氛围、植被的动态、太阳、阴影的逐渐变化以及进出森林的过渡。他花了将近半个月的时间在灯光、色彩调整和构图上。
在Forest做完之后，吴克军反思到：“其实有时候有可能并不是灵感消失，而是作品做多了创作者就会变得更加挑剔，你开始觉得我的作品可能不够优秀，但其实它只是一个成长的过程。”每个人都会遇到这样的自我怀疑过程。吴克军做Forest做了三个月，在创作的后期，他再看那片森林的时候也会有一些自我怀疑，觉得好像也没有很好看。但是他明白在做每个作品的时候，不要去怕做得不够好，因为是任何一件艺术作品都会有它的遗憾。“我后来发现其实正是因为有这些遗憾，才会警惕自己下一次再创作时候需要注意哪些问题，才会有进步的动力。”【前行】
经历了倦怠期，在这一年，吴克军开始有一些新的体悟，找到了自己的平衡。
在学生时期，他总想着做规模很大的案例，像是演唱会或很大投影的活动，进入了公司后，他接到了各种大型沉浸式剧场等项目，他反而开始有点怀念那个小小的银幕，现在的他更专注于一些小小银幕上能看见的东西。“小银幕上你可以把东西雕到非常的精致，细致到可能有个昆虫在飞，风变大的时候，昆虫的翅膀微微摆动。这种很小的东西，你在大场景去做不会被别人看见。我开始觉得，其实小画布有小画布的好。”在创作的过程中，你很难评估自己有没有进步，吴克军对这件事情有很深的感受。常常有人问他，该怎么去学习、看什么书、看什么网站……才能到做到他现在做的事情。吴克军觉得，其实我们每个人学习历程非常点状。在每个不同的阶段，都会在一些契机下意识到需要去学习不同的技能。他习惯于在每一个领域找一个自己的榜样，比如在体验上，就是Moment Factory和Nohlab；在算法和表现手法上，就去看Reven；在渲染上，就去学Adam Samson……
算法艺术的新系列"Vision"
Genesis（2020）
当被问及对即将从事这个行业的新人有什么想说的话时，吴克军真诚地说：“在科技艺术里面，你发现它跨到了音乐、跨到了视觉设计、还跨到了编程。所以我觉得不需要因为自己可能在哪一块不足，就选择不进这个领域。其实你只要好好强化自己本身的强项，在这个领域都能找到自己的一席之地。”
曾经还是学生的吴克军看到某个前辈的作品，觉得这个领域好酷，产生了加入的兴趣；如今他也成为了别人的前辈和参考对象，于是，他对自己的作品也有了一种使命感。
“现在我会觉得我的作品放出去，一样会有晚辈会看到，他们可能会因为这件作品有所启发。所以我开始自己有种使命感，就是我觉得我把作品放出去的时候，除了要我自己很满意之外，也希望能带给其他人一种感受，不管是感动、喜悦或者任何情绪，我都希望能一直延续下去。”
关于吴克军
他的创作专注于探索衍生艺术在视觉美学与跨界合作的可能性，是一位精于数位科技又具视觉敏感度的艺术家。作品跨足了声音可视化的新媒体表演、公共艺术装置、跨界科技舞作以及任何数位媒体产出或传播的跨界形式。目前主力从事演算视 觉设计及跨领域创作。
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