你看过《至爱梵高》，你知道很多人都至爱梵高。

那么，你知道梵高至爱的人又是谁吗？

今天就让晴师妹来告诉你。

1810年，

一个本应撩妹打酱油无忧虑的13岁少年，

却因为父亲的早亡，要早早开始思考生计问题。

于是，走上了画画的道路来养活自己和家人。

毕竟在那个阶级固化的年代，

低阶武士的工资是比不上成名的浮世绘画师的。

在并非出于自身爱好的学习中，

这位少年却逐渐对浮世绘产生了浓厚的兴趣与热情，

并立志成为一名浮世绘画师。

于是分别师从当红“歌川派“画师歌川丰国，歌川丰广，

并被赐名为“歌川广重”。

Tips——关于“歌川派”

“歌川派”是江户时代浮世绘界最大的派系。

放在现在，相当于是当下最大的传媒机关。

日本浮世绘自1700年代起，均受“歌川派”的影响。

其始祖是歌川丰春，首位弟子是被称为“美人画达人”的歌川丰国。

歌川国芳和歌川国贞是歌川派的重要继承人，同为江户时代著名的浮世绘画家，师从歌川丰国。

“歌川派”有赐名号的传统。因此，安藤广重又称为“歌川广重”。

但因门下有重名，后又改回安藤广重。

受到两位老师的谆谆教诲，

广重从中得到对于绘画的启发，

再加上自己加倍的勤奋与努力，

日本“浮世绘三杰”之一就此诞生。

这位少年的名字就叫做——安藤广重。

很多人可能都对浮世绘的了解并不深入，

对浮世绘的认知可能还停留在春（宫）图上。

Tips——关于“浮世绘”

“浮世”一词来自佛教，本意指人的生死轮回和人世的虚无飘渺，即忧世或尘世，在日语中含有暗指艳事与放荡之意。浮世绘流行于日本的江户时代（1600-1868），是迎合市民阶层审美的艺术，是这个时期民间生活的全面反映。

