A4驻留｜15位艺术家的访谈：看不见的成都

卡尔维诺的《看不见的城市》这样一个经（lao）典（geng），一本寓言集，在任何时候要引用它旁敲侧击点什么都能说得过去。甚至不用为引用不当而觉得抱歉，毕竟它自己就是同人逼死官方的代表。

但是在说A4美术馆2019年的驻留项目时用《看不见的城市》作比还是合适得令人颤抖：马可波罗在异乡，用描述所有的城市的方式暗暗向可汗描述他的威尼斯；驻留机构则是邀请“所有”其他城市的艺术家，用视觉艺术的方式描述成都。两者一样纷繁而漫无边际，无论威尼斯还是成都，城市的真相永不可见，并渐渐被可见的描述吞噬，新的真相又随之产生。

在一个周期的驻留工作之后，从“与当地的关系”的角度看待去年的驻留艺术家的实践，希望可以从艺术家对自己的作品和行动的阐释中，获得一点关于我们的生活之所在的信息。

这篇文章看到了借用物品、寻找异域、创造新的空间感、记忆，等几种艺术家与驻留地发生关系的方式。

Jarek借用了居民的一些物品，镀银后展示，最后也会归还给居民。

为什么要用“别人的”东西做自己的作品？

Jarek Lustych：

（人与人、人与物的）边界这个事情对于我来说一直是个问题。比如我认为艺术是围绕着观念形成的，一切都成为你作品的一部分，你项目的一部分。我被这种感觉深深吸引。

Jarek Lustych，本义，麓客岛，成都，场域特定，树上镀银，尺寸可变，2019

Jarek Lustych，本义，麓客岛，成都，场域特定，树上镀银，尺寸可变，2019

Vladimir 借用的是城市里有特色的建筑物、景观，与公众的互动性很强。但投影是一种非常常见的技术，在商业、教育等各种领域广泛应用，效果都很好。

作为一位艺术家，你怎么处理投影与被投影的面之间的关系？

Vladimir Abikh：

投影与现实的关系对我来说非常重要。我的投影没有绚丽的特效，不能让某个表面变成通往另一个世界的窗户。我的投影并不会让墙面变成荧幕，作品中的墙仍然是墙，投影的作用是突出它的独特性，或强调可能将要发生在它身上的现实。这些投影批判性地针对我发现的那些城市问题，同时它所投向的场景相辅相成。这样一来，环境和艺术作品就融为一体了。

这次我做了一个关于障碍的计划。我遇到的第一个障碍，也是最大的障碍，就是互联网上的一些封锁。遇到的第二个障碍无疑是语言。我听不懂我在城市里所听到的，也不能从我看见的一切中抓住细节。语言障碍后来就激发了我这个关于中文、诗和现代科技的计划。而且非常象征性的，我是在中国著名的古代诗人杜甫的故居散步时想到这个概念的。

十二首诗，纸张打印，14x21cm，78页，2019

“日常信息过滤器”是Alexandra Griess和Jorel Heid的说法，它有什么作用？

Alexandra Griess & Jorel Heid：

用于区分“重要”信息与“不重要”的信息的过滤系统。

当你身处一个陌生的城市，你能重新听到和看到一切，就是因为陌生城市里没有“日常的过滤器”，每一种知觉：听觉、视觉和嗅觉，都强烈地在场。非常刺激。

比如成都的声音比起我们已习惯的汉堡，要大得多。到处都能听到这样的声音：喇叭、对话、扬声器、音乐，还有来自建筑工地的声。

街上照相机的闪光，则像雷雨中的闪电。

Heidundgriess (Alexandra Grieß & Jorel Heid)，一种视角，装置（塑料草皮、人工草皮），143x91x41cm, 2019

Heidundgriess (Alexandra Grieß & Jorel Heid)，春天蜿蜒的街道，装置（聚酯色丁布、工业刺绣），142x90x41cm，2019

奥中的作品给了观众一种“进入”水中的途径，很受欢迎，但为何选择了这样轻薄易损坏的材料？

奥中章人：

作品通过（人们的）触摸或参与完成被解读与理解。轻是我的一种可能性，或是人们可以接受的另一种形象。一般来说，人们的触碰和进入使得作品变得完整，并将外延展至我的掌控之外。“轻”也是一样的，它总是展现出一些与众不同的东西。

