卡萨尔斯论演奏艺术丨“音乐不是出自装模作样、哗众取宠和过分夸张的，而是由于触动了他的内心生活，是情感丰富的表现。”
当卡萨尔斯演奏巴赫的慢板乐章时，他闭上了眼睛，排除了所有平时的忧虑和雄心壮志而全神贯注，他好像是走在无边无际的空间之中，在深邃的寂静中，浮现出他的大提琴的声音，他在自我欣赏而又不是只是为了自己，因为我们每个人都在跟随着他的声音，他在用自己的方式，似乎使用一种难以形容的纯真的声音在和我们谈话。——题记
https://v.qq.com/txp/iframe/player.html?vid=w0323mxmyqi&width=500&height=375&auto=0卡萨尔斯BWV1007前奏曲
大提琴家卡萨尔斯
卡萨尔斯（Pablo Casals，1876～1973）西班牙大提琴家、指挥家、作曲家，被认为是上世纪以来最伟大的大提琴家。他以惊人的演奏和表现才能，提高了大提琴作为独奏乐器的地位，成为一位具有划时代意义的伟大艺术家。
他的演奏无论在技巧、音色还是音乐表现上都达到了异常高超的境界。他的演奏构思明晰、风格严谨、技艺精湛、感情真挚，变化无穷且有卓越见解，他的许多作品的录音，成为以后几代演奏家们公认的楷模。
卡萨尔斯之所以非凡，主要是由于他的思想，由于他把具体技巧和伟大理想结合起来的能力。“技术的目的是将我们感受到的音乐内容表达出来，要突出音乐的主旨。而任何一部杰作的内涵都是丰富复杂的体系，纸上的音符无法完全反映。演奏者要做的就是让音符变成活的，赋予它生命...."
以下内容摘抄于《卡萨尔斯论演奏艺术》（戴维·布鲁斯（美）著，译者: 马思琚），是我以前在阅读这本书时，遇到觉得对自己的演奏和教学有帮助，或是很喜欢的段落时，就将它们打出来，现发到博客上与朋友们共享。（中央音乐学院二胡副教授、二胡演奏家朱江波）
《卡萨尔斯论演奏艺术》选读
我花了一个早晨，漫步在那古老而美丽的城市里的那些被雨水冲刷过的街道上, 沉浸在以往逝去的岁月的意境中，感觉不到20世纪的烦乱和紧张,，就这样不知不觉地在走进了12世纪的圣约翰医院，找到了梅姆林这样真正的财富。在我刚刚开始参观这些精细的，精心制作的艺术作品时，那里的管理人员就问我要不要借一只放大镜。多么好的主意呀！一个新世界展现在我的眼前，在这个世界里，每张画中的每一个都异常精细，只有人类的双手和画笔才能创造出这么精致的景色，人们对此惟有惊异不已。我放下镜子……现在看到了全部……油画似乎比以前更丰富了，它充满了迄今意想不到的永恒的生命力！
教学，给学生一面放大镜，不是用来放大空间而是用来放大时间。
不断察觉时间的关系。任凭你去想象……但要遵循规律。华彩乐思的多样性，要求演奏者作出有信服力的恰如其分的处理。尽管这是一段华彩，也要使人感到是合乎逻辑的，而不是杂乱无章的幻想。
节奏的组成，把他们归结为“衡量时间距离”的感觉。演奏者如何体会组成作品中的一些小的时间单元，演奏者必须具有整体观念，如同中世纪教堂的建造者那样。他们使每一块彩色玻璃都各有特点，却没有忘记整个窗子是在讲述宗教语言，而且所有的窗子在建筑学和精神上又是相互联系的。当然，同外面的雕塑也有关。演奏者能够体会局部与整体的共同作用。因此，音乐家必须抓住要害，这就是在每一种时间范围内使其原有的音质能为人们所察觉，这个要害就是速度！
每一种速度所表达的生命力，内心里的韵律尺度才是唯一区分的要素。因此，一个冷冰冰的演奏即使演奏较快速的柔板，听起来总是比一个热血沸腾的演奏者奏最慢的慢板要更显得懒洋洋。卡萨尔斯对速度转变得太慢或太早都提出了警告，渐慢要在非常有规律，有秩序和均衡中进行，否则我们就会抓不住，包括听众在内。渐慢的处理未必都要按照以往写好的去演奏。就如李斯特所说，尽管你是辛辛苦苦、全心全意的，符号终归不能做到十全十美，某些细节（其中包含最重要的东西），是不可能用笔写下来的。音乐演奏的生命力是靠诠释者自发的节奏感来表达的。