从形式看，浮世绘分为肉笔画（手绘）和版画两种形式。

早期主要是妓院内情、男女艳事的春宫题材——春画；

中期开始表现单独人物的姿态，即肖像画、美人画和名优绘；

后期主要以风景画、花鸟画和武士绘等。

风俗画——美人图——春画——相扑绘——风景画

歌川国芳浮世绘---风俗画

役者绘

对于今天故事的主角——安藤广重，

我想先从他的风格开始聊起。

作为一位要养家糊口的画师，

广重的创作思路是这样的：

什么流行，他就画什么。谁画的好，他就学习谁。

Tips——关于“浮世绘”的发展

早在18世纪初，江户封建社会的完成，让浮世绘的发展趋于成熟。

表面的、局部的繁荣与国家整体形势的不稳定对百姓心理上的影响是巨大的，感叹人生短暂，世事无常，及时行乐的思想滋生，即：“浮生不过梦一场 ”。

因此“浮世绘”从一开始即是描绘世间风情、浮生尘世的画作。

在春(宫)图及美人图风靡的时代，

浮世绘名家几乎无一不做春画，

于是，这位喜多川歌麿横空出世。

他是“浮世绘三杰”之一，是“大首绘”的创始人。

他用纤细高雅的笔触绘制了许多以头部为主的美人画，

竭力探究“女性内心深处的特有之美。

师承“歌川派”的安藤广重，

在多年的刻苦学习之后，

对役者绘（歌舞伎演员）、美人绘都能完美驾驭。

因此，在这个风靡浮生尘世的时代，

广重充分发挥着自己的“光和热”，将美人图绘到极致。

Tips——关于“浮世绘”的发展

18世纪末、19世纪初，顶峰时期的浮世绘美人画的画家们已经是江郎才尽，以葛饰北斋为首的风景画画师的出现为浮世绘的发展注入了一股清风，拯救了危在旦夕的浮世绘。

他们所擅长的风景画其实在初期的浮世绘中就曾出现过，但这时期的风景画家对于外观表现和主观意境处理却令人眼前一亮。

在安藤广重将所有能学到的技法都掌握娴熟后，

随着时代变更，开始尝试转型。

而在此时，

有一位画师的风景画因在江户大受欢迎，

他就是“浮世绘三杰之一”——葛饰北斋。

葛饰北斋在他72岁的时候完成了其代表作，

在浮世绘版画享有最高美誉的《富岳三十六景》。

《富岳三十六景·神奈川冲浪里》

《富岳三十六景·凯风快晴》

《富岳三十六景·山下白雨》

Tips——关于“浮世绘”发展——葛饰北斋

《神奈川冲浪里》《凯风快晴》《山下白雨》并称为三大传世名作，

更有“Great Wave”之名，成为世界最著名的浮世绘。

葛饰北斋的绘画风格对之后的日本及欧洲画坛影响极大，

他也因此成为入选“千禧年影响世界的一百位名人”中唯一的一位日本人。

于是，我们双Q超高的安藤广重，

看到风景绘如此受欢迎，

当然不能错过啊。

在他的第二位老师歌川丰广去世之后，

转而投向风景绘。

不得不说，

安藤广重是一位识时务的画师，

他既有文人画家该有的艺术趣味，

又有懂得跟随用户需求的前卫之心。

因此，

在他34岁时，

出版了带有北斋风格的风景绘作品——《东都名所》。

在他36岁时,

广重这位“心机”画师借着去京都进贡的机会，

把从江户到京都要经过的五十三个宿场的沿途风景一一绘制。

随后发表了系列作品——《东海道五十三次》

自此，他对风景绘的创作更加得心应手。

《东海道五十三次·御油》

《东海道五十三次·池鲤》

《东海道五十三次·荒井》

《东海道五十三次·蒲原》

《东海道五十三次·庄野》

很容易看出，

转型之后的安藤广重，画风明显变敞亮。

区别于葛饰北斋的烂漫直接，

广重更注重对人世百态的咏叹，

他既有日式的风花雪月，又有忘我的超凡脱俗。

《安藤广重·雪月花》

在风景绘上，广重真正发挥了自己的天分，

他的风景画，画面洗练大气，神韵非凡。

色彩与人文也成为他之后画中的一种标志。

可以说，

风景绘为广重的绘画生涯打开了一扇门，

给他指了一条明路。

随后，他又发表了

《近江八景》、《金泽八景》、《富士三十六景》等作品。

其中在《近江八景》中，

用色愈加苍练，细节愈加突出，远景愈加出色。

《近江八景·一》

《近江八景·二》

《近江八景·三》

《近江八景·四》

《近江八景·五》

《近江八景·六》

《近江八景·七》

《近江八景·八》

在他的《近江八景》中，

我们既能联想到“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”；

又能联想到“溪云初起日沉阁,山雨欲来风满楼。”

随着风景绘创作及技法的不断成熟，

安藤广重随后又出版了《名江户所百景》系列图，

这也是广重生前最后的杰作。

《名江户所百景·春》

 《名江户所百景·夏》

《名江户所百景·秋》

《名江户所百景·冬》

广重将其所擅长的色彩与情感表达充分融合，

以此调度观者的情绪。

他所表达的精神内核是人之独立，物之哀愁。

这种看似哀寂的意境以浮世绘活泼浓烈的风格表达，

赋以“浮世绘”这个人间世俗百态诗性而禅意的一面。

而我们的梵高大师，

也正是在一次展览上看到了安藤广重的作品，

开始极度迷恋广重的浮世绘画风。

以至于其最著名的几幅仿作也大多出自《名江户所百景》这个系列。

▲左图：安藤广重《龟户梅屋铺》▲右图：梵高油画仿作

▲左图：安藤广重《大风暴雨》▲右图：梵高油画仿作

从梵高选择模仿的画作中，

可以看出安藤广重的独特之处。

他能够用秀丽的笔触及和谐的色彩，

来表达笼罩于典雅而充满诗意气氛中的大自然。

我们从他的上千幅作品中发现，

在缤纷的大自然中，广重尤其喜欢雨，

他能将与雨的快慢缓急表达的淋漓尽致。

他能完全摈弃常规，

无论是线条的动态表达，还是构图的灵动活泼。

他的笔触快准狠，

像刀，像剑，像光。

这就像日本画师纤细的神经，情绪的直接传递。

而隈研吾大师，也正是抓住了这一点，

在安藤广重的博物馆设计中，

把“雨丝”作为其设计的出发点，

以此来表达对安藤广重及其“浮世绘”艺术成就的纪念。

Tips——关于隈研吾的设计理念

建筑怎样才会消失呢？他尝试用无秩序的建筑来消去建筑的存在感。如果说通常建筑的存在形式是造型性的，采用了造型的逆转形式，建筑的形态被抹消了。

低矮的建筑完全融合在静谧的意境以及淳朴的乡亲中，

周边环境没有丝毫突兀。

建筑师采用当地杉木制成的百叶窗，

来模拟广重画作中“大桥骤雨”的朦胧场景。

建筑所呈现出来的空气的质感与光线的状态，丰富了建筑空间的层次。

广重的画作着眼于构成自然界的粒子，

用粒子的多层重叠来表现自然的本质。

他所描绘的一种充满典雅气息的大自然，

是一种柔和了自然与人文的模糊的境界。

因此，

建筑不是单纯的表达视觉上的连续性，而是力求在空间中体现其透明性与模糊性。

建筑师希望的透明是一种：

主体与环境相互联系、融为一体的状态。

安藤广重在过去向西欧世界传递了透明的信息，

建筑师希望这个并不年轻的理念能够继续传递。

广重的绘画哲学与隈研吾的建筑理念

在一定程度上达到某种融合，

即透明并不透空，延续并不连续。

因此，

无论是安藤广重还是隈研吾，

无论是画作还是美术馆，

无论是建筑外部还是内部

都体现着一种纯粹的质朴。

透过这一座建筑，

我们甚至可以学到

对待事情的一种态度、一种人生哲学：

低调、内敛，温情、细腻。

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