它们总被放置在外部空间，暴露在阳光与风雨中，有时遭遇暴风雨甚至台风。它们并不具有十分坚固的材料，这样的短暂与脆弱性正是向人们展示出了生动的体验，去触碰这个世界，珍贵又易逝。

这次在A4美术馆的作品，最初由于是湖畔的美术馆的原因而设想了船的主题，但是比起这个，我还是更关注于湖水本身，于是选择了像是泡沫那样单纯几何学般的球体。

奥中章人，水合作用，雕塑，PO薄膜，PET调光膜，尺寸可变，2019

观众与作品互动

Karolina制造了一个光圈，进入这个光圈大概并不能让我们从新的角度看环境，而是使周围的环境越发模糊不清了吧，但也是一个新的视角/体验。

在你的预期中，这种将人包围的光会对普通观众产生什么影响？

Karolina Halatek：

作为一种材料，光的本质是最崇高的，它的存在创造了最强大的氛围，立即影响观众。

《HALO》的灵感直接来自于我在代祷期间的体验，回到那时，我觉得我的存在被扩展了。我觉得我周围的空间变得清澈而柔软。这种体验是如此的美妙，从那时起，我便希望把它翻译成视觉语言，让更多的人体验它的痕迹。

我特意在成都创造了《HALO》。我知道圆形和极简形式在中国文化中扮演着非常特殊的角色。我想在象征层面上与中国观众沟通，并提出作品要跨越视觉表现的边界，赋予象征体验的潜力。另一个原因是考虑到当代艺术装置在成都的存在，我希望自己创作的作品能给成都的观众带来一种新的艺术品质，他们可能没有太多机会看到可互动的空间性光装置。

Karolina Halatek , HALO, 装置（PVC灯管、遮光布、灯膜、钢、梯凳、铰链），直径3m圆环，2019

吉野绘制了许多“洞穴入口”，是否跟某些哲学概念有关？

吉野もも：

这并不是哲学的东西，而是物质性的、被当作空间来处理的。

学生时代最早制作的作品「穴」，是带有在梦中坠落那般的幻想。此后，虽说作品以各种各样的方式展开，但我都以绘画在空间中被如何关联的点来制作作品。

我认为通过塑造深度，作品与周遭的墙壁产生了关系，超脱了绘画的框架而向外扩展。我想要展开绘画，让观者也能进入到绘画的世界中去，尽管现实空间并不存在于此。在作品中有我们所看不到的绘画空间，各个场所中的绘画作品就在此联结起来了。

从古至今，众多故事中讲述了洞穴是另一个世界和平行宇宙的入口。因为我想要通过绘画创造异世界，这可能是在无意识中选中的。我也想要鉴赏者能创造出各自不同的世界。

吉野もも，随处，装置（印刷明信片、胶带），尺寸可变，2019

Elpida让观众看到根系、内脏变美后的样子。

Elpida Hadzi-Vasileva：

我对自然的脆弱性有着强烈的兴趣：为什么这些如此美丽的事物就这样消逝在我们的眼前。也一直对隐藏的、未遇见的、以及被忽视的空间感兴趣。我的很多探索景观和身体的作品都是源于对地下未知空间的思考。

将你提到的那些东西变美的过程可能有些恶心，但你完成这个过程时，它们就变成了美的事物。我使用金箔，金箔增加了这些材料的价值，使它们变得非常珍贵。镀金是一项非常古老的传统技艺，但它会一直持续下去吗？我想通过镀金来增加这种材料的美感。通过使用黄金，我也对材料的价值提出质疑，这到底意味着什么？某些物体会仅仅因为镀上黄金而变得更有价值吗？

Elpida Hadzi-Vasileva，请喂养我，树菊木、金箔（23.5克拉），45x25x65cm，2019

Elpida Hadzi-Vasileva，测试实验III，驻留艺术家工作室，石膏、金箔（23.5克拉），117x107cm，2019

是否有在成都发现你感兴趣的空间？

Elpida Hadzi-Vasileva：

我在树根上所绘制的图案灵感来源于周边的景观，以及在成都市区、麓湖的走访。在这里，树木成熟后被移植，依靠支架支撑和营养供给生存，我为此着迷。我称这种景观为“喂养”。所以这个作品中的图案主要是受 “喂养”景观的启发。

我也常常从工作室的窗户看外面的风景，这片土地的变化，一些东西在飞速移动，我的作品中也有这些机器的动作和人类的痕迹。

另一个与这里的食物有关。我常用气球将胃定型干燥，但以前我会取出气球，在这次我决定将气球留在里面，因为我真的很喜欢那里面的五颜六色，让我想起成都的各种风味和食物，一切都色彩丰富，所以我想强调四川食物的气味和颜色。