真诚地演奏，并不是不要细致和精炼，而是根据音乐的要求，直截了当地演奏，不要自作多情，这说明我们的理解毫不含糊，也不羞羞答答。音乐不是出自装模作样、哗众取宠和过分夸张的，而是由于触动了他的内心生活，情感丰富的表现。一方面，音乐要具有乡土味，有着向前的劲头和洋溢的感情；另一方面，也需要深刻和崇高。
当卡萨尔斯演奏巴赫的慢板乐章时，他闭上了眼睛，排除了所有平时的忧虑和雄心壮志而全神贯注，他好像是走在无边无际的空间之中，在深邃的寂静中，浮现出他的大提琴的声音，他在自我欣赏而又不是只是为了自己，因为我们每个人都在跟随着他的声音，他在用自己的方式，似乎使用一种难以形容的纯真的声音在和我们谈话。
中国古代画家认为，一个伟大的艺术家必不可少的标志是善于把难于表达的事物本质体现在“第一原则”之中, （注：我国南朝时著名画家谢赫在他的传世之作《古画品录》中提出“绘画六法”: 一曰气韵生动，二曰骨法用笔，三曰应物象形，四曰随类赋彩，五曰经营位置，六曰传移模写。对中国古代绘画创作的影响极为深远。）同时也懂得作为一个艺术家，不能只满足于表现第一原则，还必须掌握每一种必不可少的技巧。没有一种朝气蓬勃的精神的激励，作品就没有生命力；而缺少知识了方法，精神的力量也不可能在艺术作品中表现出来。
变化，是个最重要的词，音乐也像一切事物一样，变化是自然规律，好的音乐从来不是单调的，如果单调，那是我们的过错，是我们没有奏出它应有的效果来，我们必须赋予一个旋律原有的生命力，如果把被人遗忘的那些简单的东西和自然规律放进音乐里去，那么音乐就出来了！
自然规律，出自于对质决定的推理。大自然受着无休止的涨潮和退潮的支配，包含着明显的季节变化，昼夜的交替， 潮汐的运动，无穷的脉动是生物生命的核心。我们心脏的跳动，呼吸的节奏也是一种起伏。而我们的思想感情，想象中都像波浪一样荡漾着， 在平静下来之前，发展变化一直到顶点，自然界是永远不会停留在一个水平线上的，而是不断的在摇动着……
力度不是持久不变的，强奏中也留有一些柔和的空间；反复时强度要有细微的变化，无论是同音或是分句的反复；力度的变化是与音的高低相呼应的；长音要增加强度，从而可以使总的线条得到发展，如果这个布局是向上的，我们就要把声音稍稍加强；如果是向下的，就要稍稍减弱、这并不是说没有例外，而是顺其自然。
一般来说，长音符就意味着渐强或渐弱，我们要懂得要根据音乐的要求应该做到什么程度。紧接着的反复，应当形成对比，稍稍有一点强或弱和音色上的变化，否则就不是音乐了，变化艺术就寓于其中。
如果长音符总是在一个强度上就会显得呆板，人们实在期待一些东西，那么这些东西就是给长音加以色彩，如果你稍微加上一点渐强，兴趣就会延伸下去，你看这是多么美丽啊！在长音中渐强会增加把旋律支撑起来的力量，少了这一点，就会出现另一种情况，即成为可怜的纸上音乐。
在弱处，应当有连绵不断的表情和音响度，即使你是弱奏也应该给它以色彩。即使是不好的尝试也比单调无味好！
要完成一个分句，就要大声唱那些较高的音符，对旋律的感觉是和歌唱艺术紧密相连的，我经常要求学生用弓子来歌唱：“在分句的顶点上歌唱！” 永远不要忘记，一个分句通常必须有一个主要的音，而这就是音乐的顶点，这往往被人所忽略。
歌唱永远不应该一味地向前直冲，而应该像流水一般掠过，在柔和的节奏韵律中滑翔，和谐地一浪推一浪。
“清澈！大音符自己出来，小音符则须留意……”
音乐的效果就像绘画中明暗对照的手法，用细致的明暗并置的方法，艺术家可以在油画布上创造出透视的效果，图像看起来像是立体模型。器乐演奏者用力度对比塑造他的激情，就要把重点放在突出的地位，使音乐线条具有深度和起伏的感觉。
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