Elpida Hadzi-Vasileva，甜与酸，羊胃、气球、木头，62x48x32cm，2019

Elpida Hadzi-Vasileva，甜与酸II，羊胃、气球、木头，67x35x20cm，2019

Xiyu做了有关相亲角的创作，相亲角在中国各个城市的公园都是很有特色的一种景观，作为一位“女性主义者”，Xiyu对相亲角是怎么看的呢？

Xiyu Tomorrow：

我不会在我的作品中声明我是女性主义者，但也许在下一个项目就会变。重点在于完成好的作品，虽然这些作品在目前看起来都是一些多愁善感的泡泡（如果你愿意也可以称之为“女性化的”）。所以对我来说，问题是谁会支持我？谁会跟我签约？性别（这种异性恋世界观之下的男女二分法）只是其中一个领域，还有更多的领域和分化发生之处需要我们的关注。

所以，我喜欢相亲角！首先，看到人们尽力去寻找像爱情与婚姻这样重要的东西很有启发，这是社会价值观的反映。其次，在Tinder、OkCupid这些约会软件大行其道的当下，相亲已经是一种普遍的行为，通过父母、家人和朋友的介绍的相亲只是一种变体罢了。

不过困扰我的是，在婚姻问题上女性到底承受了多大的压力，以至于她们的父母会背着她们去帮她们相亲。再次，我真心希望这些人找到真爱；这是能发生在你身上最美好的事。谁知道呢，也许也会有人通过我的出版物找到真爱——多美好啊！（如果成真了请告诉我！）

Xiyu Tomorrow，在成都的画（愿我们能表达，永久地表达），凸版印刷杂志，25.5x19.5 cm，2019

Xiyu Tomorrow，在成都的画（愿我们能表达，永久地表达），凸版印刷杂志，25.5x19.5 cm，2019

在哪里能找到一个地方的记忆？

斉藤幹男：

自己的小时候，完全不懂电视里或者大人们说的话的时候。当我刚开始在德国留学的时候，也同样完全不懂德语，看电视的时候也不懂他们在说什么。只是单纯看着电视的画面（却听不懂语言）让我感到了一丝不适。但是，我也时常会被有趣的图像、颜色和光，又或是有趣的动作和面部表情所打动。在那时我想起了小时候，并且发现每个人其实都有这样的经历。

所以我自己的作品，不是完全让观众理解到整个故事，而是给观众带来了一些（看不懂的）不安感，从而重新回到那种孩提时代的感受。

牙齿是父母珍贵的礼物，视频，7‘33“，2019

我的牙齿盒子，视频，10‘1“，2019

牙仙子博物馆，雕塑（木板、砖、水泥、贴纸），335x330x330cm，2019

Jarek Lustych：

本地的大型菜场。在那里你可以看到许多的食材，类似这样的地方给了我灵感。它们让我产生了给当地集体记忆里的物件镀银的想法。

成都有些建筑给你一种未来感，但是你又能找到一些四十多年都未曾改变的地方。这次来到中国，我就像是见到一位很久没见过的老友，起初他的脸似乎很陌生，然后，你开始从一些小细节上找到记忆中的他，片刻过后，两张脸开始重合。

Ken和Ayako似乎是从裂缝着手进入城市的历史。

Ken & Ayako：

也许是因为我的父亲在15年前他退休之前曾经是一个地质学家吧。在过去的二十年期间，我最初的兴趣主要是围绕着我称之为“凹(hecomi)”的东西。凹(hecomi)包括墙壁和地面的磨损和分裂、表面风化层剥落、以及各种表面上出现的衰退效应。由裂缝和裂隙造成的损害对我们来说往往是微不足道的，甚至是不明显的。凹(hecomi)作为与类似“鸿沟”和“裂缝”等词语相联系的地质现象，似乎也在作为一种隐喻表现着事物和人之间加剧紧张以及相互依赖破裂的状态。

此外，这种新颖的形式专注于轮廓，体现了温暖、势不可挡的能量、以及各种吸引人的品质，这激发了我为他们提供被听到的机会。

谷口顕一郎&谷口彩子，在都江堰二王庙的一棵商代古树附近，雕塑（PVC压缩板、黄铜、钢、旋转装置、水阀手柄、止水阀），88x35cm，2019

由于每个城市都有自己独特的历史，所以它们的地理形式也同样不同。在从早期人类定居到居住条件的快速发展和人类活动的广泛展开的漫长过程中，城市的面貌逐渐发生了变化。

近年来，我的艺术实践的主题是我在观看主要城市的航拍照片时发现的各种地理构造。虽然我感觉到绿色空间和城市区域之间的紧张关系，它们的地理形状的概述传达了这一点，但同时它们的有机形状也代表着温柔和仁慈。不仅如此，正如航拍照片所显示的那样，流经城市的河流也展现出勃勃生机。城市景观独特的地理形式反映了它们独特的历史，它们的形式多样性也持续地吸引着我。这些特征只能从鸟瞰的全景照片中辨认出来，不太可能从内部看到如此大规模的能量是如何显现的。我们在作品中试图去回应反映了城市景观的独特品质和历史发展的这些地理和制图特征。

Ken基于成都的三维地图绘制成都的形状

对我们来说，在雕塑中再现时间、历史是非常困难的。因此，我们把所有的创作精力都放在了雕塑上。我们认为这当然值得一试。如果有人在我们的雕塑中发现一点时间或历史的感觉，那么这对我们来说是非常高兴的。

成都城市研究#1#2#3，雕塑（PVC压缩板、黄铜、钢、铰链、木材、旋转装置），尺寸可变，2019

内海则是通过河流？

内海昭子：

我们走访了都江堰，当我面对始于公元前的河流，和人为创造而成的浩大工程，我被这种恢弘所震撼。我希望可以创作一个跨越时间维度，讲述人们依水而居，并和每个人都相关的作品。

但这个非常美丽的作品似乎可以出现在世界上的任何一个展厅，想知道它与驻留地的关系。

内海昭子：

其实我在走访都江堰之前就有一个重要的收获，就是找到了一家玻璃制造厂。玻璃散发的蓝色如同水流一般，大片的玻璃让我的构思扩展开来。除此之外，我在城郊的跳蚤市场也看到了许多有趣的材料，比如各式各样的旧家具与日常生活用品，这都让我感受到了许多创作的可能。

另外，艺展中心门口有一片绿油油的草坡，它的形状与弧度都非常美，还有一棵树也非常吸引人，每天我都会去树下坐一坐并观察它。

内海昭子，光阴逐水流，装置，综合材料，尺寸可变，2019

Krišs这次的创作与川剧有关，川剧是旅游产业爱用的符号，但你似乎更加信赖“无聊的日常”，为何这次要使用已经非常符号化的川剧元素？

Krišs Salmanis：

我想要使用川剧，因为这些形象在我的观念之眼上存在多年了。我的双亲都供职于拉脱维亚国家歌剧院，所以我和我姐姐十分熟悉歌剧，我记得小时候就在里加看过川剧团的演出。我最喜欢的西方歌剧之一——贾科莫·普契尼的《图兰朵》，是一个发生在中国并在音乐层面上被三首传统中国民歌影响的作品。我想，把川剧和西方歌剧结合在我的视频中将会是一次极有趣的尝试。在成都，我终于找到了实现它的理由。

这次（欣赏川剧《白蛇传》）的体验，就像小时候一样，我被其中眼花缭乱的色彩，高昂的唱腔，节奏感和演员难以置信的演技完全震慑住了。我唯一的顾虑就是那位女演员太专业且从容了，以至于表达不出我想传达的感情。

演员拍摄准备中

我享受观看日常平凡的事物，并且试图在其中找到令人兴奋的点。我使用自身的无聊感和生活的可预测性，直到他们变成一些稀奇古怪的东西。我为人类努力的荒谬感到兴奋。怎样去填补我们在这无尽时光里，作为人而存在的那些短暂瞬间呢？对我而言，艺术是极少的有意义，见效的方法之一。

“所有的，都在闪光”是一个女孩脸部的特写的视频，她用川剧的唱法演唱了中国民歌茉莉花的第一小节，然后是普契尼歌剧《图兰朵》里同样的旋律。其传统的形式可能会太有趣，但又因为有过于人为修饰，过于直白之嫌，已经几乎不是艺术了。但我对它很满意，尽管我需要更多的时间去理解它。

Krišs Salmanis，所有的，都在闪光，视频，2'30"，2019，特别鸣谢：成都欢乐谷主题公园、成都市川剧研究院、李玲琳（演员）、陈兰馨（化妆）

与川剧演员相反，Israel的绘画会给成都观众很强烈的“不是这里”的感觉，这些绘画的灵感来自哪里？

Israel Hadany：

在“形而上的绘画”中，有一部分是以沙漠为灵感，有一部分不是。其中一些灵感来自沙漠居民的建筑，还有以色列的传统建筑和手稿。还有一些灵感是源于几何的图形，以及说不清来源的事物。它从很多不同的来源获得灵感，有许多突如其来的想法接踵而至。所有的绘画都和我的实体雕塑一样，尝试达到超越时间和空间的层次。

例如，当我在思考沙漠的时候，我不会把它想成一个特定的地理沙漠，而是将沙漠看成是无边无际、无物生长的空旷之地。

绿洲，沙漠雕塑的模型（上色纸板），15x40x40cm，198

Israel Hadany，形而上的绘画系列（纸上铅笔、墨水），2019

直立的波纹（涂漆钢），1000x3000x500cm，埃拉特，以色列，2019

Israel Hadany，形而上的绘画系列（纸上铅笔、墨水），2019

您希望观众从这些绘画中感受到沙漠或以色列吗？

Israel Hadany：

我希望他们在看这些画的时候能感觉到一些东西。

在“形而上的绘画”中有一种平和与平衡，将观众们从日常生活中带到一个超越时间和空间的异次元现实中。我倾向于把“形而上的绘画”放置在一个安静的空间里，没有太多的干扰，让观众在不分心的情况下接触到我的作品，如果这时有什么事情发生了，即使是一点点，即使是很短的一段时间，能让他们振作起来，我也会很开心。

Pascal将本地很有代表性的“碉楼”和谐地纳入了自己的创作系列，可以分享一下您处理这个“文化符号”的思路吗？

Pascal Brateau：

我了解到，安托内·普雷多克（Antoine Predock）受四川高山上的羌族碉楼启发，设计了麓湖·A4美术馆。于是我展开研究，发现羌族人建造碉楼已有千年历史，而且他们世代居住在山的高处，完全可以称作“云上的人”，我由此感受到诗意，便是这种感受推动我去探索房屋与云的关系。

于我而言，房屋是一种中介，它处于内部与外部之间、疏离性与亲密性之间、现实与其映像之间。它是一种关系的展现，这种关系存在于家与环绕它的世界之间，并由人类自己建构。房屋是符号，同样，我们在这个星球上自由栖居的方式和我们被自己的栖居之地蛊惑的方式也是符号。房屋，在我的理解中，已经成为一种模式或样品，它将我导向各种视觉概念，也是我无穷无尽的质问的源头。我并不把这些以房屋为主题的作品看作是一个系列。我更倾向于将它们看作一种从特定的角度观察和讲述世界的方法。

Pascal Brateau，在云上，装置（混凝土、PC中空板），2.5x2.5x0.57m，2019

“云”是现代通信社会中的一个重要概念, 虽然只是一个比喻。它向人们保证，无论何时何地，任何人，只要能连上网，都能轻松访问或上传任何图片、信息或其他内容。因为信息是“云储存”的。

成都直耸的高楼、多云的天气，羌族人，都是我这次创作的灵感。还有袁宏道的一首被译成法语的诗启发了我，这首诗对我来说非常东方，尽管我无法定义什么是东方。实际上是这首诗的一部分触动了我，尤其是这一句—— “我想拜访云并向石头致意”。使我震惊的是我们之间的共鸣，这首诗作于明朝（公元16世纪），却道出了我当下创作中的精神历程和心理诉求。

Pascal Brateau，在云上，装置（混凝土、PC中空板），2.5x2.5x0.57m，2019

Pascal眼中的成都

我试图针对精神与空间的关系问题，通过地方特色、冲破云端的大厦、包容承载一切的云、以及四川人和羌族人的历史，构建一个诗意的、雕塑般的景象。创作《在云上》时，我只用了两种材料——水泥和聚碳酸酯阳光板。我在作品中让这两个材料重复出现，水泥用于表现形状一致的房屋，像一沓纸一样堆叠的阳光板则是“云”。

麻生的作品中被重复的形象则太日常了，你怎么获得这个形象的？

麻生祥子：

在来成都之前，我原本预计会有与水有一些相关的项目。随着时间的推移我只是偶然计划，在一家郊区餐厅和洪河二手市场，我偶然发现了一个典型的杯子。我当时正在寻找一个可以象征中国或成都的具体形状。然后我做了一杯水，那时候，我直觉说我能表达我的感受。

麻生祥子，水纹，装置，寒冷纱，4.5x8.5cm x27，2019

像一个普通的水杯这么普通的生活用品的形象，如何让它成为“艺术”？

麻生祥子：

我对“存在”感兴趣。而且我认为它可以用虚无的存在来表达，并且我正在研究它。出于这个原因，我用这块布做虚无的存在。可能因为是女性的缘故吧，使用布和线让我感到很亲近。我想表达我感受到的成都，其中一个是成都人。当你走过这座城市时，你会注意到有这么多不同的人。不同的职业，房屋，年龄等，但都住在同一个成都。从这个意义上说，我改变了这些杯子里的水量。

虽然从没想过要引起冲突的感觉，但我认为我的作品能让观众产生强烈的情感。这一次的时间和空间都有限制，比如我希望桌子长10米。如果我想更多地表达自己的想法，我需要一张永久的桌子和画布。

麻生祥子在成都拍摄的水杯

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自2011年项目正式启动，A4国际艺术家驻留项目坚持每年持续推动更多国家与地区间的艺术家、策展人、设计师等的交流与互访，鼓励具有独立创想和艺术研究建树的个人或艺术小组深入社区与城市参与项目，通过国际驻留期间的在地创作、交流和展示，进一步推进自身和所属区域的文化互动与学术交流。根植于本地社区与城市，麓湖·A4美术馆不仅提供高效与专业的学术支持，还将带来驻留同期丰富的活动体验与对话，为参与者带来广阔、多元、深度的创作空间与可能性。

从2019年起，麓湖·A4美术馆迎来国际艺术家驻留基地的落成以及周边更多公共空间与户外区域的使用，拓展基于驻留基地而展开的艺术家展览、公共艺术项目、文化活动、区域互动与共生的现场，建立与周边社区、业态的广泛交流与合作，连接不同人群与机构，形成以公众沟通与交流为目标，城市新兴区域文化形态与结构为背景，以实验性与专业性为工作方法的文化艺术项目。

目前国际艺术家驻留项目主要分为四个不同部分，分别是邀请制驻留，城市间双向交换驻留，国际国内公开招募申请以及公共艺术项目专项驻留。国际艺术家驻留项目时间主要集中于每年5月至次年1月，可同时接待10-11位艺术家开展工作。国际艺术家驻留基地位于麓湖生态城麓坊中心，包括12间独立的艺术家工作室，2个公共活动区域，1个1230平米的驻留展厅，同时在市区还有11间驻留艺术家公寓供驻留艺术家使用。

Since the project was formally initiated in April 2011, the LUXELAKES·A4 Art Museum’s Artist in Residence International Exchange Program (ARIE) has given many artists, curators, and designers from China and abroad the opportunity to interact with one another. It has also encouraged innovative artists and artist groups engaging with fresh ideas and unique artistic research to carry out participatory projects that intervene in the community or city. The residency’s focus on local production, exchange, and exhibition strengthen cultural exchange and academic dialogue between the artists and their surroundings. Based in the local community and the city, the LUXELAKES·A4 Art Museum provides effective and professional scholarly support and coordinates a rich array of events and experiences during the residency, making it possible for participants to expand, diversify, and deepen their artistic practices.

In 2019, the LUXELAKES·A4 Art Museum welcomed the construction of the international artist-in-residence base and the ability to use more of the surrounding public spaces and outdoor areas. The program has expanded from the base into artist exhibitions, public art programs, cultural events, regional interactions, and sites of coexistence, thereby establishing broad interaction and cooperation with surrounding neighborhoods and businesses and connecting different groups and institutions. In this way, the LUXELAKES·A4 Art Museum has created a culture and art program focused on communication and interaction with the public, set against the cultural forms and structures of a new city area, and working in experimental and specialized ways.

At present, the ARIE Program is divided into four distinct sections: invitational residencies, two-way city residency exchanges, open applications for international and domestic artists, and residencies specifically for public art projects. The ARIE residencies are concentrated between May and the following January, and the program can accommodate 10-11 artists at a time. The ARIE Program space is located in the LUXELAKES Eco-City, which is home to twelve independent artist studios, two public event areas, and one 1230-square-meter exhibition space. There are also eleven apartments in the city for resident artists to use.

内容编辑：周莉娟

视觉设计：葛婷婷

内容排版：张欣

内容校对：蔡丽媛、江雨杉